美術展
2021年10月08日
ゴッホ展 響きあう魂 ヘレーネとフィンセント
6月に鳥獣戯画展を見た。でもあれは漫画みたいなものだから、しっかりとした絵を見たのは1月の田中一村展が最後である。そろそろ心が渇いてきたので美術展情報をチェック。
しかしコロナのせいで美術展も不作気味。大型の美術展は準備に2〜3年はかけるらしいから、現在開催されているものはコロナ流行前に企画されていてコロナとは関係ないはず。でもコロナの影響で準備が途中で中止になったものもあるだろうから、それが影響しているのかな。
それで選んだのがゴッホ展。訪れたのは10月5日。またゴッホかよという気がしなくもないが、それでも出かけたのは「黄色い家」という作品が展示されているから。
私が死ぬまでに見ておきたい絵の1つに、ゴッホの「夜のカフェテラス」という作品がある。
これは黄色フェチのゴッホが描いたあり得ない夜の光景。2005年のゴッホ展に展示されたが、その頃は今のように美術館通いをしていなかった。そして、その前に来たのは何と1955年で私が生まれるよりも前！ 単純計算すれば50年に1度のペースな訳で、日本で待っていたら見られない可能性が高い。
「黄色い家」はゴッホがアルルで住んでいた家。「夜のカフェテラス」とは違う建物なのだが、まあご近所だったらしいし、「黄色い家」にもテラスが描かれていて「夜のカフェテラス」の昼間版みたいなものだと勝手に決めつけて見に行くことにした。
さてコロナ以降、ほとんどの展覧会は予約制になった。入場時刻が30分単位で指定され、スマホ決済して、送られてきたQRコードなどを入口で提示する方式。音楽会などと違って気が向いた時にふらっと出向けるのが美術展の魅力だったのに、手間が掛かるようになって残念。コロナめ！
それで予約時刻より早く着いてしまい、まずはリニューアルされた上野駅公園口の駅ナカをブラブラ。以前の姿をあまり覚えていないが、こんなに広々した感じはなかったと思う。
左手は今や貴重な本屋さん。右手にはユニクロ。
このあたりは食品関連。
改札口へ向かう。
鳥獣戯画展の時に書いたように、以前は公園に入るのに道路を渡らなければいけなかったが、リニューアルで改札口と公園が直結になった。
改札口をでたところ。
雲が秋の形をしている。イワシ雲だったかな。
西洋美術館はまだ改装工事中。
昨年に冬ボタンを見に来た東照宮ぼたん苑は、秋にダリアを咲かせているらしい。知っていたら、こちらも見られるスケジュールで来たのに。いつもながら事前準備が甘い(/o＼)
公園の中央まで進んで博物館方向。
噴水池。
置かれているのはインパチェンスだと思う。
最近はスマホで写真を撮って調べられる植物図鑑アプリが充実してきたので便利になった。ただし今回は3つのアプリを使って2つがニチニチソウ、1つがインパチェンスの判定だった。後で調べて葉にギザギザがあるからインパチェンスと判明。
噴水池を横から。
広い空間で心も軽やかになるね。
横道にそれて美術館へ向かう。
奥に見えるのは国立博物館に移築された黒門。
どこかの大名屋敷の正門で、東大の赤門（加賀前田家）と並ぶ価値があるらしい。
その黒門があり、かつレンガ造りの美術館の横を通るこの道は
上野公園でもお気に入りの場所。
毎度お馴染みの東京都美術館。
入口にこんな文字があるなんて、今まで気がついていなかった。
いちおう当日券もあるらしいが、買えるかどうかは運次第。
予約時刻になっていたが受付開始直後は混雑するので、しばらくミュージアムショップを冷やかす。ちなみに指定された30分間に入場する必要はあるが、鑑賞時間に制限はない。
ゴッホグッズがたくさん売られている。
あまり似ていないゴッホ人形(>_<)
靴下はゴッホの顔をしていた。
いよいよ会場へ。
ーーー続く。
しかしコロナのせいで美術展も不作気味。大型の美術展は準備に2〜3年はかけるらしいから、現在開催されているものはコロナ流行前に企画されていてコロナとは関係ないはず。でもコロナの影響で準備が途中で中止になったものもあるだろうから、それが影響しているのかな。
それで選んだのがゴッホ展。訪れたのは10月5日。またゴッホかよという気がしなくもないが、それでも出かけたのは「黄色い家」という作品が展示されているから。
私が死ぬまでに見ておきたい絵の1つに、ゴッホの「夜のカフェテラス」という作品がある。
これは黄色フェチのゴッホが描いたあり得ない夜の光景。2005年のゴッホ展に展示されたが、その頃は今のように美術館通いをしていなかった。そして、その前に来たのは何と1955年で私が生まれるよりも前！ 単純計算すれば50年に1度のペースな訳で、日本で待っていたら見られない可能性が高い。
「黄色い家」はゴッホがアルルで住んでいた家。「夜のカフェテラス」とは違う建物なのだが、まあご近所だったらしいし、「黄色い家」にもテラスが描かれていて「夜のカフェテラス」の昼間版みたいなものだと勝手に決めつけて見に行くことにした。
さてコロナ以降、ほとんどの展覧会は予約制になった。入場時刻が30分単位で指定され、スマホ決済して、送られてきたQRコードなどを入口で提示する方式。音楽会などと違って気が向いた時にふらっと出向けるのが美術展の魅力だったのに、手間が掛かるようになって残念。コロナめ！
それで予約時刻より早く着いてしまい、まずはリニューアルされた上野駅公園口の駅ナカをブラブラ。以前の姿をあまり覚えていないが、こんなに広々した感じはなかったと思う。
左手は今や貴重な本屋さん。右手にはユニクロ。
このあたりは食品関連。
改札口へ向かう。
鳥獣戯画展の時に書いたように、以前は公園に入るのに道路を渡らなければいけなかったが、リニューアルで改札口と公園が直結になった。
改札口をでたところ。
雲が秋の形をしている。イワシ雲だったかな。
西洋美術館はまだ改装工事中。
昨年に冬ボタンを見に来た東照宮ぼたん苑は、秋にダリアを咲かせているらしい。知っていたら、こちらも見られるスケジュールで来たのに。いつもながら事前準備が甘い(/o＼)
公園の中央まで進んで博物館方向。
噴水池。
置かれているのはインパチェンスだと思う。
最近はスマホで写真を撮って調べられる植物図鑑アプリが充実してきたので便利になった。ただし今回は3つのアプリを使って2つがニチニチソウ、1つがインパチェンスの判定だった。後で調べて葉にギザギザがあるからインパチェンスと判明。
噴水池を横から。
広い空間で心も軽やかになるね。
横道にそれて美術館へ向かう。
奥に見えるのは国立博物館に移築された黒門。
どこかの大名屋敷の正門で、東大の赤門（加賀前田家）と並ぶ価値があるらしい。
その黒門があり、かつレンガ造りの美術館の横を通るこの道は
上野公園でもお気に入りの場所。
毎度お馴染みの東京都美術館。
入口にこんな文字があるなんて、今まで気がついていなかった。
いちおう当日券もあるらしいが、買えるかどうかは運次第。
予約時刻になっていたが受付開始直後は混雑するので、しばらくミュージアムショップを冷やかす。ちなみに指定された30分間に入場する必要はあるが、鑑賞時間に制限はない。
ゴッホグッズがたくさん売られている。
あまり似ていないゴッホ人形(>_<)
靴下はゴッホの顔をしていた。
いよいよ会場へ。
ーーー続く。
wassho at 23:11｜Permalink│Comments(0)│
2021年06月29日
トーハクの総合文化展ウロチョロ
6月8日に上野にある東京国立博物館（トーハク）で見てきた鳥獣戯画展の番外編その２。
庭園をブラブラした後は本館で常設展を。
何度も来ているのについ写真を撮ってしまうレトロで重厚な空間。
本日の展示内容。
写真では切れてしまっているが全部で９つあった。開催期日を見ると、だいたい２週間に１つの割合で展示が入れ替わるみたい。
ところでトーハクの総合文化展とはいわゆる常設展だと思っているのだが、普通の美術館のそれと較べれば、もう少し企画的要素が強いのかも知れない。収蔵品数が膨大だから何かテーマを設けないと展示しにくいのかな。ちなみに東京国立博物館の収蔵品は約12万件で、京都国立博物館の約1万5000件や国立西洋美術館の約6000件と較べて圧倒的。
ただしここに記されていない展示もあったような。それらと総合文化展との関わりがよくわからないが、まあとにかくトーハクに来ればたくさんの展示品を見ることができる。
本館は2階建て。建物の外周部分に沿って展示室が連なっている。
最初に向かったのはこの期間の目玉展示である「鳥獣戯画展スピンオフ」。スピンは回るでオフは離れていくだから、スピンオフはクルクル回って遠心力で飛び出すというようなイメージ。そこから転じて派生という意味合い。ドラマや映画でよく使われるようになった。
ここでは鳥獣戯画に登場する動物に焦点を当てて、いろいろな像や絵などが展示されていたがーーーあまり関心を持てなかった。結局、鳥獣戯画とは甲巻に描かれている内容・世界観がすべてで、それを見てニコニコできればいい〜それ以上でも以下でもないというのが私の捉え方のような気がする。だから展覧会での模本や断簡でオリジナルに迫ろうという企画にもあまり興味が湧かなかったのだと思う。
またこのスピンオフ展には山崎董洤（やまざき とうせん）という絵師が、鳥獣戯画４巻を明治時代に模写したものが展示されていた。また模本かと思いあまりよく見なかったが、これは「鳥獣戯画展のチケットが取れなかった人のための展示でもある」というようなこともいわれている。展覧会に入れないのに、これだけを見に来る人なんているのかな？
当初はスピンオフ展だけを見るつもりだったが、せっかくなので館内をウロチョロと。
トーハクでいつも楽しみなのは埴輪とかの古代日本の展示。いつぞやは国宝の挂甲武人（けいこうぶじん）を見てけっこう興奮した。展示室に入るといきなり国宝が鎮座していてビックリするのがトーハクの醍醐味。
仏像見たり絵巻見たり。
展示室と展示室の途中に設けられている休憩スペース。
この椅子がなかなかよかった。何がよかったかというと座面のフレームが左右に張り出しているが、座るとその反り上がっている部分が手を置くのに絶妙な高さ。外観的にはいかにも「デザインしました」という感じでまったく好みではないが、試してみないとわからないこともあると実感。
この休憩スペースからテラスに出て庭園を眺められる。前回の投稿で庭園側から写真を撮った場所。ついでに２階以上にあって屋根のあるのがベランダ、ないのがバルコニー、１階で外に出やすいように床などを敷いたのがテラスね。
テラスに出ると隅に係員がいた。おそらく日本庭園が閉まる午後４時に会わせてテラスも出入りができなくなるので締め切るために待機しているのだろう。この時は４時２分前。「雨で床が濡れているのでご注意を」と声をかけられる。いうほど濡れていなかったがボーッと立っているだけじゃ退屈なんだろう(^^ゞ
ところで後でスマホを見ると、午後３時半に80mmもの豪雨予報が出ていた。実際にはこの前後にそんな雨は降っていない。このアプリの予報はいつも大げさなのが困る。
館内の所々にこのレトロなダイアル式の電話が置いてある。いちおう内線番号が書かれているがつながるのかな。それともシャレ？
武具が置いてあるコーナーに来た。
日本刀のよさというのもサッパリわからないのだが、
これは国宝らしい！
では改めて国宝を鑑賞しましょう。
やはり何も感じないが(^^ゞ
最近は刀剣乱舞というゲームの影響で日本刀がブームらしく、刀剣女子や日本刀女子という言葉もよく耳にする。何でも「女子」を付ければいいものじゃないとは思っているが。最初の写真にも一眼レフを構えている熱心な刀剣女子がうっすらと写っているよ。
最後に見たのは大型の仏像コーナー。
これはあまりヤル気のないホトケダンサーズ？
ところで一般的に（日本では）
博物館：写真撮影可
美術館：写真撮影不可
である。トーハクの場合は何も注意書きがなければ撮影可で、不可の場合はその旨の表示がある。この仏像コーナーでは５点のうち１点が撮影可能だった。似たような仏像なのに何が違うのか。たまたま係員がいたので尋ねてみると、
トーハク所蔵（所有権があるという意味）の展示は原則的に撮影可。
寄託（所有者からトーハクが預かって展示）されているものは所有者の意向による。
ということだった。ではその所有者はどうして撮影禁止にするのだろう。海外では美術館でもたいてい撮影できる。やはり「写真を撮ると魂を抜かれる」と思われていた伝統がまだ生きているのかな(^^ゞ
話は変わるがトーハクの常設展示を見て歩くと、いつも注意力散漫な鑑賞になってしまう。
その原因はおそらく
館内がメチャ広い
全体的なつながりがなく、あらゆる時代や内容のものが展示されている
個々の展示方法にもメリハリがない
企画展のオマケで見ているという意識がどこかにある
からかな。
何となくもったいないというか、もっと工夫できるはずと思ってしまう。
もっとも具体的な提案はないが。
来た時には止まっていた噴水が噴き出していた。
残念なことに今年はこれからおもしろそうな展覧会がほとんどない。コロナで企画が進まなかったのかなあ。でも大規模な展覧会は数年かけて準備するものだから、コロナの影響が出るとしたらもっと先だと思うけれど。それはそれで心配ーーー
庭園をブラブラした後は本館で常設展を。
何度も来ているのについ写真を撮ってしまうレトロで重厚な空間。
本日の展示内容。
写真では切れてしまっているが全部で９つあった。開催期日を見ると、だいたい２週間に１つの割合で展示が入れ替わるみたい。
ところでトーハクの総合文化展とはいわゆる常設展だと思っているのだが、普通の美術館のそれと較べれば、もう少し企画的要素が強いのかも知れない。収蔵品数が膨大だから何かテーマを設けないと展示しにくいのかな。ちなみに東京国立博物館の収蔵品は約12万件で、京都国立博物館の約1万5000件や国立西洋美術館の約6000件と較べて圧倒的。
ただしここに記されていない展示もあったような。それらと総合文化展との関わりがよくわからないが、まあとにかくトーハクに来ればたくさんの展示品を見ることができる。
本館は2階建て。建物の外周部分に沿って展示室が連なっている。
最初に向かったのはこの期間の目玉展示である「鳥獣戯画展スピンオフ」。スピンは回るでオフは離れていくだから、スピンオフはクルクル回って遠心力で飛び出すというようなイメージ。そこから転じて派生という意味合い。ドラマや映画でよく使われるようになった。
ここでは鳥獣戯画に登場する動物に焦点を当てて、いろいろな像や絵などが展示されていたがーーーあまり関心を持てなかった。結局、鳥獣戯画とは甲巻に描かれている内容・世界観がすべてで、それを見てニコニコできればいい〜それ以上でも以下でもないというのが私の捉え方のような気がする。だから展覧会での模本や断簡でオリジナルに迫ろうという企画にもあまり興味が湧かなかったのだと思う。
またこのスピンオフ展には山崎董洤（やまざき とうせん）という絵師が、鳥獣戯画４巻を明治時代に模写したものが展示されていた。また模本かと思いあまりよく見なかったが、これは「鳥獣戯画展のチケットが取れなかった人のための展示でもある」というようなこともいわれている。展覧会に入れないのに、これだけを見に来る人なんているのかな？
当初はスピンオフ展だけを見るつもりだったが、せっかくなので館内をウロチョロと。
トーハクでいつも楽しみなのは埴輪とかの古代日本の展示。いつぞやは国宝の挂甲武人（けいこうぶじん）を見てけっこう興奮した。展示室に入るといきなり国宝が鎮座していてビックリするのがトーハクの醍醐味。
仏像見たり絵巻見たり。
展示室と展示室の途中に設けられている休憩スペース。
この椅子がなかなかよかった。何がよかったかというと座面のフレームが左右に張り出しているが、座るとその反り上がっている部分が手を置くのに絶妙な高さ。外観的にはいかにも「デザインしました」という感じでまったく好みではないが、試してみないとわからないこともあると実感。
この休憩スペースからテラスに出て庭園を眺められる。前回の投稿で庭園側から写真を撮った場所。ついでに２階以上にあって屋根のあるのがベランダ、ないのがバルコニー、１階で外に出やすいように床などを敷いたのがテラスね。
テラスに出ると隅に係員がいた。おそらく日本庭園が閉まる午後４時に会わせてテラスも出入りができなくなるので締め切るために待機しているのだろう。この時は４時２分前。「雨で床が濡れているのでご注意を」と声をかけられる。いうほど濡れていなかったがボーッと立っているだけじゃ退屈なんだろう(^^ゞ
ところで後でスマホを見ると、午後３時半に80mmもの豪雨予報が出ていた。実際にはこの前後にそんな雨は降っていない。このアプリの予報はいつも大げさなのが困る。
館内の所々にこのレトロなダイアル式の電話が置いてある。いちおう内線番号が書かれているがつながるのかな。それともシャレ？
武具が置いてあるコーナーに来た。
日本刀のよさというのもサッパリわからないのだが、
これは国宝らしい！
では改めて国宝を鑑賞しましょう。
やはり何も感じないが(^^ゞ
最近は刀剣乱舞というゲームの影響で日本刀がブームらしく、刀剣女子や日本刀女子という言葉もよく耳にする。何でも「女子」を付ければいいものじゃないとは思っているが。最初の写真にも一眼レフを構えている熱心な刀剣女子がうっすらと写っているよ。
最後に見たのは大型の仏像コーナー。
これはあまりヤル気のないホトケダンサーズ？
ところで一般的に（日本では）
博物館：写真撮影可
美術館：写真撮影不可
である。トーハクの場合は何も注意書きがなければ撮影可で、不可の場合はその旨の表示がある。この仏像コーナーでは５点のうち１点が撮影可能だった。似たような仏像なのに何が違うのか。たまたま係員がいたので尋ねてみると、
トーハク所蔵（所有権があるという意味）の展示は原則的に撮影可。
寄託（所有者からトーハクが預かって展示）されているものは所有者の意向による。
ということだった。ではその所有者はどうして撮影禁止にするのだろう。海外では美術館でもたいてい撮影できる。やはり「写真を撮ると魂を抜かれる」と思われていた伝統がまだ生きているのかな(^^ゞ
話は変わるがトーハクの常設展示を見て歩くと、いつも注意力散漫な鑑賞になってしまう。
その原因はおそらく
館内がメチャ広い
全体的なつながりがなく、あらゆる時代や内容のものが展示されている
個々の展示方法にもメリハリがない
企画展のオマケで見ているという意識がどこかにある
からかな。
何となくもったいないというか、もっと工夫できるはずと思ってしまう。
もっとも具体的な提案はないが。
来た時には止まっていた噴水が噴き出していた。
残念なことに今年はこれからおもしろそうな展覧会がほとんどない。コロナで企画が進まなかったのかなあ。でも大規模な展覧会は数年かけて準備するものだから、コロナの影響が出るとしたらもっと先だと思うけれど。それはそれで心配ーーー
wassho at 22:37｜Permalink│Comments(0)│
2021年06月27日
トーハクの庭園ブラブラ
6月8日に上野にある東京国立博物館（トーハク）で見てきた鳥獣戯画展の番外編その１。
鳥獣戯画展の後は総合文化展を見るつもりだった。トーハクの総合文化展とは一般にいう常設展のことである。その展示室のある本館とは館内連絡通路で結ばれているけれど、外の空気を吸いたくなったのでいったん建物を出る。
するとこんな看板を発見。
トーハクの日本庭園は「3月中旬〜4月中旬」「10月中旬〜12月上旬」と年に３ヶ月ほどしか公開されていない。しかしコロナで休館していたから公開時期を延ばしたのだろうか。理由はわからないが、とにかくラッキー！と見学することに。
しかし看板には10：00 ー 15：30の文字が。この写真の撮影時刻は15時3分とあまり時間がない。後で知ったのだが庭園は16時まで開園されていて、ここと反対側の東入口だとその時間まで出入りできるみたい。入り口によって使える時間を分けるのも意味不明であるが、少なくともその注意書きはここに記しておくべき。
平成館と本館の連絡通路の下をくぐって庭園に入る。
石灯籠の方向に池がある。
そちらに向かわず、そのままこの通路を進んでいくと、
これは応挙館という建物。
元は江戸時代に建てられた寺の書院で1933年（昭和8年）にここへ移築されたとのこと。内部の壁や襖（ふすま）に円山応挙の描いた墨絵があるらしいが、建物が閉まっていたので素通り。
その奥にあったのが九条館。
摂関家である九条家の建物として京都御所内にあったものを、明治になって九条家が東京に移った際に建物も移築。1934年（昭和9年）に寄贈されて現在の場所に再移築。最初に建てられたのは400年ほど前らしい。それにしても明治の初め、まだ鉄道もトラックもない時代に京都から東京まで家１軒分の資材を運ぶのはたいへんだったろうな。
こちらは中が見られたが（入ることはできなかった）、ふすま絵のようなものはなし。あまりこういうものに興味がなく、そのよさがわからないが、行楽地でたまに見かける古民家とはレベルが違うことは確か。
通路を元に戻り池に進む。
池の畔にあったのは六窓庵（ろくそうあん）という茶室。これも色々と由緒があるのだが長くなるので省略。とりあえずトーハクのホームページのURLだけ記しておく。 https://www.tnm.jp/modules/r_free_page/index.php?id=121
内部は伺えなかったが、外から見る限りは古くてボロッチイ小屋という印象しかなかった。相撲取りが10人くらいで体当たりしたら倒れそうである。
池越にトーハク本館裏手を眺める。
ちょっと雲行きが怪しくなってきた。
さらに池の周りを歩くと転合庵（てんごうあん）という小堀遠州ゆかりの茶室。これも400年ほど前の建物。解説は上記のURLで。とりあえず写真的には無造作に置かれたブルーのジョウロが邪魔(^^ゞ
水際へ降りていく。
この日はデジカメではなくiPhoneでの撮影だが、どうも調子がおかしかった。ピントがボケているものが多いし、これなんかは左側の葉だけがブレたようになっている。撮影する時にアプリの画面がいつもと違うような気もしたが、自動ではなくマニュアル設定になっていたのかも知れない。撮った写真をその場で確認しないタイプなものでーーー
池をほぼ半周回って本館のそばまでやってくる。
窓のところに人がいるのはテラスになっている場所。本館の通路からテラスに出られるが、そこから庭には降りられない。逆に庭園からテラスを伝って本館に入るのも不可。（テラスからは降りられるが戻るのが禁止だったかも知れない。だから階段を降りている人がいるのかも）
本館側から見た池。池に名前はないみたい。
ここから見えている茶室は六窓庵。
30分ほどのブラブラだったから見て回れたのは庭園の半分程度かな。なおこの庭園の面積の資料は少なく8300坪と記しているものが１つ見つかっただけ。それが正しいとすれば2.7ヘクタールとなる。ちなみにトーハク全体の敷地は12ヘクタール。ついでに上野動物園は14ヘクタールで上野公園としてなら54ヘクタール。
まあ造園レベル的には（古い茶室に興味があるなら別として）わざわざ見に来るような場所ではない。しかし展覧会のついでに散策する分には気分転換になるし、また庭園を見下ろす高い建物がないのもポイントが高い。サクラと紅葉の時だけといわずに通年で開放すればいいのに。
鳥獣戯画展の後は総合文化展を見るつもりだった。トーハクの総合文化展とは一般にいう常設展のことである。その展示室のある本館とは館内連絡通路で結ばれているけれど、外の空気を吸いたくなったのでいったん建物を出る。
するとこんな看板を発見。
トーハクの日本庭園は「3月中旬〜4月中旬」「10月中旬〜12月上旬」と年に３ヶ月ほどしか公開されていない。しかしコロナで休館していたから公開時期を延ばしたのだろうか。理由はわからないが、とにかくラッキー！と見学することに。
しかし看板には10：00 ー 15：30の文字が。この写真の撮影時刻は15時3分とあまり時間がない。後で知ったのだが庭園は16時まで開園されていて、ここと反対側の東入口だとその時間まで出入りできるみたい。入り口によって使える時間を分けるのも意味不明であるが、少なくともその注意書きはここに記しておくべき。
平成館と本館の連絡通路の下をくぐって庭園に入る。
石灯籠の方向に池がある。
そちらに向かわず、そのままこの通路を進んでいくと、
これは応挙館という建物。
元は江戸時代に建てられた寺の書院で1933年（昭和8年）にここへ移築されたとのこと。内部の壁や襖（ふすま）に円山応挙の描いた墨絵があるらしいが、建物が閉まっていたので素通り。
その奥にあったのが九条館。
摂関家である九条家の建物として京都御所内にあったものを、明治になって九条家が東京に移った際に建物も移築。1934年（昭和9年）に寄贈されて現在の場所に再移築。最初に建てられたのは400年ほど前らしい。それにしても明治の初め、まだ鉄道もトラックもない時代に京都から東京まで家１軒分の資材を運ぶのはたいへんだったろうな。
こちらは中が見られたが（入ることはできなかった）、ふすま絵のようなものはなし。あまりこういうものに興味がなく、そのよさがわからないが、行楽地でたまに見かける古民家とはレベルが違うことは確か。
通路を元に戻り池に進む。
池の畔にあったのは六窓庵（ろくそうあん）という茶室。これも色々と由緒があるのだが長くなるので省略。とりあえずトーハクのホームページのURLだけ記しておく。 https://www.tnm.jp/modules/r_free_page/index.php?id=121
内部は伺えなかったが、外から見る限りは古くてボロッチイ小屋という印象しかなかった。相撲取りが10人くらいで体当たりしたら倒れそうである。
池越にトーハク本館裏手を眺める。
ちょっと雲行きが怪しくなってきた。
さらに池の周りを歩くと転合庵（てんごうあん）という小堀遠州ゆかりの茶室。これも400年ほど前の建物。解説は上記のURLで。とりあえず写真的には無造作に置かれたブルーのジョウロが邪魔(^^ゞ
水際へ降りていく。
この日はデジカメではなくiPhoneでの撮影だが、どうも調子がおかしかった。ピントがボケているものが多いし、これなんかは左側の葉だけがブレたようになっている。撮影する時にアプリの画面がいつもと違うような気もしたが、自動ではなくマニュアル設定になっていたのかも知れない。撮った写真をその場で確認しないタイプなものでーーー
池をほぼ半周回って本館のそばまでやってくる。
窓のところに人がいるのはテラスになっている場所。本館の通路からテラスに出られるが、そこから庭には降りられない。逆に庭園からテラスを伝って本館に入るのも不可。（テラスからは降りられるが戻るのが禁止だったかも知れない。だから階段を降りている人がいるのかも）
本館側から見た池。池に名前はないみたい。
ここから見えている茶室は六窓庵。
30分ほどのブラブラだったから見て回れたのは庭園の半分程度かな。なおこの庭園の面積の資料は少なく8300坪と記しているものが１つ見つかっただけ。それが正しいとすれば2.7ヘクタールとなる。ちなみにトーハク全体の敷地は12ヘクタール。ついでに上野動物園は14ヘクタールで上野公園としてなら54ヘクタール。
まあ造園レベル的には（古い茶室に興味があるなら別として）わざわざ見に来るような場所ではない。しかし展覧会のついでに散策する分には気分転換になるし、また庭園を見下ろす高い建物がないのもポイントが高い。サクラと紅葉の時だけといわずに通年で開放すればいいのに。
wassho at 23:15｜Permalink│Comments(0)│
2021年06月18日
特別展「国宝 鳥獣戯画のすべて」 その６
会場は２つに分かれていて、第１会場には今まで書いてきた住吉家旧蔵本（模本）と、甲・乙・丙・丁の鳥獣戯画全４巻、それと江戸時代の初めから最近まで鳥獣戯画が収められていた箱が展示されていた。
外箱と内箱に分かれ（写真上段）、内箱も二重構造で（写真下段）絵巻を２つ入れたものを二段に重ねて、それを上から覆う造りになっている。この立派な箱を見れば鳥獣戯画がどんな扱いをされてきたかわかるというもの。
第２会場に入る。
もう鳥獣戯画を見終わったのに何が展示してあったのかというと、迎えてくれるのは「鳥獣戯画の断簡と模本 ー 失われた場面の復原」というコーナーである。
断簡とは切れ切れになった文書が本来の意味であるが、美術用語では絵巻の一部が切り離され掛軸などに仕立て直されて残っているものを意味する。ワガママなことをするヤツがいるものだと思うが、これは絵巻アルアルなことらしい。
※なお復原と復元はどちらも「もとの姿に戻すこと」だが、文化財用語では、
今あるものをオリジナルの状態に戻すのが復原、失われたものを（新たに）
再現するのが復元。
断簡 東博本：祭礼の行列風景らしい
断簡 益田家旧蔵本：サルとウサギがシカに乗って競争。
サルはウサギの耳を引っ張って妨害行為中(^^ゞ
断簡 MIHO Museum本
もうひとつ高松家旧蔵本の断簡というのがあった。
やはり断簡はおいしいところを切り取っているなという印象。
それぞれの名前は基本的に所有者に由来している。ただし現在の所有者とは限らない。
東博：東京国立博物館の意味だが、この断簡の現在の所有は独立行政法人国立
文化財機構で、保管が東京国立博物館。
益田家：明治時代に三井財閥で活躍した実業家で茶人の益田孝の益田家。
現在の所有者は記載がないから今も益田家にあるか別の個人の所有。
MIHO Museum：滋賀県にある神慈秀明会という宗教法人が運営する
博物館が所有。
高松家：調べてもどこの高松さんなのかかわからなかった。現在はアメリカ人の
個人所有でブルックリン美術館に寄託されている（預けること）。
模写である模本は、第１会場にあった住吉家旧蔵本（1598年作）の他に以下のものが展示されていた。
長尾家旧蔵本 15〜16世紀の作 長尾家については不明
探幽縮図 江戸幕府の絵師である狩野探幽による17世紀の模写
松浦家本 1819年作 平戸藩主の松浦静山が別の模写から模写させたもの
長尾家旧蔵本から。
どちらも現在の鳥獣戯画には描かれていない内容。
この時代にもう高飛び競技があったのに驚く。
ヘビにビビって逃げるカエル。
断簡があれば鳥獣戯画は一部が切り取られていることになる（切り取られた後に戻されたものもあるらしい）。そして模本はそれぞれが模写された時代の鳥獣戯画の姿を示している。それらをあれこれと研究して推測されているのは、
23枚の用紙が張り合わされている甲巻は、もともと２巻の絵巻として存在していた。
現在の１〜10枚目を含む絵巻に、住吉家の模本を中心に益田家・高松家・
MIHO Museumの断簡の内容を加えたもの。
現在の11〜23枚目を含む絵巻に、長尾家の模本を中心に東博の断簡の内容を
加えたもの。
それが切り取られて短くなったので？
江戸時代初めに２巻を１巻にまとめられて現在に伝わったーーーと考えられる。
甲巻が２つあったなんてビックリである。ただしその推測によって復原されたものが展示されていたが、ただでさえストーリーにつながりのない鳥獣戯画が、ますます訳のわからない内容になっていたような。（どうでもいいことだが、模本を使うなら、それは復原ではなく復元だろうという気がする）
また最も古い住吉家や長尾家の模本でも、鳥獣戯画が描かれてから数百年後の模写であり、それ以前に切り取られた断簡は反映していない。だから今後、もっと古い時代の模本、あるいはまとまった数の断簡が新たに出てくれば別だが、その可能性は極めて低いと思うのでオリジナルの姿に近づくのはかなり難しいと思う。
ただしストーリーがないことが幸いして、今のままでも充分に魅力的だし楽しめるのが鳥獣戯画である。800年前のおそらくは無名絵師の、おそらくは習作で描かれたものが、これだけしっかりと残っているだけでも儲けもの。
おしまい
何となく唐突な終わり方だけれど、
国宝の鳥獣戯画だって話にオチはないからね(^^ゞ
外箱と内箱に分かれ（写真上段）、内箱も二重構造で（写真下段）絵巻を２つ入れたものを二段に重ねて、それを上から覆う造りになっている。この立派な箱を見れば鳥獣戯画がどんな扱いをされてきたかわかるというもの。
第２会場に入る。
もう鳥獣戯画を見終わったのに何が展示してあったのかというと、迎えてくれるのは「鳥獣戯画の断簡と模本 ー 失われた場面の復原」というコーナーである。
断簡とは切れ切れになった文書が本来の意味であるが、美術用語では絵巻の一部が切り離され掛軸などに仕立て直されて残っているものを意味する。ワガママなことをするヤツがいるものだと思うが、これは絵巻アルアルなことらしい。
※なお復原と復元はどちらも「もとの姿に戻すこと」だが、文化財用語では、
今あるものをオリジナルの状態に戻すのが復原、失われたものを（新たに）
再現するのが復元。
断簡 東博本：祭礼の行列風景らしい
断簡 益田家旧蔵本：サルとウサギがシカに乗って競争。
サルはウサギの耳を引っ張って妨害行為中(^^ゞ
断簡 MIHO Museum本
もうひとつ高松家旧蔵本の断簡というのがあった。
やはり断簡はおいしいところを切り取っているなという印象。
それぞれの名前は基本的に所有者に由来している。ただし現在の所有者とは限らない。
東博：東京国立博物館の意味だが、この断簡の現在の所有は独立行政法人国立
文化財機構で、保管が東京国立博物館。
益田家：明治時代に三井財閥で活躍した実業家で茶人の益田孝の益田家。
現在の所有者は記載がないから今も益田家にあるか別の個人の所有。
MIHO Museum：滋賀県にある神慈秀明会という宗教法人が運営する
博物館が所有。
高松家：調べてもどこの高松さんなのかかわからなかった。現在はアメリカ人の
個人所有でブルックリン美術館に寄託されている（預けること）。
模写である模本は、第１会場にあった住吉家旧蔵本（1598年作）の他に以下のものが展示されていた。
長尾家旧蔵本 15〜16世紀の作 長尾家については不明
探幽縮図 江戸幕府の絵師である狩野探幽による17世紀の模写
松浦家本 1819年作 平戸藩主の松浦静山が別の模写から模写させたもの
長尾家旧蔵本から。
どちらも現在の鳥獣戯画には描かれていない内容。
この時代にもう高飛び競技があったのに驚く。
ヘビにビビって逃げるカエル。
断簡があれば鳥獣戯画は一部が切り取られていることになる（切り取られた後に戻されたものもあるらしい）。そして模本はそれぞれが模写された時代の鳥獣戯画の姿を示している。それらをあれこれと研究して推測されているのは、
23枚の用紙が張り合わされている甲巻は、もともと２巻の絵巻として存在していた。
現在の１〜10枚目を含む絵巻に、住吉家の模本を中心に益田家・高松家・
MIHO Museumの断簡の内容を加えたもの。
現在の11〜23枚目を含む絵巻に、長尾家の模本を中心に東博の断簡の内容を
加えたもの。
それが切り取られて短くなったので？
江戸時代初めに２巻を１巻にまとめられて現在に伝わったーーーと考えられる。
甲巻が２つあったなんてビックリである。ただしその推測によって復原されたものが展示されていたが、ただでさえストーリーにつながりのない鳥獣戯画が、ますます訳のわからない内容になっていたような。（どうでもいいことだが、模本を使うなら、それは復原ではなく復元だろうという気がする）
また最も古い住吉家や長尾家の模本でも、鳥獣戯画が描かれてから数百年後の模写であり、それ以前に切り取られた断簡は反映していない。だから今後、もっと古い時代の模本、あるいはまとまった数の断簡が新たに出てくれば別だが、その可能性は極めて低いと思うのでオリジナルの姿に近づくのはかなり難しいと思う。
ただしストーリーがないことが幸いして、今のままでも充分に魅力的だし楽しめるのが鳥獣戯画である。800年前のおそらくは無名絵師の、おそらくは習作で描かれたものが、これだけしっかりと残っているだけでも儲けもの。
おしまい
何となく唐突な終わり方だけれど、
国宝の鳥獣戯画だって話にオチはないからね(^^ゞ
wassho at 19:55｜Permalink│Comments(0)│
2021年06月16日
特別展「国宝 鳥獣戯画のすべて」 その５
さて乙巻から丁巻。
こちらは動く歩道ではなく通常の展示。
乙巻は甲巻より9枚多く、32枚の用紙がつなぎ合わされていて全長は12.25メートル。
1枚あたりの長さは何センチかというどうでもいい計算をしてみると、
甲巻：11.36メートル ÷ 23枚 ＝ 49センチ
乙館：12.25メートル ÷ 32枚 ＝ 38センチ
乙巻の平均値が短いのは、10センチほどのやたら短い用紙が何枚か使われているから。おそらく一部を切り取られた後に、その前後をつないだのだろう。だから中央値で較べれば甲巻と長さは変わらないはず。なお縦のサイズは31センチで甲巻と変わらない。
この乙巻は戯画（おかしみのある絵、戯を訓読みすればタワムレ）ではなくて、動物のスケッチあるいは図鑑みたいな内容。登場するのは全部で16種類。ただし後半は麒麟など想像上の動物が描かれる。
２枚目
9枚〜10枚目
15枚〜16枚目
絵がお上手ですねという感想だけしかでてこない。
はっきりいって800年前に描かれた骨董品であること以外に価値は見いだせない。
19枚〜20枚目
これは麒麟（きりん）。龍や鳳凰と同じく中国神話に現れる霊獣。
ところで中国人が初めて動物のキリンを見た時、この麒麟に姿が似ていたからキリンと名付けたらしい。キリンビールに描かれているイラストの麒麟はズングリしてキリンに似ていないが、この麒麟ならその気持ちはわかる。
25枚〜26枚目
ちょっと首が長い気もするが、これはトラ。この時代の日本では中国からの絵画や毛皮でしか存在を知らないので、麒麟と同じく想像上の動物扱いになって絵巻の後半に登場する。
27枚目
こちらは獅子。まったく空想の産物である麒麟と違って、獅子は古代の中国人が（まだ見たことのない）ライオンの話を聞いて想像を膨らませて創作したものらしい。
31枚〜32枚目
右のゾウはトラと同じ理由で絵巻の後半に描かれている。左にいるのは人の見る夢を食べて生きているという獏（ばく）。麒麟→キリンと同じく、動物のバクもこの獏に似ているのが名前の由来。
3巻目となる丙（へい）巻は用紙20枚プラス奥書で11.13メートル。これは戯画であるが、前半は人間で後半に動物を描いている。ただし鳥は登場しないから人獣戯画。もっともカエルは獣じゃないけれど。でもそれを言い出すと鳥獣戯画というタイトルも成立しなくなる。
4枚目
5枚目
7枚目
なぜか身体にヒモをひっかけて、それを引っ張り合う遊びがやたら出てくる。この時代に流行っていたのかな。未来にはゴムパッチンという遊びがあるよと教えてあげたいね(^^ゞ
6枚目
これはにらめっこ。昔は目比べ（めくらべ）といったらしい。
左側の二人がにらめっこをして、その表情を見た中央の人物が大笑いしている。
12枚目
動物編のパートはここから。シカに乗ってサルがレースをするシーンであるが、甲巻のようにユーモラスな感じは伝わってこない。
15枚目
サルやウサギもかわいくない(/o＼)
14枚〜15枚目
荷車をお祭りの山車（だし）に見立てているとの想定らしい。
丙巻で人間が描かれているパートは構図やデッサンがしっかりした印象を受けるが、動物のパートになるとかなりレベルが下がる。
丁（てい）巻は用紙18枚で長さ9.4メートルと最も短い。こちらは鳥も獣も登場せず人間だけが描かれている。他の巻と較べるとラフな筆遣いというか、短時間で仕上げた印象を受ける。
1枚目
右側は楽器の演奏。そのお囃子で盛り上げられている中央は、侏儒（しゅじゅ＝子人）の曲芸との解説だが、何が描かれているのかイマイチよくわからず。
3枚目
4枚〜5枚目
この2枚はどちらも僧侶が描かれている。リスペクトしている様子は伺えないな。
6枚目
いわゆる流鏑馬（やぶさめ）のシーン。
弓矢がＹの字になっていたのが不思議で調べてみると、これは鏑矢（かぶらや）という形状。Ｙ字の後ろに箱のようなものが描かれているが、それが空洞で笛になっていてる弓矢のようである（別に先端がＹ字じゃなくてもいい気もするが）。合戦の開始の合図として放たれたとのこと。
11枚目
木遣り（木材の運搬）の様子。かなり漫画っぽい描き方。
甲・乙・丙・丁でバラエティに富んでいておもしろかった。ただし各巻を通しで眺めると甲巻の素晴らしさ・レベルの高さが改めて浮き彫りになってくる。鳥獣戯画は4巻セットで国宝指定を受けている。しかし甲巻は単独で国宝の価値があるが、乙・丙・丁はもし甲巻が存在しなければ国宝になっていなかったと思う。
ーーー続く
こちらは動く歩道ではなく通常の展示。
乙巻は甲巻より9枚多く、32枚の用紙がつなぎ合わされていて全長は12.25メートル。
1枚あたりの長さは何センチかというどうでもいい計算をしてみると、
甲巻：11.36メートル ÷ 23枚 ＝ 49センチ
乙館：12.25メートル ÷ 32枚 ＝ 38センチ
乙巻の平均値が短いのは、10センチほどのやたら短い用紙が何枚か使われているから。おそらく一部を切り取られた後に、その前後をつないだのだろう。だから中央値で較べれば甲巻と長さは変わらないはず。なお縦のサイズは31センチで甲巻と変わらない。
この乙巻は戯画（おかしみのある絵、戯を訓読みすればタワムレ）ではなくて、動物のスケッチあるいは図鑑みたいな内容。登場するのは全部で16種類。ただし後半は麒麟など想像上の動物が描かれる。
２枚目
9枚〜10枚目
15枚〜16枚目
絵がお上手ですねという感想だけしかでてこない。
はっきりいって800年前に描かれた骨董品であること以外に価値は見いだせない。
19枚〜20枚目
これは麒麟（きりん）。龍や鳳凰と同じく中国神話に現れる霊獣。
ところで中国人が初めて動物のキリンを見た時、この麒麟に姿が似ていたからキリンと名付けたらしい。キリンビールに描かれているイラストの麒麟はズングリしてキリンに似ていないが、この麒麟ならその気持ちはわかる。
25枚〜26枚目
ちょっと首が長い気もするが、これはトラ。この時代の日本では中国からの絵画や毛皮でしか存在を知らないので、麒麟と同じく想像上の動物扱いになって絵巻の後半に登場する。
27枚目
こちらは獅子。まったく空想の産物である麒麟と違って、獅子は古代の中国人が（まだ見たことのない）ライオンの話を聞いて想像を膨らませて創作したものらしい。
31枚〜32枚目
右のゾウはトラと同じ理由で絵巻の後半に描かれている。左にいるのは人の見る夢を食べて生きているという獏（ばく）。麒麟→キリンと同じく、動物のバクもこの獏に似ているのが名前の由来。
3巻目となる丙（へい）巻は用紙20枚プラス奥書で11.13メートル。これは戯画であるが、前半は人間で後半に動物を描いている。ただし鳥は登場しないから人獣戯画。もっともカエルは獣じゃないけれど。でもそれを言い出すと鳥獣戯画というタイトルも成立しなくなる。
4枚目
5枚目
7枚目
なぜか身体にヒモをひっかけて、それを引っ張り合う遊びがやたら出てくる。この時代に流行っていたのかな。未来にはゴムパッチンという遊びがあるよと教えてあげたいね(^^ゞ
6枚目
これはにらめっこ。昔は目比べ（めくらべ）といったらしい。
左側の二人がにらめっこをして、その表情を見た中央の人物が大笑いしている。
12枚目
動物編のパートはここから。シカに乗ってサルがレースをするシーンであるが、甲巻のようにユーモラスな感じは伝わってこない。
15枚目
サルやウサギもかわいくない(/o＼)
14枚〜15枚目
荷車をお祭りの山車（だし）に見立てているとの想定らしい。
丙巻で人間が描かれているパートは構図やデッサンがしっかりした印象を受けるが、動物のパートになるとかなりレベルが下がる。
丁（てい）巻は用紙18枚で長さ9.4メートルと最も短い。こちらは鳥も獣も登場せず人間だけが描かれている。他の巻と較べるとラフな筆遣いというか、短時間で仕上げた印象を受ける。
1枚目
右側は楽器の演奏。そのお囃子で盛り上げられている中央は、侏儒（しゅじゅ＝子人）の曲芸との解説だが、何が描かれているのかイマイチよくわからず。
3枚目
4枚〜5枚目
この2枚はどちらも僧侶が描かれている。リスペクトしている様子は伺えないな。
6枚目
いわゆる流鏑馬（やぶさめ）のシーン。
弓矢がＹの字になっていたのが不思議で調べてみると、これは鏑矢（かぶらや）という形状。Ｙ字の後ろに箱のようなものが描かれているが、それが空洞で笛になっていてる弓矢のようである（別に先端がＹ字じゃなくてもいい気もするが）。合戦の開始の合図として放たれたとのこと。
11枚目
木遣り（木材の運搬）の様子。かなり漫画っぽい描き方。
甲・乙・丙・丁でバラエティに富んでいておもしろかった。ただし各巻を通しで眺めると甲巻の素晴らしさ・レベルの高さが改めて浮き彫りになってくる。鳥獣戯画は4巻セットで国宝指定を受けている。しかし甲巻は単独で国宝の価値があるが、乙・丙・丁はもし甲巻が存在しなければ国宝になっていなかったと思う。
ーーー続く
wassho at 23:17｜Permalink│Comments(0)│
2021年06月15日
特別展「国宝 鳥獣戯画のすべて」 その４
2015年に今回と同じく東京国立博物館で開かれた鳥獣戯画展は、待ち時間が６時間に及ぶ日もあったくらいの入場者を集めた。館内に入るのに１時間、乙・丙・丁の３巻を見終わるのに待ち時間を含めて２時間、そこから甲巻を見るのにさらに３時間の行列！ 最終の午後５時に入場した人が博物館を出たのは深夜11時を回っていたというからビックリである。その6時間のうち絵を鑑賞したのは15分くらいなんだろうなあ(/o＼)
その経験と反省を踏まえてかどうかは知らないが、この展覧会で導入されたのが動く歩道。最も人気のある＝混雑する甲巻の展示に設置されている。人がベルトコンベアに乗って作品の前を移動するというか移動させられるのは、おそらく展覧会史上初めてじゃないかな。
もっとも今回はコロナでかなりの入場者数制限をしているから、結果的には導入した意味がなかった。しかし企画発注されたのはコロナ以前だろうから、まあそれは仕方がない。
右から左へストーリーが進む絵巻に会わせて人が流れていく。これはおそらく事前内覧会で撮られた写真で、実際には動く歩道の上に途切れることなく人が乗っている。
写真はhttps://www.culture.city.taito.lg.jp/ja/reports/20474から引用
動く歩道で絵巻を見ること自体に違和感はなかった。移動するのが自分の足かベルトコンベアかの違いだけだからそれも当然か。違和感がないというよりアトラクションぽい感覚もあって、ちょっと楽しい。それと人とぶつかる心配がないので作品に集中できたのは想定外のメリット。
ただし動く歩道の移動スピードはかなり早く感じた。
スマホのストップウォッチで歩道に乗せられていた時間を測ったら2分24秒。
甲巻は11m57cmだから
秒速なら8cm
分速なら4.8m
時速なら0.29km
できれば2倍の5分は欲しい。最低でも4分は必要。
その場合で分速は2.9mとなる。
図柄として眺めるだけなら分速4.8mでも問題はない。しかし絵巻は物語である。鳥獣戯画にほとんどストーリーはないとわかっていても、脳がどうしてもストーリーとして捉えようとする。そして分速4.8mではそれを解釈する処理が追いつかない。だから目では見えているのに内容が頭に入ってこない感覚が生じてフラストレーションが溜まる。
もっともスピードを遅くすれば混雑緩和の効果は薄れてしまう。しかし自然発生する渋滞によるさらなる速度の低下は起こらないから（高速道路を思い出してね）、自由に歩かせるよりはスムーズに人が流れるのじゃないかな。そのあたりの工学は専門家じゃないからよくわからないが。いずれにしても必要な鑑賞時間を確保できないのなら本末転倒である。
なお甲巻を動く歩道で見た後は乙・丙・丁の展示ゾーンに進んで、動く歩道には戻れない導線になっている。もう一度見るには出口から出て、再び展示室に入り直す必要がある。
さて動く歩道は直線しか対応できないが、回転寿司のコンベア方式ならコーナーを曲がることも可能。ひょっとして未来の展覧会はそんな風にして見ることになるのだろうか。あるいはAIによる自動運転のセグウエイみたいな物に乗せられて。
確かに効率的ではあるが、何となく非人間的で美術作品を見るにはそぐわない気がする。展覧会なんて興味がない作品は見なくていい、あるいはチラ見で充分で、気に入った作品は好きなだけ眺めていたいもの。それを観光バス旅行のように画一的に館内を回らされたのではたまらない。
また今回は日時を予約してのチケット発売となった。これは混雑回避ではなくコロナの密対策ではあるが、入場者数の抑制もあって入館待ち時間は5分程度。それは大いに評価できる。ただしそれでも美術館のよさとはコンサートや演劇と違って、日時に縛られず思いついたらいつでも行けることだと思っている。またそれがよく展覧会を訪れている理由でもある。
とはいうものの2015年の鳥獣戯画展や2016年の伊藤若冲展のように6時間待ちなんてのは論外として、展覧会を見るのに数時間待ちというのも同じく非人間的でもあるわけで。そういう超人気展覧会ではコロナが終焉しても事前予約制にすべきかなあと考えたり。人間回転寿司にさせられるのはもう少し先のことだろうからまだ心配していないが。
800年前に描かれた鳥獣戯画を眺めながら、
今後の美術展のあり方に思いを巡らせたのが不思議な気分。
ーーー続く
その経験と反省を踏まえてかどうかは知らないが、この展覧会で導入されたのが動く歩道。最も人気のある＝混雑する甲巻の展示に設置されている。人がベルトコンベアに乗って作品の前を移動するというか移動させられるのは、おそらく展覧会史上初めてじゃないかな。
もっとも今回はコロナでかなりの入場者数制限をしているから、結果的には導入した意味がなかった。しかし企画発注されたのはコロナ以前だろうから、まあそれは仕方がない。
右から左へストーリーが進む絵巻に会わせて人が流れていく。これはおそらく事前内覧会で撮られた写真で、実際には動く歩道の上に途切れることなく人が乗っている。
写真はhttps://www.culture.city.taito.lg.jp/ja/reports/20474から引用
動く歩道で絵巻を見ること自体に違和感はなかった。移動するのが自分の足かベルトコンベアかの違いだけだからそれも当然か。違和感がないというよりアトラクションぽい感覚もあって、ちょっと楽しい。それと人とぶつかる心配がないので作品に集中できたのは想定外のメリット。
ただし動く歩道の移動スピードはかなり早く感じた。
スマホのストップウォッチで歩道に乗せられていた時間を測ったら2分24秒。
甲巻は11m57cmだから
秒速なら8cm
分速なら4.8m
時速なら0.29km
できれば2倍の5分は欲しい。最低でも4分は必要。
その場合で分速は2.9mとなる。
図柄として眺めるだけなら分速4.8mでも問題はない。しかし絵巻は物語である。鳥獣戯画にほとんどストーリーはないとわかっていても、脳がどうしてもストーリーとして捉えようとする。そして分速4.8mではそれを解釈する処理が追いつかない。だから目では見えているのに内容が頭に入ってこない感覚が生じてフラストレーションが溜まる。
もっともスピードを遅くすれば混雑緩和の効果は薄れてしまう。しかし自然発生する渋滞によるさらなる速度の低下は起こらないから（高速道路を思い出してね）、自由に歩かせるよりはスムーズに人が流れるのじゃないかな。そのあたりの工学は専門家じゃないからよくわからないが。いずれにしても必要な鑑賞時間を確保できないのなら本末転倒である。
なお甲巻を動く歩道で見た後は乙・丙・丁の展示ゾーンに進んで、動く歩道には戻れない導線になっている。もう一度見るには出口から出て、再び展示室に入り直す必要がある。
さて動く歩道は直線しか対応できないが、回転寿司のコンベア方式ならコーナーを曲がることも可能。ひょっとして未来の展覧会はそんな風にして見ることになるのだろうか。あるいはAIによる自動運転のセグウエイみたいな物に乗せられて。
確かに効率的ではあるが、何となく非人間的で美術作品を見るにはそぐわない気がする。展覧会なんて興味がない作品は見なくていい、あるいはチラ見で充分で、気に入った作品は好きなだけ眺めていたいもの。それを観光バス旅行のように画一的に館内を回らされたのではたまらない。
また今回は日時を予約してのチケット発売となった。これは混雑回避ではなくコロナの密対策ではあるが、入場者数の抑制もあって入館待ち時間は5分程度。それは大いに評価できる。ただしそれでも美術館のよさとはコンサートや演劇と違って、日時に縛られず思いついたらいつでも行けることだと思っている。またそれがよく展覧会を訪れている理由でもある。
とはいうものの2015年の鳥獣戯画展や2016年の伊藤若冲展のように6時間待ちなんてのは論外として、展覧会を見るのに数時間待ちというのも同じく非人間的でもあるわけで。そういう超人気展覧会ではコロナが終焉しても事前予約制にすべきかなあと考えたり。人間回転寿司にさせられるのはもう少し先のことだろうからまだ心配していないが。
800年前に描かれた鳥獣戯画を眺めながら、
今後の美術展のあり方に思いを巡らせたのが不思議な気分。
ーーー続く
wassho at 23:48｜Permalink│Comments(0)│
2021年06月13日
特別展「国宝 鳥獣戯画のすべて」 その３
鳥獣戯画といえば最初の投稿で紹介した「ウサギやカエルやサルのユーモラスな絵」を思い浮かべる人がほとんどだかと思う。それがキモには違いないが、実際はもう少し幅広い作品群で成り立っている。また意外と正体不明でもある。
まず作者が誰かわかっていない。教科書で鳥羽僧正（とばそうじょう）と習ったようにも思うが、現在ではその説は否定されている。なんたって今は鎌倉幕府もイイクニツクロウじゃないらしいから、歴史というのは後世の研究であれこれアップデートされるもの。
鳥獣戯画として伝わっている絵巻は４巻ある。ただしタイトルとして作品中にそう記されているわけではなく、このネーミングは明治の中頃になって使われ出したもの。それまでは作者が鳥羽僧正と思われていたことから鳥羽絵などと呼ばれていたようである。
これらはモノクロであることは共通しているものの、各巻の内容はつながっておらず画風も異なる。うち１巻は戯画（おかしみのある絵、戯を訓読みすればタワムレ）でもない。いつ制作されたかも不明で、おおよそ平安末期から鎌倉初期と推定されている。
ということで、その期間中に異なる作者によって、別々の時期に描かれた絵巻が、いつしか４巻セットとして扱われるようになったと考えられている。
また鳥獣戯画は京都の高山寺に伝えられてきたが、ここに奉納されたものではなく、いつ・どうしてこの寺の所有となったかも不明。また内容に仏教的な意味合いが込められているのかどうかも解明されていない。実は謎だらけの作品なのである。
最初の展示は「住吉家旧蔵本」という模本。模本は模写のことで、絵巻は本扱いになって模本というのかな。その住吉家とは江戸時代に、狩野派と並んで幕府の御用絵師を務めた流派の家系。ただしこの模本は1598年と住吉家初代が生まれる前の制作だから、住吉派の絵師が描いたのではなく、どこかで手に入れて守ってきたものということになる。
本物があるのにどうして模写を見なくてはならないのか。それは鳥獣戯画は絵巻をバラバラにして再度つなぎ合わされた経緯があり、その過程で失われた部分や順番がおかしなところがある。だから模本と比較することでオリジナルの内容を推察できるということらしい。
学術的にはその通りである。
しかし、よほどそういうことに興味があるのなら別だが、住吉家旧蔵本の展示はパスして、それで浮いた時間で本物の鳥獣戯画を何度も見たほうがいい。サイズ的には縦30センチほどと小さいので、行列に並ばずに人の後ろから見るのも難しい。つまり模本を見るのにもけっこう時間がかかる。
それにここに展示されている住吉家の模本は内容的にもオリジナルとあまり変わらない。描写はもちろんそっくりである。また模本の後にまたパネル展示が続くし、はっきり言って本物を見る前にちょっと飽きてくる(^^ゞ ※別の場所に展示されているやや内容の異なる住吉家旧蔵本もある。
さていよいよ鳥獣戯画とのご対面。４巻あると書いたが、それぞれに甲・乙・丙（へい）・丁（てい）の記号が振られている。この記号がついたのも大正から昭和にかけての頃らしい。また甲・乙・丙・丁は１から４という順番を表しているが、このように呼ばれる以前は構成順も違っていたとのこと。
その第１巻である甲巻こそが、
世間一般にイメージされている鳥獣戯画の世界そのものである。
現在の甲巻は23枚の用紙がつなぎ合わされた絵巻。
縦が約31センチ、長さが約11.36メートル。
（なお横に長い画像はとても小さく表示されてしまうのでクリックで拡大して欲しい）
1枚〜3枚目
初っぱなからウサギが鼻をつまんで背面から水に飛び込むというシーン。この時点で鳥獣戯画ワールドに引き込まれてしまう。少し前に流行った表現をするなら「ツカミはOK」以上の出来映え。
描かれている動物はウサギ・カエル・サルがメインだが、甲巻では全部で11種類が登場する。この場面ではウサギが乗っているシカ。ただしシカはウサギなどと違って擬人化されていない。
余談になるが「擬人化」という言葉を覚えたのは、教科書に書いてあった鳥獣戯画の解説からだったような気がする。
13枚〜14枚目
おそらく鳥獣戯画で最も有名なシーン。明確なストーリーはないけれど、この前後に描かれている内容から推測すると、ウサギとカエルが一緒に作業をしていたところにサルがやってきて、一匹のカエルのいたずらをした。それで仲間のウサギとカエルが追いかけているように思える。
17枚〜18枚目
右側に描かれているウサギとカエルは抱き合っているように見えるが、これは相撲を取っているシーン。カエルはウサギの耳を噛んでいるから反則攻撃中(^^ゞ
中央のウサギは地面に倒れ込んで笑っているのではなく、右側に描かれた相撲の続きで、カエルがウサギを投げ飛ばしたところ。これは時間の経過や連続した動作を表現する「異時同時図法」という絵巻独特の手法。ここに貼った画像では「ちょっと無理なお約束」のように思えるが、絵巻を見る時は少しずつ広げて、また見た部分は巻き取っていくから抵抗がないのかも知れない。
それにしても耳を噛まれて投げ飛ばされまでしたのに、ウサギは楽しそうでカエルととっても仲良しなことが伺える。
8枚〜9枚目
鳥獣戯画というと動物が遊んでいるイメージが強いが働いている場面もある。
これは宴会の準備らしい。
20枚〜21枚目
仏教的な行動であるのは一目瞭然でも、それまでの展開とはつながっていないから意味がよくわからないシーン。
中央の奥で頭巾を被っているのはキツネだと思うが、その右隣と中央手前でウサギと一緒に法衣を着ている動物はイタチだろうか。また左にある木にはフクロウが留まっている。
ところで鳥獣戯画には高山寺と描かれたハンコがベタベタ押してある。これが子供の頃から不思議だったというか目障りに思っていた。ブログを書く前に少し調べてわかったのは
1）絵巻は紙をつなぎ合わせて長い巻物にする。
2）鳥獣戯画では「ノリが古くなって紙がはがれた」「巻物だと見るのに不便だから
はがした」のどちらかはわからないが、
３）とにかくバラバラの状態で保存されている時期があった。
４）その時に、後でまた貼り合わせやすいように割り印のような役割を持たせて
判を押した。
ということらしい。
しかしである。甲巻の場合だと23枚の貼り合わせだから継ぎ目は22ヶ所。そのうち継ぎ目の部分に絵が描かれていない箇所、すなわち割り印がないと後で困る箇所はたった２つしかない。
何が言いたいかというと、誰かタイムマシンで過去の高山寺へ行って、ハンコを押しまくった担当者をシバいてきて欲しいということ(^^ゞ
ーーー続く
まず作者が誰かわかっていない。教科書で鳥羽僧正（とばそうじょう）と習ったようにも思うが、現在ではその説は否定されている。なんたって今は鎌倉幕府もイイクニツクロウじゃないらしいから、歴史というのは後世の研究であれこれアップデートされるもの。
鳥獣戯画として伝わっている絵巻は４巻ある。ただしタイトルとして作品中にそう記されているわけではなく、このネーミングは明治の中頃になって使われ出したもの。それまでは作者が鳥羽僧正と思われていたことから鳥羽絵などと呼ばれていたようである。
これらはモノクロであることは共通しているものの、各巻の内容はつながっておらず画風も異なる。うち１巻は戯画（おかしみのある絵、戯を訓読みすればタワムレ）でもない。いつ制作されたかも不明で、おおよそ平安末期から鎌倉初期と推定されている。
ということで、その期間中に異なる作者によって、別々の時期に描かれた絵巻が、いつしか４巻セットとして扱われるようになったと考えられている。
また鳥獣戯画は京都の高山寺に伝えられてきたが、ここに奉納されたものではなく、いつ・どうしてこの寺の所有となったかも不明。また内容に仏教的な意味合いが込められているのかどうかも解明されていない。実は謎だらけの作品なのである。
最初の展示は「住吉家旧蔵本」という模本。模本は模写のことで、絵巻は本扱いになって模本というのかな。その住吉家とは江戸時代に、狩野派と並んで幕府の御用絵師を務めた流派の家系。ただしこの模本は1598年と住吉家初代が生まれる前の制作だから、住吉派の絵師が描いたのではなく、どこかで手に入れて守ってきたものということになる。
本物があるのにどうして模写を見なくてはならないのか。それは鳥獣戯画は絵巻をバラバラにして再度つなぎ合わされた経緯があり、その過程で失われた部分や順番がおかしなところがある。だから模本と比較することでオリジナルの内容を推察できるということらしい。
学術的にはその通りである。
しかし、よほどそういうことに興味があるのなら別だが、住吉家旧蔵本の展示はパスして、それで浮いた時間で本物の鳥獣戯画を何度も見たほうがいい。サイズ的には縦30センチほどと小さいので、行列に並ばずに人の後ろから見るのも難しい。つまり模本を見るのにもけっこう時間がかかる。
それにここに展示されている住吉家の模本は内容的にもオリジナルとあまり変わらない。描写はもちろんそっくりである。また模本の後にまたパネル展示が続くし、はっきり言って本物を見る前にちょっと飽きてくる(^^ゞ ※別の場所に展示されているやや内容の異なる住吉家旧蔵本もある。
さていよいよ鳥獣戯画とのご対面。４巻あると書いたが、それぞれに甲・乙・丙（へい）・丁（てい）の記号が振られている。この記号がついたのも大正から昭和にかけての頃らしい。また甲・乙・丙・丁は１から４という順番を表しているが、このように呼ばれる以前は構成順も違っていたとのこと。
その第１巻である甲巻こそが、
世間一般にイメージされている鳥獣戯画の世界そのものである。
現在の甲巻は23枚の用紙がつなぎ合わされた絵巻。
縦が約31センチ、長さが約11.36メートル。
（なお横に長い画像はとても小さく表示されてしまうのでクリックで拡大して欲しい）
1枚〜3枚目
初っぱなからウサギが鼻をつまんで背面から水に飛び込むというシーン。この時点で鳥獣戯画ワールドに引き込まれてしまう。少し前に流行った表現をするなら「ツカミはOK」以上の出来映え。
描かれている動物はウサギ・カエル・サルがメインだが、甲巻では全部で11種類が登場する。この場面ではウサギが乗っているシカ。ただしシカはウサギなどと違って擬人化されていない。
余談になるが「擬人化」という言葉を覚えたのは、教科書に書いてあった鳥獣戯画の解説からだったような気がする。
13枚〜14枚目
おそらく鳥獣戯画で最も有名なシーン。明確なストーリーはないけれど、この前後に描かれている内容から推測すると、ウサギとカエルが一緒に作業をしていたところにサルがやってきて、一匹のカエルのいたずらをした。それで仲間のウサギとカエルが追いかけているように思える。
17枚〜18枚目
右側に描かれているウサギとカエルは抱き合っているように見えるが、これは相撲を取っているシーン。カエルはウサギの耳を噛んでいるから反則攻撃中(^^ゞ
中央のウサギは地面に倒れ込んで笑っているのではなく、右側に描かれた相撲の続きで、カエルがウサギを投げ飛ばしたところ。これは時間の経過や連続した動作を表現する「異時同時図法」という絵巻独特の手法。ここに貼った画像では「ちょっと無理なお約束」のように思えるが、絵巻を見る時は少しずつ広げて、また見た部分は巻き取っていくから抵抗がないのかも知れない。
それにしても耳を噛まれて投げ飛ばされまでしたのに、ウサギは楽しそうでカエルととっても仲良しなことが伺える。
8枚〜9枚目
鳥獣戯画というと動物が遊んでいるイメージが強いが働いている場面もある。
これは宴会の準備らしい。
20枚〜21枚目
仏教的な行動であるのは一目瞭然でも、それまでの展開とはつながっていないから意味がよくわからないシーン。
中央の奥で頭巾を被っているのはキツネだと思うが、その右隣と中央手前でウサギと一緒に法衣を着ている動物はイタチだろうか。また左にある木にはフクロウが留まっている。
ところで鳥獣戯画には高山寺と描かれたハンコがベタベタ押してある。これが子供の頃から不思議だったというか目障りに思っていた。ブログを書く前に少し調べてわかったのは
1）絵巻は紙をつなぎ合わせて長い巻物にする。
2）鳥獣戯画では「ノリが古くなって紙がはがれた」「巻物だと見るのに不便だから
はがした」のどちらかはわからないが、
３）とにかくバラバラの状態で保存されている時期があった。
４）その時に、後でまた貼り合わせやすいように割り印のような役割を持たせて
判を押した。
ということらしい。
しかしである。甲巻の場合だと23枚の貼り合わせだから継ぎ目は22ヶ所。そのうち継ぎ目の部分に絵が描かれていない箇所、すなわち割り印がないと後で困る箇所はたった２つしかない。
何が言いたいかというと、誰かタイムマシンで過去の高山寺へ行って、ハンコを押しまくった担当者をシバいてきて欲しいということ(^^ゞ
ーーー続く
wassho at 22:25｜Permalink│Comments(0)│
2021年06月11日
特別展「国宝 鳥獣戯画のすべて」 その２
上野公園には銀座線あるいは日比谷線の地下鉄で行くことが多いのだが、この日の午前中は丸の内にいたので東京駅から山手線で移動。地下鉄だと駅から少し歩くのに対し、山手線の上野駅公園口は公園の目の前なので便利。
駅に着いてビックリする。
駅舎が新しくなっている。
でもそれは数年前から工事をしていて何となく知っていたから、
驚いたのはこれじゃない。
ビックリしたのはこちら。
ただし上野公園に来たことがなければ、この写真を見てもその理由はわからないと思う。
では改装前の駅舎の写真を。
駅と公園の間に道路が通っていたのに、それがなくなっているのだ！
これは工事中の時の完成予想図（上の写真とは上下左右が逆になっている）。グレーの塗りと黄緑のラインで描かれているのが道路であるが従来は１本につながっていた。写真で横断歩道になっている部分が駅の前を横切っていた道路。
それが分断されて、現在は駅の手前で折り返しになっている。
そこそこ交通量があったように記憶しているのに。
それにしても、こんなのは初めて見た。道路行政はつなげるのが至上命題かと思いきや分断もありなんだ。（複数のブロックにまたがる敷地に大きなビルが建って、ブロックとブロックの間の道路がなくなった事例なら目撃したことはある）
このように改修されたのは昨年の３月。オリンピックで増える観光客対策を名目にした公共事業。もう忘れかけているが本当は昨年にオリンピックを開催のはずだった(^^ゞ 最後に上野公園に来たのはハマスホイの展覧会があった昨年の２月。もうほとんど完成していただろうけれど、その時には御徒町側の出入り口を使ったからこのエリアは見ていない。
まあとにかく改札口は少し移動して公園出入口に近くなり（電車から降りて歩く距離に変わりはないが）、信号待ちせずに公園に入れて便利にはなった。
ここは出入り口から少し進んだ東京文化会館と国立西洋美術館の間の通路。
何となく印象が違うなあと思って以前に撮った写真と較べてみると、石材＆アスファルトから全面石材敷きに変わったようだ。ついでにここもリニューアルしたのかな。なおこの写真は2016年のもの。
国立西洋美術館は2020年10月から2022年春まで改修のために長期の休館中。これもコロナの影響だろうか。あるいは、どうせコロナで人数制限や時間短縮をさせられるなら、いっそ大がかりな工事をしてしまえと考えたのか。
中央の広場から上野駅を振り返って。平日だし緊急事態宣言下だし人はとても少ない。混雑や人混みは苦手な性格でも、これだけガランとした上野公園は寂しいなあ。
90度右を向くと春は花見で賑わうさくら通り。
もう90度右で動物園の方向。
動物園も博物館と同じく事前予約が必要。しかも1日に入場できるのはたったの2000名。ちなみに2019年の年間来場者数は348万人で、動物園は月曜が休園日だから、それを365日の6/7＝312日で割ると1日あたり約1万1000人となる。
そしてこちらに進めば博物館。
途中にある噴水池。噴水は休憩中みたい。
東京国立博物館に到着。
予約が埋まらなければ当日券が発売される運営になっている。
しかしこの展覧会でおそらくそんな日はないはず。
チケットは「アソビュー」というレジャー系のオンラインサイトか、セブンイレブンで予約する仕組み。今回は発券不要のアソビューを利用。今まで知らなかったがけっこう大手らしい。
トーハク（東京国立博物館）の敷地に入るゲートで、スマホに送られてきたQRコードを見せて入場。この段階ではただ見せるだけ。係員はスマホの小さな画面に表示される日付を読まなければならないから目が悪いと務まらないかも。
日付の確認が済むと検温と手指のアルコール消毒。
ところで手指なんて単語はコロナ以前は使ったことがなかったな。
中に入って左側のクラシックな建物が本館で、右側が東洋館。
マスクをしているゆるキャラは、
右がユリノキちゃんで、左が埴輪をモデルにしたトーハクくん。
そしてこれがトーハクのシンボルでもあるユリノキ。漢字では百合の木と書くが、花のユリとはもちろん関係なくモクレンの仲間。チューリップのような花が咲くらしい。原産地はアメリカ。
解説によると
明治8〜9年頃渡来した30粒の種から育った一本の苗木から明治14年に現在地に
植えられたといわれ、以来博物館の歴史を見守り続けている。東京国立博物館は
「ユリノキの博物館」「ユリノキの館」などといわれる。
明治9年から数えると樹齢145年。
そんなに古木じゃないとしても現地で見るとその大きさに圧倒される。
ユリノキの近くには洒落たキッチンカーが営業中。
そしてユリノキを挟んで東洋館の向かいにあるのが表慶館。1909年（明治42年）に開館した日本ではじめての本格的な美術館とのこと。
なおトーハクは湯島で1872年（明治5年）に設立され、上野に移ってきたのが1882年（明治15年）。現在の本館は1938年（昭和13年）の開館。
ちなみにオールジャンルを収集展示するのが博物館で、美術品に焦点を当てたいわば美術専門博物館が美術館。英語ではどちらも museum（ミュージアム）だから名前だけでは判別できない。美術館を art museum と表現する場合もあるが。
本館の横を通り抜けて展覧会が開催されている平成館へ向かう。訪れるのは2017年の運慶展以来。「無著菩薩立像」「世親菩薩立像」そして「四天王立像」の印象は今でも強く残っているが、あれからもう4年も経ったのか。
50人ほどが並んでいる。予約は1時間単位で区切られていて、私のチケットは午後1時から2時の間に入場可能。この時点で時刻は1時20分くらい。
スマホのストップウォッチで計測すると、列の最後尾について建物中に入るまで待った時間は5分30秒だった。コロナが終わっても完全予約制の継続は検討する価値があるような気がする。
建物の中に入り、今度はQRコードをスキャンされて予約内容の確認。それが済むと展示室のある2階に上がって、いよいよ鳥獣戯画と3.5度目の正直でご対面である。
ーーー続く
駅に着いてビックリする。
駅舎が新しくなっている。
でもそれは数年前から工事をしていて何となく知っていたから、
驚いたのはこれじゃない。
ビックリしたのはこちら。
ただし上野公園に来たことがなければ、この写真を見てもその理由はわからないと思う。
では改装前の駅舎の写真を。
駅と公園の間に道路が通っていたのに、それがなくなっているのだ！
これは工事中の時の完成予想図（上の写真とは上下左右が逆になっている）。グレーの塗りと黄緑のラインで描かれているのが道路であるが従来は１本につながっていた。写真で横断歩道になっている部分が駅の前を横切っていた道路。
それが分断されて、現在は駅の手前で折り返しになっている。
そこそこ交通量があったように記憶しているのに。
それにしても、こんなのは初めて見た。道路行政はつなげるのが至上命題かと思いきや分断もありなんだ。（複数のブロックにまたがる敷地に大きなビルが建って、ブロックとブロックの間の道路がなくなった事例なら目撃したことはある）
このように改修されたのは昨年の３月。オリンピックで増える観光客対策を名目にした公共事業。もう忘れかけているが本当は昨年にオリンピックを開催のはずだった(^^ゞ 最後に上野公園に来たのはハマスホイの展覧会があった昨年の２月。もうほとんど完成していただろうけれど、その時には御徒町側の出入り口を使ったからこのエリアは見ていない。
まあとにかく改札口は少し移動して公園出入口に近くなり（電車から降りて歩く距離に変わりはないが）、信号待ちせずに公園に入れて便利にはなった。
ここは出入り口から少し進んだ東京文化会館と国立西洋美術館の間の通路。
何となく印象が違うなあと思って以前に撮った写真と較べてみると、石材＆アスファルトから全面石材敷きに変わったようだ。ついでにここもリニューアルしたのかな。なおこの写真は2016年のもの。
国立西洋美術館は2020年10月から2022年春まで改修のために長期の休館中。これもコロナの影響だろうか。あるいは、どうせコロナで人数制限や時間短縮をさせられるなら、いっそ大がかりな工事をしてしまえと考えたのか。
中央の広場から上野駅を振り返って。平日だし緊急事態宣言下だし人はとても少ない。混雑や人混みは苦手な性格でも、これだけガランとした上野公園は寂しいなあ。
90度右を向くと春は花見で賑わうさくら通り。
もう90度右で動物園の方向。
動物園も博物館と同じく事前予約が必要。しかも1日に入場できるのはたったの2000名。ちなみに2019年の年間来場者数は348万人で、動物園は月曜が休園日だから、それを365日の6/7＝312日で割ると1日あたり約1万1000人となる。
そしてこちらに進めば博物館。
途中にある噴水池。噴水は休憩中みたい。
東京国立博物館に到着。
予約が埋まらなければ当日券が発売される運営になっている。
しかしこの展覧会でおそらくそんな日はないはず。
チケットは「アソビュー」というレジャー系のオンラインサイトか、セブンイレブンで予約する仕組み。今回は発券不要のアソビューを利用。今まで知らなかったがけっこう大手らしい。
トーハク（東京国立博物館）の敷地に入るゲートで、スマホに送られてきたQRコードを見せて入場。この段階ではただ見せるだけ。係員はスマホの小さな画面に表示される日付を読まなければならないから目が悪いと務まらないかも。
日付の確認が済むと検温と手指のアルコール消毒。
ところで手指なんて単語はコロナ以前は使ったことがなかったな。
中に入って左側のクラシックな建物が本館で、右側が東洋館。
マスクをしているゆるキャラは、
右がユリノキちゃんで、左が埴輪をモデルにしたトーハクくん。
そしてこれがトーハクのシンボルでもあるユリノキ。漢字では百合の木と書くが、花のユリとはもちろん関係なくモクレンの仲間。チューリップのような花が咲くらしい。原産地はアメリカ。
解説によると
明治8〜9年頃渡来した30粒の種から育った一本の苗木から明治14年に現在地に
植えられたといわれ、以来博物館の歴史を見守り続けている。東京国立博物館は
「ユリノキの博物館」「ユリノキの館」などといわれる。
明治9年から数えると樹齢145年。
そんなに古木じゃないとしても現地で見るとその大きさに圧倒される。
ユリノキの近くには洒落たキッチンカーが営業中。
そしてユリノキを挟んで東洋館の向かいにあるのが表慶館。1909年（明治42年）に開館した日本ではじめての本格的な美術館とのこと。
なおトーハクは湯島で1872年（明治5年）に設立され、上野に移ってきたのが1882年（明治15年）。現在の本館は1938年（昭和13年）の開館。
ちなみにオールジャンルを収集展示するのが博物館で、美術品に焦点を当てたいわば美術専門博物館が美術館。英語ではどちらも museum（ミュージアム）だから名前だけでは判別できない。美術館を art museum と表現する場合もあるが。
本館の横を通り抜けて展覧会が開催されている平成館へ向かう。訪れるのは2017年の運慶展以来。「無著菩薩立像」「世親菩薩立像」そして「四天王立像」の印象は今でも強く残っているが、あれからもう4年も経ったのか。
50人ほどが並んでいる。予約は1時間単位で区切られていて、私のチケットは午後1時から2時の間に入場可能。この時点で時刻は1時20分くらい。
スマホのストップウォッチで計測すると、列の最後尾について建物中に入るまで待った時間は5分30秒だった。コロナが終わっても完全予約制の継続は検討する価値があるような気がする。
建物の中に入り、今度はQRコードをスキャンされて予約内容の確認。それが済むと展示室のある2階に上がって、いよいよ鳥獣戯画と3.5度目の正直でご対面である。
ーーー続く
wassho at 22:10｜Permalink│Comments(0)│
2021年06月10日
特別展「国宝 鳥獣戯画のすべて」
上野公園にある東京国立博物館で鳥獣戯画の展覧会を見てきた。
説明不要だと思うが、こういうヤツね。
おそらく、これ↓と並んで誰もが知っている日本の作品かと。北斎の版画と較べれば目にする機会はずっと少ないはずだが、それだけ印象に残る作風なのだと思う。そして私の知る限り、たいていの人が鳥獣戯画を何となく好きだ。
鳥獣戯画は巻物だから長さはあっても、縦は30センチほどだからサイズ的には小さい。それに墨の線で描かれたモノクロ作品。その２つから言えるのは実物を見ても、印刷や画像で見るのと大して変わらないということ。それでも一度は生で目にしておきたいという魅力が鳥獣戯画にはある。
この作品を見る機会は今までもあった。まず2007年にサントリー美術館が六本木のミッドタウンに移転したオープン記念の展覧会。この時はミッドタウンまで出かけたのに、急用の連絡が入って断念。もう会期はほとんど残っていない時期だったので再訪はかなわず。
その次は2015年に今回と同じくトーハク（東京国立博物館）での展覧会。この展覧会は大人気で最大待ち時間が６時間！という超長蛇の列の情報が。それにビビって躊躇しているうちに会期が終わってしまいーーー
そして３度目の正直が今回。実はこの展覧会、当初は昨年の7月14日から8月30日にかけて開かれるはずだった。しかしコロナであえなく中止。とことん鳥獣戯画には嫌われているなあと思っていたら、今年になって4月13日から5月30日までの新たな会期が設定された。
ヤッター＼(^o^)／ と思ったものの、チケットは日時を事前に定める完全予約制と面倒なシステムとなる。でも、それなら６時間待ちはないだろうと前向きに考えることに。その発売開始日は3月30日と4月20日と5月4日。4月はアチコチの花見で忙しいからゴールデンウイーク後に訪問することにした。すると5月4日以降に予約となる。なのに4月25日に3度目となる緊急事態宣言が発令でトーハクは休館に。当然ながら予約も受付中止。
しかし行政の判断はプロ野球やJリーグそれに劇場は営業可というチグハグなものだった。それはやはりおかしいと思ったのか、5月10日に文化庁は美術館や博物館もOKという方針を打ち出し、それを受けてトーハクは5月14日から予約を再開することを発表。が、何と東京都は翌日の5月11日に美術館や博物館の営業停止を要請！ 文化庁は東京都に屈服し1日で方針転換してトーハクはまさかの休館継続となる(>_<)
やっぱり鳥獣戯画には縁がなかったかと今度こそ諦めていたら、何がどうなったかわからないのだが、6月1日から美術館や博物館も営業できるということになり、5月30日から予約受付開始。会期も6月20日まで延長された。それでは百合子の気の変わらぬうちにと(^^ゞ とっとと予約を済ませ6月8日に見てきたしだい。
そんな事情が相まって、修正と但し書きの多い公式ホームページの画像なのである。
ーーー続く
説明不要だと思うが、こういうヤツね。
おそらく、これ↓と並んで誰もが知っている日本の作品かと。北斎の版画と較べれば目にする機会はずっと少ないはずだが、それだけ印象に残る作風なのだと思う。そして私の知る限り、たいていの人が鳥獣戯画を何となく好きだ。
鳥獣戯画は巻物だから長さはあっても、縦は30センチほどだからサイズ的には小さい。それに墨の線で描かれたモノクロ作品。その２つから言えるのは実物を見ても、印刷や画像で見るのと大して変わらないということ。それでも一度は生で目にしておきたいという魅力が鳥獣戯画にはある。
この作品を見る機会は今までもあった。まず2007年にサントリー美術館が六本木のミッドタウンに移転したオープン記念の展覧会。この時はミッドタウンまで出かけたのに、急用の連絡が入って断念。もう会期はほとんど残っていない時期だったので再訪はかなわず。
その次は2015年に今回と同じくトーハク（東京国立博物館）での展覧会。この展覧会は大人気で最大待ち時間が６時間！という超長蛇の列の情報が。それにビビって躊躇しているうちに会期が終わってしまいーーー
そして３度目の正直が今回。実はこの展覧会、当初は昨年の7月14日から8月30日にかけて開かれるはずだった。しかしコロナであえなく中止。とことん鳥獣戯画には嫌われているなあと思っていたら、今年になって4月13日から5月30日までの新たな会期が設定された。
ヤッター＼(^o^)／ と思ったものの、チケットは日時を事前に定める完全予約制と面倒なシステムとなる。でも、それなら６時間待ちはないだろうと前向きに考えることに。その発売開始日は3月30日と4月20日と5月4日。4月はアチコチの花見で忙しいからゴールデンウイーク後に訪問することにした。すると5月4日以降に予約となる。なのに4月25日に3度目となる緊急事態宣言が発令でトーハクは休館に。当然ながら予約も受付中止。
しかし行政の判断はプロ野球やJリーグそれに劇場は営業可というチグハグなものだった。それはやはりおかしいと思ったのか、5月10日に文化庁は美術館や博物館もOKという方針を打ち出し、それを受けてトーハクは5月14日から予約を再開することを発表。が、何と東京都は翌日の5月11日に美術館や博物館の営業停止を要請！ 文化庁は東京都に屈服し1日で方針転換してトーハクはまさかの休館継続となる(>_<)
やっぱり鳥獣戯画には縁がなかったかと今度こそ諦めていたら、何がどうなったかわからないのだが、6月1日から美術館や博物館も営業できるということになり、5月30日から予約受付開始。会期も6月20日まで延長された。それでは百合子の気の変わらぬうちにと(^^ゞ とっとと予約を済ませ6月8日に見てきたしだい。
そんな事情が相まって、修正と但し書きの多い公式ホームページの画像なのである。
ーーー続く
wassho at 20:48｜Permalink│Comments(0)│
2021年01月19日
田中一村展 千葉市美術館収蔵全作品 その３
「千葉へ」のコーナーでは仏教を題材とした作品や、着物や傘などの図柄を描いたデザイナーとしての仕事？、それに一村が撮った写真なども展示されていた。
そして第４章の「一村誕生、心機一転の戦後」というコーナーに移る。ちなみに彼の本名は田中孝で、画号としては1947年39歳まで田中米邨（べいそん）を使用。
名前を一村と改めた1947年（昭和22年)にはメジャーなコンクールに入選するものの、その後は前回に書いたように鳴かず飛ばずの日々が続く。だからタイトルに「心機一転」とあるが、それが何を指しているかよくわからない。そして残念なのは展示されていた作品がいわゆる小作品がほとんどで、コンクール出品級の大作・力作がなかったこと。これはこの展覧会全般に言えることでもある。
1955年(昭和30年）に一村は九州・四国・紀州などへスケッチ旅行に出かける。この旅行によって南国に魅せられたようで、それが奄美大島移住につながったのだと思う。
旅土産の色紙という一画が設けられていた。
「筑波山」 1955年
「新緑 北日向」 1955年
「室戸 奇巌」 1955年
そしていよいよ1958年（昭和33年）に50歳にして単身で奄美大島に移住。どうして奄美大島なのかの資料は見つからなかったが、当時、沖縄はまだアメリカ占領下で、沖縄の北側にある奄美大島が日本の最南端だったからだと思う。
「仁戸名蒼天」 1960年頃
何となく南国っぽいが、これは千葉の風景。奄美大島から一時的に千葉へ戻った時の作品。仁戸名は千葉の地名で、蒼天は青空または春の空。
第５章 奄美へ アダンへの道
「クロトンとカヤツリグサ」
制作時期が不明だからか第４章に展示されていたが、これは南国でしょう。
「アカショウビン」 1961年
「クロトン」 1961年頃
そして代表作の「アダンの海辺」 1969年
この絵を見に展覧会にきたといっても過言ではない。南国というより違う惑星の風景のようであり、そして果物を描いた絵なのに、もっと宇宙的な生命体を連想してしまう存在感がある。まあとにかくトリップできるいい絵である。パソコンでブログを読んでいるならクリックで拡大して眺めましょう。砂浜や波の描写にも見入ってしまうはず。
参考までに一村が描いた動植物を写真で。
色紙に描かれた奄美大島の風景。
「奄美の海」 1975年
「奄美風景」 1975年
「奄美冬彩」 1975年
ところでこの写真は、何年か前にフランスで開かれた日本展に出品された一村の作品。実はこんなふうに一村の和風トロピカルワールドを満喫できると思っていたのだが、大作・力作は「アダンの海辺」しかなかったのがちょっと肩すかし。今回は美術館収蔵の作品を展示するという企画趣旨なのだろうが、もう少しサービス精神が欲しかったな。
奄美大島には田中一村記念美術館があって、かなりの作品が揃っているらしい。
コロナが収まったらGO TOでも利用して行ってみるか(^^ゞ
おしまい
そして第４章の「一村誕生、心機一転の戦後」というコーナーに移る。ちなみに彼の本名は田中孝で、画号としては1947年39歳まで田中米邨（べいそん）を使用。
名前を一村と改めた1947年（昭和22年)にはメジャーなコンクールに入選するものの、その後は前回に書いたように鳴かず飛ばずの日々が続く。だからタイトルに「心機一転」とあるが、それが何を指しているかよくわからない。そして残念なのは展示されていた作品がいわゆる小作品がほとんどで、コンクール出品級の大作・力作がなかったこと。これはこの展覧会全般に言えることでもある。
1955年(昭和30年）に一村は九州・四国・紀州などへスケッチ旅行に出かける。この旅行によって南国に魅せられたようで、それが奄美大島移住につながったのだと思う。
旅土産の色紙という一画が設けられていた。
「筑波山」 1955年
「新緑 北日向」 1955年
「室戸 奇巌」 1955年
そしていよいよ1958年（昭和33年）に50歳にして単身で奄美大島に移住。どうして奄美大島なのかの資料は見つからなかったが、当時、沖縄はまだアメリカ占領下で、沖縄の北側にある奄美大島が日本の最南端だったからだと思う。
「仁戸名蒼天」 1960年頃
何となく南国っぽいが、これは千葉の風景。奄美大島から一時的に千葉へ戻った時の作品。仁戸名は千葉の地名で、蒼天は青空または春の空。
第５章 奄美へ アダンへの道
「クロトンとカヤツリグサ」
制作時期が不明だからか第４章に展示されていたが、これは南国でしょう。
「アカショウビン」 1961年
「クロトン」 1961年頃
そして代表作の「アダンの海辺」 1969年
この絵を見に展覧会にきたといっても過言ではない。南国というより違う惑星の風景のようであり、そして果物を描いた絵なのに、もっと宇宙的な生命体を連想してしまう存在感がある。まあとにかくトリップできるいい絵である。パソコンでブログを読んでいるならクリックで拡大して眺めましょう。砂浜や波の描写にも見入ってしまうはず。
参考までに一村が描いた動植物を写真で。
色紙に描かれた奄美大島の風景。
「奄美の海」 1975年
「奄美風景」 1975年
「奄美冬彩」 1975年
ところでこの写真は、何年か前にフランスで開かれた日本展に出品された一村の作品。実はこんなふうに一村の和風トロピカルワールドを満喫できると思っていたのだが、大作・力作は「アダンの海辺」しかなかったのがちょっと肩すかし。今回は美術館収蔵の作品を展示するという企画趣旨なのだろうが、もう少しサービス精神が欲しかったな。
奄美大島には田中一村記念美術館があって、かなりの作品が揃っているらしい。
コロナが収まったらGO TOでも利用して行ってみるか(^^ゞ
おしまい
wassho at 21:29｜Permalink│Comments(0)│
2021年01月18日
田中一村展 千葉市美術館収蔵全作品 その２
ところで、この展覧会はタイトルがやたら長い。
正式名称は、
千葉市美術館拡張リニューアルオープン・開館25周年記念
千葉市制100周年記念
川村コレクション受贈記念
田中一村展 ー 千葉市美術館収蔵全作品
と67文字もある。
この美術館がオープンしたのは1995年(平成7年）11月で、千葉市中央区の区役所との複合施設としてのスタートだった。その区役所が2019年に別の建物に移転し、展示スペースなどを拡張するリニューアル工事が完成したのが2020年7月。その7月に開催された展覧会が「リニューアルオープン・開館25周年記念」なのは当然として、その次の9月の展覧会、そして3つ目となる2021年1月からのこの展覧会でも「リニューアルオープン・開館25周年記念」を名乗っているのは、ちょっと引っ張りすぎかな。
「千葉市制100周年記念」は展覧会とは何の関係もないが、市立美術館としては入れざるを得なかったのかもしれない。そういうセンスが役所仕事的。
「川村コレクション受贈記念」というのは上記と較べれば、サブタイトルとする価値がある内容。一村は30歳の時（1938年：昭和13年)、母方の叔父である川村幾三氏を頼って千葉に移住する。彼は一村にとって最大の理解者であり支援者。だから川村家には一村の作品が多く残されていて、それらが2018年にこの美術館に寄贈や寄託されたとのこと。この展覧会の作品数は130点で、そのうち川村コレクションが半分ほどを占めているから相当な割合である。
また川村コレクション以外に、前回の投稿に書いた2010年の展覧会以降に収蔵された作品もかなり増えてきたので、一度まとめてお見せしましょうというのが「千葉市美術館収蔵全作品」という企画趣旨。サブタイトルとするには文章表現として芸がない気もするが。
というわけで手持ちの作品だけでこれだけの回顧展が開けるのだから、この美術館のコレクションはたいしたもの。ただし一村の絵の変遷についてはよく理解できたものの、物足りない部分もあった。それはまた後ほど。
第1章 若き南画家の活躍
南画（文人画ともいう）とは何ぞやというのはさておいて、一村は幼い頃から南画に才能を発揮して神童と呼ばれたりする。しかし大正時代になって南画は流行らなくなり、そこであれこれ新しい画風を模索。しかし画壇からは認められず展覧会にも落選続きで、失意のうちに奄美大島へいわば都落ち。そこで後に日本のゴーギャンと称された画風を確立するが、世間には知られないままに世を去るというのが彼の超簡単な略歴。
この展覧会にあったのは神童レベルじゃないと思うし、
南画というにはかなりモダンな画風かな。
「つゆ草にコオロギ」 1921年
コオロギはツユクサの一番上に一匹だけ描かれている。
「鉄網珊瑚（紅梅図）」 1926年
上の作品から5年後に描かれている。画風が変化するのはあり得るとして、文字の形がまったく違うのが興味深い。筆跡判定できないね(^^ゞ
「山水図 略擬雲林筆意」 1930年
第2章 昭和初期の新展開
「浅き春」 1931年
「椿図屏風」 1931年
24歳で描かれた一村の転換点とされる作品。ぱっと見はド迫力なんだけれど、よく見ると意外と繊細に描かれている。派手なだけじゃなくて、何か切実に訴えてくるものが感じられる。他の作品と較べてかなり画風が違うが、他にもこんな作品があるなら見てみたい。
なおこの屏風は２曲１双、つまり２つ折れの屏風が左右でワンセットであるが、左隻（左側）の屏風には金箔が貼られているだけで何も描かれていない。そういう作品なのか制作途中だったのかなどは不明らしい。
次の作品は正確な制作時期が不明。ところで牡丹の花には見えないし、彼岸花は絵の片隅に描かれているだけで、「つゆ草にコオロギ」と同じくタイトルと内容の不一致がビミョーに気になる。でも絵としては日本画のワンパターン感がなくて、けっこう好きな部類。
「牡丹図」
「彼岸花」
第３章 千葉へ
翡翠とはカワセミの別名。それはいいとして、この柿も牡丹の花と同じく、あまり柿には見えない。昔の柿はこんなふうに縦長だったのかな。
「翡翠図」
「柿」
風景画は何となく南画の雰囲気も残っている。これらは千葉の風景という括りで紹介されていたが、これが千葉ですといわれてもなあ(^^ゞ 例によって野梅はメインではなく画面下に小さく描かれている。一村のネーミングパターンが読めてきたかも。「はさ場」とは刈り取った稲を干す場所ね。
「夕日」 1941〜42年頃
「千葉寺はさ場」 1945年頃
「黄昏野梅」 1947年頃
ーーー続く
正式名称は、
千葉市美術館拡張リニューアルオープン・開館25周年記念
千葉市制100周年記念
川村コレクション受贈記念
田中一村展 ー 千葉市美術館収蔵全作品
と67文字もある。
この美術館がオープンしたのは1995年(平成7年）11月で、千葉市中央区の区役所との複合施設としてのスタートだった。その区役所が2019年に別の建物に移転し、展示スペースなどを拡張するリニューアル工事が完成したのが2020年7月。その7月に開催された展覧会が「リニューアルオープン・開館25周年記念」なのは当然として、その次の9月の展覧会、そして3つ目となる2021年1月からのこの展覧会でも「リニューアルオープン・開館25周年記念」を名乗っているのは、ちょっと引っ張りすぎかな。
「千葉市制100周年記念」は展覧会とは何の関係もないが、市立美術館としては入れざるを得なかったのかもしれない。そういうセンスが役所仕事的。
「川村コレクション受贈記念」というのは上記と較べれば、サブタイトルとする価値がある内容。一村は30歳の時（1938年：昭和13年)、母方の叔父である川村幾三氏を頼って千葉に移住する。彼は一村にとって最大の理解者であり支援者。だから川村家には一村の作品が多く残されていて、それらが2018年にこの美術館に寄贈や寄託されたとのこと。この展覧会の作品数は130点で、そのうち川村コレクションが半分ほどを占めているから相当な割合である。
また川村コレクション以外に、前回の投稿に書いた2010年の展覧会以降に収蔵された作品もかなり増えてきたので、一度まとめてお見せしましょうというのが「千葉市美術館収蔵全作品」という企画趣旨。サブタイトルとするには文章表現として芸がない気もするが。
というわけで手持ちの作品だけでこれだけの回顧展が開けるのだから、この美術館のコレクションはたいしたもの。ただし一村の絵の変遷についてはよく理解できたものの、物足りない部分もあった。それはまた後ほど。
第1章 若き南画家の活躍
南画（文人画ともいう）とは何ぞやというのはさておいて、一村は幼い頃から南画に才能を発揮して神童と呼ばれたりする。しかし大正時代になって南画は流行らなくなり、そこであれこれ新しい画風を模索。しかし画壇からは認められず展覧会にも落選続きで、失意のうちに奄美大島へいわば都落ち。そこで後に日本のゴーギャンと称された画風を確立するが、世間には知られないままに世を去るというのが彼の超簡単な略歴。
この展覧会にあったのは神童レベルじゃないと思うし、
南画というにはかなりモダンな画風かな。
「つゆ草にコオロギ」 1921年
コオロギはツユクサの一番上に一匹だけ描かれている。
「鉄網珊瑚（紅梅図）」 1926年
上の作品から5年後に描かれている。画風が変化するのはあり得るとして、文字の形がまったく違うのが興味深い。筆跡判定できないね(^^ゞ
「山水図 略擬雲林筆意」 1930年
第2章 昭和初期の新展開
「浅き春」 1931年
「椿図屏風」 1931年
24歳で描かれた一村の転換点とされる作品。ぱっと見はド迫力なんだけれど、よく見ると意外と繊細に描かれている。派手なだけじゃなくて、何か切実に訴えてくるものが感じられる。他の作品と較べてかなり画風が違うが、他にもこんな作品があるなら見てみたい。
なおこの屏風は２曲１双、つまり２つ折れの屏風が左右でワンセットであるが、左隻（左側）の屏風には金箔が貼られているだけで何も描かれていない。そういう作品なのか制作途中だったのかなどは不明らしい。
次の作品は正確な制作時期が不明。ところで牡丹の花には見えないし、彼岸花は絵の片隅に描かれているだけで、「つゆ草にコオロギ」と同じくタイトルと内容の不一致がビミョーに気になる。でも絵としては日本画のワンパターン感がなくて、けっこう好きな部類。
「牡丹図」
「彼岸花」
第３章 千葉へ
翡翠とはカワセミの別名。それはいいとして、この柿も牡丹の花と同じく、あまり柿には見えない。昔の柿はこんなふうに縦長だったのかな。
「翡翠図」
「柿」
風景画は何となく南画の雰囲気も残っている。これらは千葉の風景という括りで紹介されていたが、これが千葉ですといわれてもなあ(^^ゞ 例によって野梅はメインではなく画面下に小さく描かれている。一村のネーミングパターンが読めてきたかも。「はさ場」とは刈り取った稲を干す場所ね。
「夕日」 1941〜42年頃
「千葉寺はさ場」 1945年頃
「黄昏野梅」 1947年頃
ーーー続く
wassho at 20:29｜Permalink│Comments(0)│
2021年01月16日
田中一村展 千葉市美術館収蔵全作品
田中一村（いっそん）のことは10年ほど前に、今回と同じ千葉市立美術館で開かれた展覧会の情報で初めて知った。興味を引かれたが、ちょっと千葉までは遠いなあと思っているうちに行きそびれてしまう。2018年には生誕110年ということでNHKの日曜美術館でも取り上げられたし、佐川美術館で大規模な展覧会があった。何となく「この画家の絵は見なくちゃならない」という確信のようなものを感じたものの、佐川美術館は滋賀県にあるので(/o＼)
というわけで３度目の正直のような田中一村展。コロナで緊急事態宣言発令中ではあるが、密な事態にはなるまいと14日に千葉まで出かけてきた。
田中一村は1908年（明治41年）生まれで1977年（昭和52年）に69歳で没した。東京美術学校（現・東京芸術大学）の日本画科では東山魁夷と同期。生前はほとんど評価されなかったので日本のゴッホと呼ばれたり、また後年は奄美大島に移りトロピカルな題材のものを描いたので日本のゴーギャンと言われることもある。しかし、そろそろ日本の〇〇という西洋コンプレックス丸出しの表現はやめたほうがいいと思うのだが。
栃木県生まれの田中一村であるが、画業的には東京時代、千葉時代（1938年〜1958年）、奄美大島時代（1958年〜1977年）に分けられる。それで千葉に20年間住んでいたことから、千葉では県民画家扱いで千葉市美術館はかなりのコレクションを有している。
撮影年月日は不明であるが、奄美大島時代の田中一村。
かなりガリガリでも生気溢れるイメージ。
さて千葉市美術館は千葉のど真ん中、千葉駅の近くにある。考えてみると千葉県のあちこちにはクルマやバイクで数え切れないくらい出かけたが、電車では初めてだし、だいたい千葉の中心部には今まで行ったことがない。本日は意外な人生初体験(^^ゞ
当然、東京駅からJRで行くものだと思っていたが、乗り換え案内で調べると、渋谷からだと地下鉄半蔵門線で錦糸町まで行き、そこでJRに乗り換えろとの指示だった。それでそうしたのだが、渋谷から錦糸町までって30分もかかる。渋谷と錦糸町を直線で結んだ中間あたりに東京駅があるのだから、本当にこれが一番早かったのかな？
JR錦糸町駅のホームに上がるとスカイツリーが目の前に見えた。
何となくうれしい。
総武線の快速に乗って千葉駅まで、さらに32分。
はるばるやってきたという感じで千葉に到着。
千葉市美術館は千葉駅東口から
徒歩15分
バスだと下車してから徒歩3分
モノレールだと下車してから徒歩5分
と案内にあった。初千葉なので歩いて行くことに。
千葉駅東口。
iPhone12miniの超広角モードは35mm換算で14mm。私の持っているミラーレスカメラの広角ズームレンズが35mm換算で15mm〜36mmで、それよりも広いのだからビックリする。20mm以下なんてかなりマニアックな領域だったのに、それがスマホで撮れるのだからすごい時代になったものだ。（35mm換算というのはとりあえず無視して、数字が小さければ広い範囲が写る広角レンズで、数字が大きければ遠くのものが大きく写る望遠レンズと思ってください）
これはモノレールの軌道。見てわかるように千葉のモノレールは吊り下げ式。吊り下げモノレールは乗ったことがないので乗ってみたかった気もする。
駅前大通りというのを歩いて行く。
上の写真で赤くいくつか見えているのは、美術館アッチの標識。
ただしこの標識が美術館まで続いているわけじゃないから、あまり役立たない。
駅前大通りの終端にあるのが千葉市中央公園。
名前は立派でも、まあ単なる広場。
もう少し歩いて美術館に到着。自宅からドア to ドアでジャスト２時間だった。
道路を渡って美術館の全景を撮るのが面倒だったので、ホームページから借用。かっこいいのか悪いのかよくわからないデザインである。
何となく007の映画では爆破されたことになっているMI6（イギリス秘密情報部）のビルを思い出したが、似ているのは中央が高くて階段状になっていることだけだった(^^ゞ
中に入るとこんなレトロな広い場所があった。「さや堂ホール」という名称でコンサートや展覧会に貸し出しているらしい。
後で調べたら、この建物は旧川崎銀行千葉支店を鞘堂方式（古い建物をそのまま抱き込むように新しい建物を建てる）で保存、再生した建物とのこと。そういえば３枚前の写真で建物の右側はモダンだが、円柱の後ろは昔の建物の面影が残っている。
というわけでここは銀行が建てられた1927年(昭和2年）にタイムスリップできる空間。ただし柱の数が左右で違うし、左側の2本は根本が他の柱と別の形なのが不思議。
ーーー続く
というわけで３度目の正直のような田中一村展。コロナで緊急事態宣言発令中ではあるが、密な事態にはなるまいと14日に千葉まで出かけてきた。
田中一村は1908年（明治41年）生まれで1977年（昭和52年）に69歳で没した。東京美術学校（現・東京芸術大学）の日本画科では東山魁夷と同期。生前はほとんど評価されなかったので日本のゴッホと呼ばれたり、また後年は奄美大島に移りトロピカルな題材のものを描いたので日本のゴーギャンと言われることもある。しかし、そろそろ日本の〇〇という西洋コンプレックス丸出しの表現はやめたほうがいいと思うのだが。
栃木県生まれの田中一村であるが、画業的には東京時代、千葉時代（1938年〜1958年）、奄美大島時代（1958年〜1977年）に分けられる。それで千葉に20年間住んでいたことから、千葉では県民画家扱いで千葉市美術館はかなりのコレクションを有している。
撮影年月日は不明であるが、奄美大島時代の田中一村。
かなりガリガリでも生気溢れるイメージ。
さて千葉市美術館は千葉のど真ん中、千葉駅の近くにある。考えてみると千葉県のあちこちにはクルマやバイクで数え切れないくらい出かけたが、電車では初めてだし、だいたい千葉の中心部には今まで行ったことがない。本日は意外な人生初体験(^^ゞ
当然、東京駅からJRで行くものだと思っていたが、乗り換え案内で調べると、渋谷からだと地下鉄半蔵門線で錦糸町まで行き、そこでJRに乗り換えろとの指示だった。それでそうしたのだが、渋谷から錦糸町までって30分もかかる。渋谷と錦糸町を直線で結んだ中間あたりに東京駅があるのだから、本当にこれが一番早かったのかな？
JR錦糸町駅のホームに上がるとスカイツリーが目の前に見えた。
何となくうれしい。
総武線の快速に乗って千葉駅まで、さらに32分。
はるばるやってきたという感じで千葉に到着。
千葉市美術館は千葉駅東口から
徒歩15分
バスだと下車してから徒歩3分
モノレールだと下車してから徒歩5分
と案内にあった。初千葉なので歩いて行くことに。
千葉駅東口。
iPhone12miniの超広角モードは35mm換算で14mm。私の持っているミラーレスカメラの広角ズームレンズが35mm換算で15mm〜36mmで、それよりも広いのだからビックリする。20mm以下なんてかなりマニアックな領域だったのに、それがスマホで撮れるのだからすごい時代になったものだ。（35mm換算というのはとりあえず無視して、数字が小さければ広い範囲が写る広角レンズで、数字が大きければ遠くのものが大きく写る望遠レンズと思ってください）
これはモノレールの軌道。見てわかるように千葉のモノレールは吊り下げ式。吊り下げモノレールは乗ったことがないので乗ってみたかった気もする。
駅前大通りというのを歩いて行く。
上の写真で赤くいくつか見えているのは、美術館アッチの標識。
ただしこの標識が美術館まで続いているわけじゃないから、あまり役立たない。
駅前大通りの終端にあるのが千葉市中央公園。
名前は立派でも、まあ単なる広場。
もう少し歩いて美術館に到着。自宅からドア to ドアでジャスト２時間だった。
道路を渡って美術館の全景を撮るのが面倒だったので、ホームページから借用。かっこいいのか悪いのかよくわからないデザインである。
何となく007の映画では爆破されたことになっているMI6（イギリス秘密情報部）のビルを思い出したが、似ているのは中央が高くて階段状になっていることだけだった(^^ゞ
中に入るとこんなレトロな広い場所があった。「さや堂ホール」という名称でコンサートや展覧会に貸し出しているらしい。
後で調べたら、この建物は旧川崎銀行千葉支店を鞘堂方式（古い建物をそのまま抱き込むように新しい建物を建てる）で保存、再生した建物とのこと。そういえば３枚前の写真で建物の右側はモダンだが、円柱の後ろは昔の建物の面影が残っている。
というわけでここは銀行が建てられた1927年(昭和2年）にタイムスリップできる空間。ただし柱の数が左右で違うし、左側の2本は根本が他の柱と別の形なのが不思議。
ーーー続く
wassho at 19:46｜Permalink│Comments(0)│
2020年11月17日
「美人コンテストをマークせよ」を自宅で
中学生の頃に放送していたルパン三世で、今でも覚えているのはウクライナの銀狐が登場する「ニセ札つくりを狙え!」の他に、もう１つあることを以前に書いた。
それが「美人コンテストをマークせよ」という作品。窃盗団が美人コンテストを隠れみのにして、どこかの島で名画の闇オークションを開催。そこにルパンが潜入してその名画をごっそりいただくというような内容。
細かなストーリーは忘れてしまったが、強烈な印象として残っているのがラストシーン。まんまと名画を手に入れたルパン達は船で島から脱出する。そして名画を貼り合わせて帆のように風にはらませて、こう叫ぶ。
絵ってのは、こうやって楽しむものだぜ、とっつぁん！
今でも目に焼き付いているそのシーンになぜかシビれた。当時は絵画に「高尚なもの」という既成概念を持っていて、それを打ち破ってくれたことが痛快だったのかも知れない。そろそろ社会への反発心も芽生える年頃である。
そんな心理分析はともかく、その時は単純に「ボクも大人になったら、こんなコトしよう」と憧れた。しかし、それから半世紀が経ったけれど名画を盗む度胸はなく(^^ゞ さりとて買い集める財力も持ち合わせず(/o＼)
さてウチのマンションはいわゆるデザイナーズマンションで、内装にコンクリート打ちっぱなしの壁がある。そして展覧会に行くと展示作品のポスターが売られている。ある時、展覧会には年に何度も行くのだから、その度にポスターを買って壁に貼れば、ルパンと同じようなことができるのではと思いついた。（コンクリートだからスプレー糊で貼れる）
では世界初公開！ 私の寝室の壁。
下から煽ったアングルで。
ポスターを貼っていない部分もある。実はこの壁の前にはハンガーラックとか色々と置いてあって、そこの壁は普段は見えない。これはいつかの大掃除で壁の前のものをどけたので、その時に撮影したもの。この状態になったのは３年くらい前で、だから今はもうポスターを貼るスペースが無くなってしまったのが残念。
さっき数えたら42枚あった。
これだけの名画に囲まれて寝ているヤツはいないだろうと無駄な自己満足(^^ゞ
それが「美人コンテストをマークせよ」という作品。窃盗団が美人コンテストを隠れみのにして、どこかの島で名画の闇オークションを開催。そこにルパンが潜入してその名画をごっそりいただくというような内容。
細かなストーリーは忘れてしまったが、強烈な印象として残っているのがラストシーン。まんまと名画を手に入れたルパン達は船で島から脱出する。そして名画を貼り合わせて帆のように風にはらませて、こう叫ぶ。
絵ってのは、こうやって楽しむものだぜ、とっつぁん！
今でも目に焼き付いているそのシーンになぜかシビれた。当時は絵画に「高尚なもの」という既成概念を持っていて、それを打ち破ってくれたことが痛快だったのかも知れない。そろそろ社会への反発心も芽生える年頃である。
そんな心理分析はともかく、その時は単純に「ボクも大人になったら、こんなコトしよう」と憧れた。しかし、それから半世紀が経ったけれど名画を盗む度胸はなく(^^ゞ さりとて買い集める財力も持ち合わせず(/o＼)
さてウチのマンションはいわゆるデザイナーズマンションで、内装にコンクリート打ちっぱなしの壁がある。そして展覧会に行くと展示作品のポスターが売られている。ある時、展覧会には年に何度も行くのだから、その度にポスターを買って壁に貼れば、ルパンと同じようなことができるのではと思いついた。（コンクリートだからスプレー糊で貼れる）
では世界初公開！ 私の寝室の壁。
下から煽ったアングルで。
ポスターを貼っていない部分もある。実はこの壁の前にはハンガーラックとか色々と置いてあって、そこの壁は普段は見えない。これはいつかの大掃除で壁の前のものをどけたので、その時に撮影したもの。この状態になったのは３年くらい前で、だから今はもうポスターを貼るスペースが無くなってしまったのが残念。
さっき数えたら42枚あった。
これだけの名画に囲まれて寝ているヤツはいないだろうと無駄な自己満足(^^ゞ
wassho at 19:57｜Permalink│Comments(0)│
2020年09月03日
パパ活と遊女の不思議
売春を援助交際と言い換えるようになったのが30年前の1990年頃から。最初は女子高生の売春を意味したが、やがてプロ以外のアルバイト的な売春を広く指す言葉になったように思う。そして5年ほど前から広まってきたのがパパ活という言葉。愛人契約的なニュアンスを含めて使われ出した経緯があるものの、今では援助交際すなわち売春とほぼ同義語と考えていいだろう。
援助交際やパパ活などの表現が生まれるのは、売春の言葉を避けたいからである。こうやって言葉を置き換えてイメージを変えるのは日本語の伝統文化みたいなもので、例えば結婚式で「切る」は忌み言葉だからケーキには「入刀」されることになっている。
そして売春と言いたくないのは、もちろんそれが道徳的に悪いとされ法律としても違法だから。もっとも売春を身体を使う職業として考えた場合、歌ったり踊ったりするのと、あるいはスポーツ選手と何が違うのかは興味深いテーマ。しかし今回の趣旨からは外れるので触れないでおく。
というわけで、とりあえず売春は悪いことであり、それを援助交際やパパ活と言い換えようが、売春する行為が大っぴらに認められることはないし、言葉としても人前で発するのは憚られる後ろめたさがついて回る。
しかしである。
これが遊女という言葉になると、そういった売春のネガティブ感がまったく消えてしまうのが不思議なところ。言うまでもなく遊女は江戸時代の売春婦を指す言葉。明治になって呼び名が娼婦になり太平洋戦争前後から売春婦の名前に変わった（と何となく思っている）。
浮世絵には遊女を描いたものがたくさんある。というか芝居や遊郭といった「浮かれた世」を題材に始まったから浮世絵である。遊郭の遊女もピンキリで、浮世絵に描かれるのは高級な遊女であったとしても、売春を生業にしていたことに変わりない。
そして普段なら二言目には女性蔑視だ、セクハラだと叫びそうな人であっても、浮世絵の遊女については「売春婦を描いた作品」である基本情報はスルーして、遊女の艶やかな美しさなどとアートとして楽しんでいるのである。遊女という言葉を使うことの抵抗感も皆無である。
これがもし「パパ活女子」といったうタイトルの絵があるなら、どんなに美しい作品でもそうはならない。遊女もパパ活もやることは一緒なのにね(^^ゞ
どうして遊女という単語には後ろめたさがないのか。当時は合法的存在だったのは事実だとしても、それだけではないように思える。遠い昔に使われた言葉だから、貴族や武士と同じように概念としてしか捉えらず生身の感情が湧いてこないからか。あるいは「遊」の文字が持つ楽しさや軽やかさに売春のイメージがマスキングされるせいか。
浮世絵に描かれている女性って遊女が多いなあと気がついた数年前から、考えているテーマだけれど、未だ納得できる仮説を得られていない。そしてテーマがテーマだけに、あまり人とも話ができず(^^ゞ
援助交際やパパ活などの表現が生まれるのは、売春の言葉を避けたいからである。こうやって言葉を置き換えてイメージを変えるのは日本語の伝統文化みたいなもので、例えば結婚式で「切る」は忌み言葉だからケーキには「入刀」されることになっている。
そして売春と言いたくないのは、もちろんそれが道徳的に悪いとされ法律としても違法だから。もっとも売春を身体を使う職業として考えた場合、歌ったり踊ったりするのと、あるいはスポーツ選手と何が違うのかは興味深いテーマ。しかし今回の趣旨からは外れるので触れないでおく。
というわけで、とりあえず売春は悪いことであり、それを援助交際やパパ活と言い換えようが、売春する行為が大っぴらに認められることはないし、言葉としても人前で発するのは憚られる後ろめたさがついて回る。
しかしである。
これが遊女という言葉になると、そういった売春のネガティブ感がまったく消えてしまうのが不思議なところ。言うまでもなく遊女は江戸時代の売春婦を指す言葉。明治になって呼び名が娼婦になり太平洋戦争前後から売春婦の名前に変わった（と何となく思っている）。
浮世絵には遊女を描いたものがたくさんある。というか芝居や遊郭といった「浮かれた世」を題材に始まったから浮世絵である。遊郭の遊女もピンキリで、浮世絵に描かれるのは高級な遊女であったとしても、売春を生業にしていたことに変わりない。
そして普段なら二言目には女性蔑視だ、セクハラだと叫びそうな人であっても、浮世絵の遊女については「売春婦を描いた作品」である基本情報はスルーして、遊女の艶やかな美しさなどとアートとして楽しんでいるのである。遊女という言葉を使うことの抵抗感も皆無である。
これがもし「パパ活女子」といったうタイトルの絵があるなら、どんなに美しい作品でもそうはならない。遊女もパパ活もやることは一緒なのにね(^^ゞ
どうして遊女という単語には後ろめたさがないのか。当時は合法的存在だったのは事実だとしても、それだけではないように思える。遠い昔に使われた言葉だから、貴族や武士と同じように概念としてしか捉えらず生身の感情が湧いてこないからか。あるいは「遊」の文字が持つ楽しさや軽やかさに売春のイメージがマスキングされるせいか。
浮世絵に描かれている女性って遊女が多いなあと気がついた数年前から、考えているテーマだけれど、未だ納得できる仮説を得られていない。そしてテーマがテーマだけに、あまり人とも話ができず(^^ゞ
wassho at 21:17｜Permalink│Comments(0)│
2020年07月15日
モナリザは美人だった！？
誰でもが知っているモナリザ。名画中の名画であり人類の至宝とされている。しかし教養を疑われたら困るから口にしてこなかったけれど、昔からこれがいい絵だと思ったことは一度もない。唯一無二の強烈な存在感があるのは認める。絵からオーラが出ている感じさえする。でもそれと眺めていたいかどうかは別の話。平たくいえば趣味に合わない。私が大事にしている「酔える」絵でもない。
ところで本物のモナリザを見たことはないが、書籍や雑誌あるいはネットの画像で見るモナリザは全体に黄色がかっている。ほとんどがそうだから、本物もそうなのだろう。
レオナルド・ダ・ヴィンチがモナリザを描いたのは1503年から1506年（1519年に亡くなるまで加筆修正を続けたとの説もある）だから、ざっと500年前で日本では戦国時代が始まった頃の作品。いわゆる汚れに関しては充分にクリーニングされているらしいので、黄色っぽいのは変色したのだろうか。しかしダ・ヴィンチの他の作品やルネサンス時代の他の画家の作品では、人物がこんなに黄色くなってはいないから、これは黄色く描いたのだろうか。少し調べてみたものの、そんなことは美術界で話題になっていないようで理由はわからず。
ところでデジカメが出始めた頃、あるいは携帯電話にデジカメが搭載された頃、明るさが足らない場所で人物を撮ると黄色が強くなってしまうケースが多かった。それをよく画像ソフトで補正したものである。
というわけでモナリザにも(^^ゞ
私には、この方が自然な色合いに思える。
思うにモナリザが好きになれない一番の理由は、描かれている人物に魅力を感じないからだ。よく見れば整った顔立ちで気品も感じる。しかし黄色い顔をして眉毛もないから、子供の頃に初めて見た時は何となく薄気味悪かった。その印象を今も引きずっているのかも知れない。しかし、どうして眉毛がないのだ？ 江戸時代の既婚女性のような眉毛を剃り落とす風習はルネサンスのヨーロッパになかったはずなのに。
さてそういうわけでモナリザには関心がなかったのだが、先日ネットで面白いものを見つけた。それはAIを使って名画のモデルに命を吹き込もうとする試み。それでモナリザがこんなふうに。メッチャかわいいやん！ やっぱりモナリザはいい絵だなあ(^^ゞ
動画ではモナリザの他にボッティチェッリの「ヴィーナスの誕生」、フェルメールの「真珠の耳飾りの少女」、レンブラントの「夜警」なども見られる。前半はほとんど言葉だけの解説で、モナリザが登場するのは開始1分30秒あたりから。フェルメールのデキはイマイチかも。
この動画で現代風になったモナリザを見て、2012年の展覧会で知った「アイルワースのモナリザ」を思い出した。この絵はダ・ヴィンチがモナリザを描く10年程前に、同じモデルで制作したとの説もある。その真贋ははっきりしないとしても、AIモナリザはアイルワースにそっくりである。
AIで「何をどうして」モナリザの顔を再現したのか動画では説明されていない。説明されたら理解できるものでもないが。今回のものはエンジニアのちょっとしたお遊びだろうが、これからはAIを利用して資料の断片から歴史を読み解くことができるようになる予感がして興味深い。
ところでAI動画ではモナリザが笑顔を振りまいている。ダ・ヴィンチの描いたモナリザの表情は「謎めいた微笑み」などとよくいわれる。でもあまりに控えめなのでビミョー過ぎるとも思っている。先ほど絵の黄色っぽさを補正した時に、フォトショップ・エレメンツ（画像ソフト）に「顔立ちを調整」という項目を見つけたので試してみた。左側が調整済みのモナリザ。クリックして拡大した方がわかりやすい。
スマホの写真系アプリのように劇的には変化しないが、
唇の形を笑顔にして
目を少し大きく
アゴをわずかにシャープにして
額も気持ち狭くしてみた
ちょっとは愛想のいいモナリザになったかな？
プロが画像ソフトを使って（表情ではなく）質感をレタッチ（補正・調整）したのがこちら。ずいぶんと生々しいモナリザに仕上がっている。ダ・ヴィンチの描いたモナリザはどこか存在感が希薄で、それが女神的な雰囲気にもつながっている。でもレタッチされたものを見ると、この描かれた人物の実在を強く感じる。それと顔の形はほとんど変えていないのにオリジナルよりずっと美人だ。まあスッピンと化粧した顔の違いともいえるが(^^ゞ
動画で制作の様子を見ることができる。
ダ・ヴィンチが見たら好奇心を抑えられず、あの世から蘇ってきそうな内容である。
古典的な名画をリアルに再現するというのは意外と面白い。この前、超写実絵画の展覧会を見てきたくらいだから、私の好みに合うのだろう。もっといろいろな作品を見たいものである。特にラファエロで誰か試してくれるとうれしい。
ところで本物のモナリザを見たことはないが、書籍や雑誌あるいはネットの画像で見るモナリザは全体に黄色がかっている。ほとんどがそうだから、本物もそうなのだろう。
レオナルド・ダ・ヴィンチがモナリザを描いたのは1503年から1506年（1519年に亡くなるまで加筆修正を続けたとの説もある）だから、ざっと500年前で日本では戦国時代が始まった頃の作品。いわゆる汚れに関しては充分にクリーニングされているらしいので、黄色っぽいのは変色したのだろうか。しかしダ・ヴィンチの他の作品やルネサンス時代の他の画家の作品では、人物がこんなに黄色くなってはいないから、これは黄色く描いたのだろうか。少し調べてみたものの、そんなことは美術界で話題になっていないようで理由はわからず。
ところでデジカメが出始めた頃、あるいは携帯電話にデジカメが搭載された頃、明るさが足らない場所で人物を撮ると黄色が強くなってしまうケースが多かった。それをよく画像ソフトで補正したものである。
というわけでモナリザにも(^^ゞ
私には、この方が自然な色合いに思える。
思うにモナリザが好きになれない一番の理由は、描かれている人物に魅力を感じないからだ。よく見れば整った顔立ちで気品も感じる。しかし黄色い顔をして眉毛もないから、子供の頃に初めて見た時は何となく薄気味悪かった。その印象を今も引きずっているのかも知れない。しかし、どうして眉毛がないのだ？ 江戸時代の既婚女性のような眉毛を剃り落とす風習はルネサンスのヨーロッパになかったはずなのに。
さてそういうわけでモナリザには関心がなかったのだが、先日ネットで面白いものを見つけた。それはAIを使って名画のモデルに命を吹き込もうとする試み。それでモナリザがこんなふうに。メッチャかわいいやん！ やっぱりモナリザはいい絵だなあ(^^ゞ
動画ではモナリザの他にボッティチェッリの「ヴィーナスの誕生」、フェルメールの「真珠の耳飾りの少女」、レンブラントの「夜警」なども見られる。前半はほとんど言葉だけの解説で、モナリザが登場するのは開始1分30秒あたりから。フェルメールのデキはイマイチかも。
この動画で現代風になったモナリザを見て、2012年の展覧会で知った「アイルワースのモナリザ」を思い出した。この絵はダ・ヴィンチがモナリザを描く10年程前に、同じモデルで制作したとの説もある。その真贋ははっきりしないとしても、AIモナリザはアイルワースにそっくりである。
AIで「何をどうして」モナリザの顔を再現したのか動画では説明されていない。説明されたら理解できるものでもないが。今回のものはエンジニアのちょっとしたお遊びだろうが、これからはAIを利用して資料の断片から歴史を読み解くことができるようになる予感がして興味深い。
ところでAI動画ではモナリザが笑顔を振りまいている。ダ・ヴィンチの描いたモナリザの表情は「謎めいた微笑み」などとよくいわれる。でもあまりに控えめなのでビミョー過ぎるとも思っている。先ほど絵の黄色っぽさを補正した時に、フォトショップ・エレメンツ（画像ソフト）に「顔立ちを調整」という項目を見つけたので試してみた。左側が調整済みのモナリザ。クリックして拡大した方がわかりやすい。
スマホの写真系アプリのように劇的には変化しないが、
唇の形を笑顔にして
目を少し大きく
アゴをわずかにシャープにして
額も気持ち狭くしてみた
ちょっとは愛想のいいモナリザになったかな？
プロが画像ソフトを使って（表情ではなく）質感をレタッチ（補正・調整）したのがこちら。ずいぶんと生々しいモナリザに仕上がっている。ダ・ヴィンチの描いたモナリザはどこか存在感が希薄で、それが女神的な雰囲気にもつながっている。でもレタッチされたものを見ると、この描かれた人物の実在を強く感じる。それと顔の形はほとんど変えていないのにオリジナルよりずっと美人だ。まあスッピンと化粧した顔の違いともいえるが(^^ゞ
動画で制作の様子を見ることができる。
ダ・ヴィンチが見たら好奇心を抑えられず、あの世から蘇ってきそうな内容である。
古典的な名画をリアルに再現するというのは意外と面白い。この前、超写実絵画の展覧会を見てきたくらいだから、私の好みに合うのだろう。もっといろいろな作品を見たいものである。特にラファエロで誰か試してくれるとうれしい。
wassho at 20:02｜Permalink│Comments(0)│
2020年07月02日
超写実絵画の襲来 ホキ美術館所蔵 その４
いわゆる静物画は昔から超写実的なものが多くある。私が認識している範囲では、17世紀のオランダ絵画（フェルメールと同時代）や、その少し前のフランドル絵画と呼ばれていた頃からそういう手法はあったと思う。はじめてグラスが透明に描かれている絵を見た時はビックリしたものである。
それで青木敏郎の絵を見た時、そのオランダ絵画を思い出し、超写実絵画には油絵の雰囲気を残したものと、そうでないものに分かれることに気がついた。
ところで超写実絵画には
写真をキャンバスに投影して写し取る←→写真は参考にするが投影はしない
エアブラシで描く←→筆や鉛筆などで描く
などに手法が分かれるらしい。写真を投影して、それをなぞってエアブラシで描くのをスーパーリアリズム、そうでないのを写実絵画あるいは超写実絵画と区別するようでもあるが、あまり詳しく調べていない。何となく曖昧なところもあるし、だいたい同じ意味を日本語と英語で使い分けているだけだからネーミングとしても成立していない。
それはさておき、この展覧会の作品は鉛筆画を除きすべて筆で描かれたもの。それなにの「油絵の雰囲気を残したものと、そうでないものに分かれる」のは技法として何が違うのだろう。それと17世紀から人物画でも精細に描いたものはあるが、静物画と異なり、今日の超写実絵画の人物画とはリアリティのレベルが違う。当時とは何が違う？ 道具や材料はそう変わらないと思うが、そのあたりがナゾ。
「レモンのコンフィチュール、芍薬、染付と白地の焼き物」 青木敏郎 2013年
この展覧会の中にあっては古典絵画かと思えるくらいであって、本物そっくりで頭がクラッとくることはない。でもこれはこれで実に味わいがあるというか酔えるというか。そういう意味で「絵って何？」といろいろと考えさせられた作品でもある。
なおコンフィチュールとはジャムみたいなもの。ただし、ここで描かれているのはあまり煮込まないで形を残した砂糖菓子のようである。ただこれが、やたらギラギラとしていて色も悪く、今はもう見なくなった「汚い食堂の店先にある、クオリティが低くて安っぽい食品サンプル（ロウでできたヤツね）」のように見えて仕方なかった。この絵の時代設定は不明だが、昔のコンフィチュールはそうだったの？ とりあえずマズそう(^^ゞ
「あかいはな」 五味文彦 2010年
リアリティでなら断然こちらのほうが優れている。しかしテクニックには感嘆しても、絵としての味わいは皆無。人物画だと6月26日に紹介した「綾〇〇〇的な」や「信じてる」のようにリアリティがある一線を越えると「特別な何か」を感じるのに、静物画では写真にしか見えないのが不思議。
続いて紹介するのはクリエイティブ賞。
展覧会とは関係なく私が勝手に選定したもの。
「飛行計画 ー詩は聞こえたか−」 五味文彦 2012年
コラージュは雑誌のグラビアページやポスターなどを材料にして作る。つまり写真の貼り合わせ。それをまるで写真のような超写実技法で、写真なしで再現するという試みが面白い。シャレがわかっているで賞でもいいかな。
よく見ればコラージュでは不可能な表現もあったりして芸が細かい。ただしタイトルの意味はさっぱりわからないが。
「夢の箱」 島村信之 2017年
見た瞬間に「ヤラレタ！」と思った作品。クワガタの標本を絵にするという発想が素晴らしい。また横幅２メートルちょっとある大きな作品で、大きなクワガタだと体長50センチほどのサイズで描かれていて迫力も充分。そんなクワガタにもし出くわしたら、死んだふりするかも(^^ゞ
似たようなものだけれどアイデア賞を３点。
「UTSUSEMI」 五味文彦 2014年
動物の柔らかい毛並み、鳥の羽の滑らかさ、食器の硬質な感じーーー超写実絵画のテクニック見本として面白いかと。画家のドヤ顔が目に浮かぶようだが。
「聖なるもの THE-IV」 野田弘志 2013年
写真は構図やテクニックよりも被写体が９割大事というのが、ここ数年カメラを持って出かけることが多くなった私の感想。絵もそうなんだと思う。
「いにしえの王は語る」 五味文彦 2018年
どんな木なの想像が膨らむが、この部分を切り取ったのが画家の感性。写真も漠然と撮っていてはダメだな。それと写真にもタイトルを付けたら作品ぽくなるかな(^^ゞ
次は残念だ賞。この絵が残念なことはまったくなくて、残念なのは鉛筆画がこの作品しか展示されていなかったこと。鉛筆の超写実絵画は一種独特の浮遊感が感じられるものが多くて好きなのに。
「横たわる男」 磯江 毅 200-2002年
展示されていたのは70点弱で、ややこぢんまりしたスケール。ただこの手の作品は見ていると息が詰まるというと大げさだが、少し緊張感が強いられるので、これくらいの作品数が適切かも知れない。写真以上に写実的な描写に何の意味があるのかについては意見は分かれるかも知れない。しかし100メートルを９秒台で走ったって、冷静に考えれば「だからどうした」ともいえるわけで、私は単純にワーッ、すげえ！と楽しみたい。
おしまい
それで青木敏郎の絵を見た時、そのオランダ絵画を思い出し、超写実絵画には油絵の雰囲気を残したものと、そうでないものに分かれることに気がついた。
ところで超写実絵画には
写真をキャンバスに投影して写し取る←→写真は参考にするが投影はしない
エアブラシで描く←→筆や鉛筆などで描く
などに手法が分かれるらしい。写真を投影して、それをなぞってエアブラシで描くのをスーパーリアリズム、そうでないのを写実絵画あるいは超写実絵画と区別するようでもあるが、あまり詳しく調べていない。何となく曖昧なところもあるし、だいたい同じ意味を日本語と英語で使い分けているだけだからネーミングとしても成立していない。
それはさておき、この展覧会の作品は鉛筆画を除きすべて筆で描かれたもの。それなにの「油絵の雰囲気を残したものと、そうでないものに分かれる」のは技法として何が違うのだろう。それと17世紀から人物画でも精細に描いたものはあるが、静物画と異なり、今日の超写実絵画の人物画とはリアリティのレベルが違う。当時とは何が違う？ 道具や材料はそう変わらないと思うが、そのあたりがナゾ。
「レモンのコンフィチュール、芍薬、染付と白地の焼き物」 青木敏郎 2013年
この展覧会の中にあっては古典絵画かと思えるくらいであって、本物そっくりで頭がクラッとくることはない。でもこれはこれで実に味わいがあるというか酔えるというか。そういう意味で「絵って何？」といろいろと考えさせられた作品でもある。
なおコンフィチュールとはジャムみたいなもの。ただし、ここで描かれているのはあまり煮込まないで形を残した砂糖菓子のようである。ただこれが、やたらギラギラとしていて色も悪く、今はもう見なくなった「汚い食堂の店先にある、クオリティが低くて安っぽい食品サンプル（ロウでできたヤツね）」のように見えて仕方なかった。この絵の時代設定は不明だが、昔のコンフィチュールはそうだったの？ とりあえずマズそう(^^ゞ
「あかいはな」 五味文彦 2010年
リアリティでなら断然こちらのほうが優れている。しかしテクニックには感嘆しても、絵としての味わいは皆無。人物画だと6月26日に紹介した「綾〇〇〇的な」や「信じてる」のようにリアリティがある一線を越えると「特別な何か」を感じるのに、静物画では写真にしか見えないのが不思議。
続いて紹介するのはクリエイティブ賞。
展覧会とは関係なく私が勝手に選定したもの。
「飛行計画 ー詩は聞こえたか−」 五味文彦 2012年
コラージュは雑誌のグラビアページやポスターなどを材料にして作る。つまり写真の貼り合わせ。それをまるで写真のような超写実技法で、写真なしで再現するという試みが面白い。シャレがわかっているで賞でもいいかな。
よく見ればコラージュでは不可能な表現もあったりして芸が細かい。ただしタイトルの意味はさっぱりわからないが。
「夢の箱」 島村信之 2017年
見た瞬間に「ヤラレタ！」と思った作品。クワガタの標本を絵にするという発想が素晴らしい。また横幅２メートルちょっとある大きな作品で、大きなクワガタだと体長50センチほどのサイズで描かれていて迫力も充分。そんなクワガタにもし出くわしたら、死んだふりするかも(^^ゞ
似たようなものだけれどアイデア賞を３点。
「UTSUSEMI」 五味文彦 2014年
動物の柔らかい毛並み、鳥の羽の滑らかさ、食器の硬質な感じーーー超写実絵画のテクニック見本として面白いかと。画家のドヤ顔が目に浮かぶようだが。
「聖なるもの THE-IV」 野田弘志 2013年
写真は構図やテクニックよりも被写体が９割大事というのが、ここ数年カメラを持って出かけることが多くなった私の感想。絵もそうなんだと思う。
「いにしえの王は語る」 五味文彦 2018年
どんな木なの想像が膨らむが、この部分を切り取ったのが画家の感性。写真も漠然と撮っていてはダメだな。それと写真にもタイトルを付けたら作品ぽくなるかな(^^ゞ
次は残念だ賞。この絵が残念なことはまったくなくて、残念なのは鉛筆画がこの作品しか展示されていなかったこと。鉛筆の超写実絵画は一種独特の浮遊感が感じられるものが多くて好きなのに。
「横たわる男」 磯江 毅 200-2002年
展示されていたのは70点弱で、ややこぢんまりしたスケール。ただこの手の作品は見ていると息が詰まるというと大げさだが、少し緊張感が強いられるので、これくらいの作品数が適切かも知れない。写真以上に写実的な描写に何の意味があるのかについては意見は分かれるかも知れない。しかし100メートルを９秒台で走ったって、冷静に考えれば「だからどうした」ともいえるわけで、私は単純にワーッ、すげえ！と楽しみたい。
おしまい
wassho at 23:36｜Permalink│Comments(0)│
2020年07月01日
超写実絵画の襲来 ホキ美術館所蔵 その３
前回の投稿で紹介したのは人物画。
今回は風景画を中心に。
しかし、これがまったくクラッとこなかった。
それが自分に対して不思議。
雄大な風景や、スナップ的に景色を切り取ったものに何も感ぜずーーー
「摩周湖・夏天」 野田弘志 1999年
「気配ー春」 大畑稔浩 2015年
「ひまわり畑」 藤原秀一 2006年
描かれているのが人工物だと、さらに何も感ぜずーーー
「SHAFT TOWER（赤平）」 石黒賢一郎 2010年
「階段 Stairwell」 廣戸絵美 208-2009年
これなら別に写真でいいじゃないかとすら思えたりーーー
「瀬戸内海風景ー川尻港」 大畑稔浩 2003年
「ナローカナルのボート乗り場」 原雅幸 2007年
とりあえずテンション下がりまくり(/o＼)
2017年の平塚での展覧会では犬塚勉の「梅雨の晴れ間」、水野暁の「The Volcano−大地と距離について／浅間山」といった超写実風景画を見て舞い上がっていたのに。
何が違うんだろうと考える。写実の精緻さで今回が劣っているということはない。平塚以来、この手の絵は見ていないから飽きたということでもない。というわけで原因不明。３年経って感性が老化した可能性には触れたくない(^^ゞ
というわけで、私が超写実絵画に求める
本物以上に本物そっくりなのに、
本物じゃないことを知っていることから来る混乱で
頭がクラッとして、そこに不思議な快感を覚える
という楽しみは風景画からは得られなかったものの「スゴいな〜」「どうやって描いているの」「描いているとき息してるのかなあ」といった超写実テクニックに対する驚嘆は十分すぎるほどに味わえたから、それほど不満はない。
ーーー続く
今回は風景画を中心に。
しかし、これがまったくクラッとこなかった。
それが自分に対して不思議。
雄大な風景や、スナップ的に景色を切り取ったものに何も感ぜずーーー
「摩周湖・夏天」 野田弘志 1999年
「気配ー春」 大畑稔浩 2015年
「ひまわり畑」 藤原秀一 2006年
描かれているのが人工物だと、さらに何も感ぜずーーー
「SHAFT TOWER（赤平）」 石黒賢一郎 2010年
「階段 Stairwell」 廣戸絵美 208-2009年
これなら別に写真でいいじゃないかとすら思えたりーーー
「瀬戸内海風景ー川尻港」 大畑稔浩 2003年
「ナローカナルのボート乗り場」 原雅幸 2007年
とりあえずテンション下がりまくり(/o＼)
2017年の平塚での展覧会では犬塚勉の「梅雨の晴れ間」、水野暁の「The Volcano−大地と距離について／浅間山」といった超写実風景画を見て舞い上がっていたのに。
何が違うんだろうと考える。写実の精緻さで今回が劣っているということはない。平塚以来、この手の絵は見ていないから飽きたということでもない。というわけで原因不明。３年経って感性が老化した可能性には触れたくない(^^ゞ
というわけで、私が超写実絵画に求める
本物以上に本物そっくりなのに、
本物じゃないことを知っていることから来る混乱で
頭がクラッとして、そこに不思議な快感を覚える
という楽しみは風景画からは得られなかったものの「スゴいな〜」「どうやって描いているの」「描いているとき息してるのかなあ」といった超写実テクニックに対する驚嘆は十分すぎるほどに味わえたから、それほど不満はない。
ーーー続く
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2020年06月26日
超写実絵画の襲来 ホキ美術館所蔵 その２
以前にも書いたように私が超写実的絵画が好きなのは、それを眺めると
本物以上に本物そっくりなのに、
本物じゃないと知っていることから来る混乱で
頭がクラッとして、そこに不思議な快感を覚える
からである。もっとも写真やCGで頭がクラッとはしないから、人が手で描いたものなのにという感嘆が心の底にあるのだと思う。
それはさておき、
今回の展覧会で頭がクラッときたベスト2をまず発表。
第2位
「綾〇〇〇的な」 石黒賢一郎 2014年
これ絵でっせ、絵。あ・ぶ・ら・え！
筆に絵の具つけて塗ってまんねん。
ビックリしすぎて関西弁になる(^^ゞ
クラッとするの意味がわかってもらえたかな？
タイトルの綾〇〇〇は、もちろんエヴァンゲリオンの綾波レイを示している。この猫耳はエヴァグッズでよく見かける。綾波レイを伏せ字にするのは著作権とかの関係だろうか？
第1位
「信じてる」 三重野 慶 2016年
ひょっとしたらこの作品は、今から一生忘れないかも知れない。
まるで息づかいまで聞こえてきそうなほどリアル。
クラッとを通り越して気絶寸前。
ベスト2と中途半端な選出になったのは、リアルさの点でこの2つが群を抜いていたから。こういう絵を見てクラッとする快感を求めてやって来たのである。だから目的を果たせてよかったのであるが、ここで少々問題が。
人物画は他にもたくさん展示されている。それらは
リアルさではベスト2の作品より劣る
しかし絵全体の佇まいや雰囲気では勝るものもある
ということ。
それらをいい絵だなあと思っても、超写実絵画の展覧会だとの意識があるから、どこか物足りなさも同時に感じてしまう。もちろん通常の観点でいえば、これらも超写実的なことに変わりないのであるが。
「5：55」 生島 浩 2007-2010年
「未来」 森本草介 2011年
「籐寝椅子」 島村信之 2007年
「レッスン」 島村信之 2008年
「存在の在処」 石黒賢一郎 2001-2011年
この人物のリアルさは1位2位に次ぐ出来映え。背景にいろいろ描き込まれていて情報量が多いので、リアルさの総量でいえば1位2位をしのいでいる。しかしクラッと度合いはそれらと較べてかなり低い。オッサンがリアルでそれがどうしたという感じ。
どうやら自分もオッサンのくせに、オッサンにあまり価値を認めていないようだ。というわけで人物より壁の汚れとか、黒板に書かれたチョークも文字などにやたら目を奪われた作品。
お口直しに(^^ゞ
「聖なるもの THE-I」 野田弘志 2009年
この絵の超写実的な描写は相当に優秀なのだけれど、黒いドレスが油絵の具でテカテカ光っていて「本物らしさ」が損なわれて残念だった作品。照明の当て方が悪かったのだろうか？
「夏至を待つ日」 大矢英雄 2013年
リアリティはそれほど追求していないと思う。しかし何となく雰囲気よし。
技術点と芸術点をどう分配するかと、まるでフィギュアスケートの審査員になったような気持ちでの作品鑑賞となった。
ーーー続く
本物以上に本物そっくりなのに、
本物じゃないと知っていることから来る混乱で
頭がクラッとして、そこに不思議な快感を覚える
からである。もっとも写真やCGで頭がクラッとはしないから、人が手で描いたものなのにという感嘆が心の底にあるのだと思う。
それはさておき、
今回の展覧会で頭がクラッときたベスト2をまず発表。
第2位
「綾〇〇〇的な」 石黒賢一郎 2014年
これ絵でっせ、絵。あ・ぶ・ら・え！
筆に絵の具つけて塗ってまんねん。
ビックリしすぎて関西弁になる(^^ゞ
クラッとするの意味がわかってもらえたかな？
タイトルの綾〇〇〇は、もちろんエヴァンゲリオンの綾波レイを示している。この猫耳はエヴァグッズでよく見かける。綾波レイを伏せ字にするのは著作権とかの関係だろうか？
第1位
「信じてる」 三重野 慶 2016年
ひょっとしたらこの作品は、今から一生忘れないかも知れない。
まるで息づかいまで聞こえてきそうなほどリアル。
クラッとを通り越して気絶寸前。
ベスト2と中途半端な選出になったのは、リアルさの点でこの2つが群を抜いていたから。こういう絵を見てクラッとする快感を求めてやって来たのである。だから目的を果たせてよかったのであるが、ここで少々問題が。
人物画は他にもたくさん展示されている。それらは
リアルさではベスト2の作品より劣る
しかし絵全体の佇まいや雰囲気では勝るものもある
ということ。
それらをいい絵だなあと思っても、超写実絵画の展覧会だとの意識があるから、どこか物足りなさも同時に感じてしまう。もちろん通常の観点でいえば、これらも超写実的なことに変わりないのであるが。
「5：55」 生島 浩 2007-2010年
「未来」 森本草介 2011年
「籐寝椅子」 島村信之 2007年
「レッスン」 島村信之 2008年
「存在の在処」 石黒賢一郎 2001-2011年
この人物のリアルさは1位2位に次ぐ出来映え。背景にいろいろ描き込まれていて情報量が多いので、リアルさの総量でいえば1位2位をしのいでいる。しかしクラッと度合いはそれらと較べてかなり低い。オッサンがリアルでそれがどうしたという感じ。
どうやら自分もオッサンのくせに、オッサンにあまり価値を認めていないようだ。というわけで人物より壁の汚れとか、黒板に書かれたチョークも文字などにやたら目を奪われた作品。
お口直しに(^^ゞ
「聖なるもの THE-I」 野田弘志 2009年
この絵の超写実的な描写は相当に優秀なのだけれど、黒いドレスが油絵の具でテカテカ光っていて「本物らしさ」が損なわれて残念だった作品。照明の当て方が悪かったのだろうか？
「夏至を待つ日」 大矢英雄 2013年
リアリティはそれほど追求していないと思う。しかし何となく雰囲気よし。
技術点と芸術点をどう分配するかと、まるでフィギュアスケートの審査員になったような気持ちでの作品鑑賞となった。
ーーー続く
wassho at 23:22｜Permalink│Comments(0)│
2020年06月24日
超写実絵画の襲来 ホキ美術館所蔵
写実絵画あるいは超写実絵画、またはスーパーリアリズムと呼ばれる絵画のジャンルがある。一言でいえば、まるで写真かと思うほどに精緻に描いた絵のこと。もしブログをパソコンで見ているなら、上のバナーをクリックして拡大すれば、だいたいの感じはつかめるかと。
2017年には湘南の平塚市美術館で「リアル（写実）のゆくえ」という展覧会を見てきた。そんなところまで出かけたくらいだから、私はけっこう写実絵画のファンである。何が好きなのかについては、こちらに少し書いた。
千葉にホキ美術館という、その写実絵画を専門にした美術館がある。設立は2010年で、私がその存在を知ったのは2015年くらいだったかな。そのうちバイクでツーリングがてら訪れようと思っていたが、なかなか果たせず。そして2018年３月にはバイクを手放してしまい。もちろん電車でも行けるが、千葉でも少し奥まったところにあるので、なかなか腰が上がらずにいた。
そうこうしていると昨年の秋に「10月25日の集中豪雨で被害を受けたため、無期限の休館」というニュースが(>_<) ナッテコッタイ！ 詳しい状況はわからなかったが、作品が損傷したのではなさそうなのでひと安心。それでも、ますます訪問が遠のいた。
と、思っていたら渋谷の東急Bunkamuraで「超写実絵画の襲来 ホキ美術館所蔵」という展覧会が開かれることになった。休館中に他の美術館に作品を貸し出しての開催かと思う。期間は今年の3月18日〜2020年5月11日だった。前売り券も買って楽しみにしていた。
しかし、今度はコロナ襲来(/o＼)
正確には覚えていないが、小池都知事が不要不急の外出自粛を求めた3月25日の次の日あたりから4月7日までがまず休館になり、結局その後も5月11日まで休館が延長、つまり展覧会が中止になった。
ショボーンとなっていたら、6月11日から29日まで特別展として展覧会を再開するとの知らせが来た。内容はまったく同じようである。おそらく5月11日以降も作品は東急Bunkamuraに置いたままだったのじゃないかな。
そんなこんなで、何度目の正直かわからないけれど、本日に念願かなって写実絵画の展覧会を見てきたしだい。
渋谷のスクランブル交差点、午後3時半頃。平日のこの時間帯としてはコロナ前の1/2〜1/3の人出かな。昔と違って渋谷にはそんなに行かないので、あまり自信なし。でも渋谷らしい混雑感がまったくないのは確か。
東急Bunkamuraに行くのにセンター街を通る必要はないが、
なんとなく雰囲気を見ておきたくて。
センター街の外側に出て坂を上がると見えてくるのが東急百貨店本店。渋谷駅にあった東横店は今年の3月に閉店してしまった。
本店の前の道を少し進むと隣にBunkamuraの入り口。
Bunkamura（文化村）はコンサートホール、劇場、映画館、美術館などがある複合文化施設。地下1階にあるザ・ミュージアムと呼ばれる美術館にはエスカレーターで降りる。
コロナ対策でまず体温測定。
非接触の体温計で人が計測するのではなく、カメラのようなものの前に立つだけ。
36.5度で無事クリア。
しかし記念にと思ってiPhoneで撮影しようとすると37.7度に！
iPhoneが熱を持っていたのかな。
次に「連絡先記入用紙」に名前や電話番号を書かされる。
その後にチケットを買って、展示室の入り口でその用紙を渡す仕組み。また人が多い場合は入場制限を行うとのこと。この時は制限なし。まあ、そんなに人気のあるジャンルの展覧会じゃないから。
しかし、こんな面倒なことがいつまで続くのだろうが。Bunkamuraでは美術館でチケットが買えるが、国立西洋美術館や東京都美術館などではチケットを事前購入しなければいけないシステムになっている。現地で当日チケットは発売していない。
開催されないよりはマシともいえるが、美術展覧会のような無言のイベントに制限は無意味ともいえる。コロナについては被害の最小化を目指すのではなく、医療崩壊が起こらない程度にコントロールすべきという考えを持っている。しかし、なかなかそういうことを主張しづらい社会的風潮。電車に乗っていると全員マスクをしている。だったら私はマスクを外してもいいはずと思っても、そんな勇気もなく(^^ゞ
展覧会の感想は次回からに。
ーーー続く
wassho at 23:36｜Permalink│Comments(0)│
2020年03月14日
ハマスホイとデンマーク絵画 番外編
展覧会を見終えて東京都美術館を出る。駅のほうに向かって噴水池のある広場にさしかかると、池の周りに黄色い花が見えた。
チューリップだった。
この時期（訪れたのは2月12日）に普通のチューリップは咲かないから、これはアイスチューリップ。氷漬けで花を保存していたのではなく、
球根を普通にポットに植える
↓
根が張った頃に冷蔵庫で保管する
↓
冷蔵庫から出すと、チューリップは冬でも春と勘違いして育って花を咲かせる
というもの。
この日、美術館の前に訪れた東照宮ぼたん園の冬ボタンも、方法は違うが温度を操作して本来の時期ではない時に開花させるもの。上野公園はそういうのが好きなのか。
昔、アイスチューリップというものを知り、それを昭和記念公園まで見に行った時は、いわゆるチューリップの名所と較べて数が圧倒的に少なくてガッカリしたものだが、今回は予期していないことだったので、噴水の周りに少し咲いているだけでもラッキー感あり。
昭和記念公園の名誉のために書いておくと、あそこの春のチューリップは抜群に素晴らしい。あちこち見に行ったけれど、東京近郊では昭和記念公園と、ひたち海浜公園のチューリップが断トツに他を引き離してのベスト２。
噴水風景と一緒に。もう日が暮れかけていたので花を撮るにはちょっと暗い。
それにしてもどうして黄色ばかりなんだろう？
チューリップだった。
この時期（訪れたのは2月12日）に普通のチューリップは咲かないから、これはアイスチューリップ。氷漬けで花を保存していたのではなく、
球根を普通にポットに植える
↓
根が張った頃に冷蔵庫で保管する
↓
冷蔵庫から出すと、チューリップは冬でも春と勘違いして育って花を咲かせる
というもの。
この日、美術館の前に訪れた東照宮ぼたん園の冬ボタンも、方法は違うが温度を操作して本来の時期ではない時に開花させるもの。上野公園はそういうのが好きなのか。
昔、アイスチューリップというものを知り、それを昭和記念公園まで見に行った時は、いわゆるチューリップの名所と較べて数が圧倒的に少なくてガッカリしたものだが、今回は予期していないことだったので、噴水の周りに少し咲いているだけでもラッキー感あり。
昭和記念公園の名誉のために書いておくと、あそこの春のチューリップは抜群に素晴らしい。あちこち見に行ったけれど、東京近郊では昭和記念公園と、ひたち海浜公園のチューリップが断トツに他を引き離してのベスト２。
噴水風景と一緒に。もう日が暮れかけていたので花を撮るにはちょっと暗い。
それにしてもどうして黄色ばかりなんだろう？
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2020年03月12日
ハマスホイとデンマーク絵画 その５
人物画と風景画の次は室内画。念のために断っておくと、ハマスホイの作品をジャンル別に分けたのは私の頭の整理の都合で展覧会の構成とは異なる。
そのハマスホイは400点ほどの作品を残し、その1/3が室内画といわれる。その比率がどのくらい高いのかは他の画家のデータがないから判断しかねるが、彼の名声を築いたのは間違いなく室内画の作品。
もっともハマスホイに限らず、前回までに紹介したように、当時のデンマークでは室内画が多くを占めていた。その理由は
王侯貴族に替わり裕福な市民が絵画の中心的消費者になる。
↓
彼らが好んだのは宗教や歴史などの高尚なものではなく身近で日常的なテーマ。
↓
とりわけ例のヒュゲと呼ばれる、くつろぎや快適感。
↓
それの表現に適したのが室内画。
ということらしい。何事にも歴史的な理由があるものだ。
しかし1900年頃から、ヒュゲの舞台としての室内ではなく、室内を描くこと自体に意味を見いだす動きが出てくる。それは歴史が次の段階に進んだという理解でいいと思う。そして、その最右翼がハマスホイ。
「寝室」 1896年
寝室なのに、彼の室内画で一番明るくて爽やかな感じなのはご愛敬。部屋には柔らかな光が満ちており印象派的な作風。そして人物が外を眺めていると何となくストーリーを感じるもの。目覚めた後のヒュゲなひとときといったところ。
「室内」 1898年
しかしこちらの人物は、もう鏡と人物とテーブルを結んだ三角形からなる、絵の構図要素でしかないように思える。全体にぼやけた感じだが、テーブルクロスの折り目は意外にくっきり。ここの空間というか空気感を強調したかったのかな。
「画家の妻のいる室内、ストランゲーゼ30番地」 1902年
たまに顔の描かれている作品を見ると、別にもう顔はいらないかなとも思えたり。
ところでこの絵は画面の左右や上の部分がグニャグニャと波打っている。解説によると「キャンバスが過度に引き延ばされた結果により生じた」とのこと。キャンバスに元に戻ろうとする力が働いて、描いた後から歪んだということか。かなり年月が経ってからのことかも知れない。それにしても古今東西キャンバスの貼り方が下手くそで影響が出た絵なんて見たことがない。
自業自得ではあるがハマスホイは草葉の陰で悔やんでいるだろうなあ。 精緻に描いた静謐な絵なのに、妙なトリップ感が出てしまっている。
関係ないけれど、右隅にあるストーブの形が面白い。薪かな石炭かな？
「背を向けた若い女性のいる室内」 1903-04年
ポスターにもなっているこの展覧会のハイライト。壁の明るい色調と人物が大きく描かれているのが他の室内画との違い。それによってハマスホイにしてはノーマルというか安心して眺めていられる感じ。
この画像で陶器の質感も見事に描かれていることが分かると思うが、黒いドレスもそれに劣らずよかった。それは残念ながら画像では伝わらないところ。ただしよく見ると腰のひねり方が少し不自然。ハマスホイにとって人物は構図の要素に過ぎないから、このポーズにする必然性があったのだろうな。
ハマスホイは「北欧のフェルメール」と評されているらしい。「いや、目指していたものがまったく違うやろ」というのが私の考え。しかしこの作品だけは、フェルエールを見ている時と同じような穏やかな気持ちになる。
「ピアノを弾く妻イーダのいる室内」 1910年
続き部屋になっている空間を描きたかった。それだけでは間が持たないから人間も配置してみたというところかな。
上部を見るとわかりやすいが、この絵は右に向かって下に傾いている。波打っているのとは違うけれど、これもキャンバスの貼り方がまずかったせいなのだろうか。それにしてもハマスホイの不器用さが悔やまれる(^^ゞ
ピアノ鍵盤の下に何もないのはピーダ・イルステズの「ピアノに向かう少女」と同じ。やはりこの時代のピアノはそういう構造のようだ。ということは音も少し小さかったのかな。ところで手前のテーブルは脚にローラーがついている。この時代にもうそんなものがあったのかと意外だった。相変わらずどうでもいいところに目がいってしまう。
ハマスホイの室内画が人気を博しているのは、その禁欲的なまでにシンプルな室内空間が好まれているからだろう。いつの頃からか生活感の匂わないインテリアがファッショナブルだとされてきた。たまにネットや雑誌で住宅関連のものを見ると、日本と欧米では部屋を飾るということに大きな違いがあることに驚かされる。日本のインテリアは部屋にものを置かないことを競っているようである。
またデザインのリサーチなどをすると、日本人はシンプルとカワイイの他は、デザインを表現する言葉を知らないのではないかと思うこともある。単に表現力の不足という見方もできるが「シンプルに暮らす」なんてキーワードも多くの人を惹きつけるから、シンプルは日本人にとって至高の価値観である。その割に空気を読んだり忖度したりと面倒な社会である。
ヒュゲな雰囲気の室内から、室内そのものを描くようになっていたデンマーク絵画。さらにハマスホイは家具も取り去って、建築としての室内を描き出す。ここまで来るともうフェチの世界。珍しいタイプ絵としての楽しませてもらったけど、縦横の線しか絵に要素はないから、キャンバスの貼り方失敗による歪みも目立ちまくり(/o＼) 望む！修復作業。
「室内 — 開いた扉、ストランゲーゼ30番地」 1905年
「室内 — 陽光習作、ストランゲーゼ30番地」 1906年
「人物と家具」「人も家具もなし」と続いて最後に「家具はあるが人物はいない」作品。後ろの扉は両開き扉で、その半分だけが開いていることに気がつかないと「ボーッと見てるんじゃねーよ！」とチコちゃんに叱られるよ(^^ゞ
「カード・テーブルと鉢植えのある室内、ブレズゲーゼ25番地」 1910-11年
扉が半分開いていることに気づきにくいのは、隣の部屋の奥行きが感じられず壁のように見えるから。それは隣の部屋に何もないのだから仕方がない。そう考えると「ピアノを弾く妻イーダのいる室内」でピアノや奥さんのイーダが描かれていた理由も分かる。でもこの絵で描きたかったのは隣の部屋の明るさが醸し出す手前の部屋の雰囲気で、そういうのがハマスホイの美意識なんだろうと思う。
ハマスホイは画像で見ても静かな感じが伝わってくる。さらに展覧会というのは静かなものだが、彼の作品の周りはまさに静まりかえった空間になっている。そんな雰囲気に身をおけたのは有意義な体験。１点だけじゃなかなかよさの分からない画家かも知れない。スケーイン派や他の画家の室内画など多彩な内容でいい展覧会だった。
おしまい
そのハマスホイは400点ほどの作品を残し、その1/3が室内画といわれる。その比率がどのくらい高いのかは他の画家のデータがないから判断しかねるが、彼の名声を築いたのは間違いなく室内画の作品。
もっともハマスホイに限らず、前回までに紹介したように、当時のデンマークでは室内画が多くを占めていた。その理由は
王侯貴族に替わり裕福な市民が絵画の中心的消費者になる。
↓
彼らが好んだのは宗教や歴史などの高尚なものではなく身近で日常的なテーマ。
↓
とりわけ例のヒュゲと呼ばれる、くつろぎや快適感。
↓
それの表現に適したのが室内画。
ということらしい。何事にも歴史的な理由があるものだ。
しかし1900年頃から、ヒュゲの舞台としての室内ではなく、室内を描くこと自体に意味を見いだす動きが出てくる。それは歴史が次の段階に進んだという理解でいいと思う。そして、その最右翼がハマスホイ。
「寝室」 1896年
寝室なのに、彼の室内画で一番明るくて爽やかな感じなのはご愛敬。部屋には柔らかな光が満ちており印象派的な作風。そして人物が外を眺めていると何となくストーリーを感じるもの。目覚めた後のヒュゲなひとときといったところ。
「室内」 1898年
しかしこちらの人物は、もう鏡と人物とテーブルを結んだ三角形からなる、絵の構図要素でしかないように思える。全体にぼやけた感じだが、テーブルクロスの折り目は意外にくっきり。ここの空間というか空気感を強調したかったのかな。
「画家の妻のいる室内、ストランゲーゼ30番地」 1902年
たまに顔の描かれている作品を見ると、別にもう顔はいらないかなとも思えたり。
ところでこの絵は画面の左右や上の部分がグニャグニャと波打っている。解説によると「キャンバスが過度に引き延ばされた結果により生じた」とのこと。キャンバスに元に戻ろうとする力が働いて、描いた後から歪んだということか。かなり年月が経ってからのことかも知れない。それにしても古今東西キャンバスの貼り方が下手くそで影響が出た絵なんて見たことがない。
自業自得ではあるがハマスホイは草葉の陰で悔やんでいるだろうなあ。 精緻に描いた静謐な絵なのに、妙なトリップ感が出てしまっている。
関係ないけれど、右隅にあるストーブの形が面白い。薪かな石炭かな？
「背を向けた若い女性のいる室内」 1903-04年
ポスターにもなっているこの展覧会のハイライト。壁の明るい色調と人物が大きく描かれているのが他の室内画との違い。それによってハマスホイにしてはノーマルというか安心して眺めていられる感じ。
この画像で陶器の質感も見事に描かれていることが分かると思うが、黒いドレスもそれに劣らずよかった。それは残念ながら画像では伝わらないところ。ただしよく見ると腰のひねり方が少し不自然。ハマスホイにとって人物は構図の要素に過ぎないから、このポーズにする必然性があったのだろうな。
ハマスホイは「北欧のフェルメール」と評されているらしい。「いや、目指していたものがまったく違うやろ」というのが私の考え。しかしこの作品だけは、フェルエールを見ている時と同じような穏やかな気持ちになる。
「ピアノを弾く妻イーダのいる室内」 1910年
続き部屋になっている空間を描きたかった。それだけでは間が持たないから人間も配置してみたというところかな。
上部を見るとわかりやすいが、この絵は右に向かって下に傾いている。波打っているのとは違うけれど、これもキャンバスの貼り方がまずかったせいなのだろうか。それにしてもハマスホイの不器用さが悔やまれる(^^ゞ
ピアノ鍵盤の下に何もないのはピーダ・イルステズの「ピアノに向かう少女」と同じ。やはりこの時代のピアノはそういう構造のようだ。ということは音も少し小さかったのかな。ところで手前のテーブルは脚にローラーがついている。この時代にもうそんなものがあったのかと意外だった。相変わらずどうでもいいところに目がいってしまう。
ハマスホイの室内画が人気を博しているのは、その禁欲的なまでにシンプルな室内空間が好まれているからだろう。いつの頃からか生活感の匂わないインテリアがファッショナブルだとされてきた。たまにネットや雑誌で住宅関連のものを見ると、日本と欧米では部屋を飾るということに大きな違いがあることに驚かされる。日本のインテリアは部屋にものを置かないことを競っているようである。
またデザインのリサーチなどをすると、日本人はシンプルとカワイイの他は、デザインを表現する言葉を知らないのではないかと思うこともある。単に表現力の不足という見方もできるが「シンプルに暮らす」なんてキーワードも多くの人を惹きつけるから、シンプルは日本人にとって至高の価値観である。その割に空気を読んだり忖度したりと面倒な社会である。
ヒュゲな雰囲気の室内から、室内そのものを描くようになっていたデンマーク絵画。さらにハマスホイは家具も取り去って、建築としての室内を描き出す。ここまで来るともうフェチの世界。珍しいタイプ絵としての楽しませてもらったけど、縦横の線しか絵に要素はないから、キャンバスの貼り方失敗による歪みも目立ちまくり(/o＼) 望む！修復作業。
「室内 — 開いた扉、ストランゲーゼ30番地」 1905年
「室内 — 陽光習作、ストランゲーゼ30番地」 1906年
「人物と家具」「人も家具もなし」と続いて最後に「家具はあるが人物はいない」作品。後ろの扉は両開き扉で、その半分だけが開いていることに気がつかないと「ボーッと見てるんじゃねーよ！」とチコちゃんに叱られるよ(^^ゞ
「カード・テーブルと鉢植えのある室内、ブレズゲーゼ25番地」 1910-11年
扉が半分開いていることに気づきにくいのは、隣の部屋の奥行きが感じられず壁のように見えるから。それは隣の部屋に何もないのだから仕方がない。そう考えると「ピアノを弾く妻イーダのいる室内」でピアノや奥さんのイーダが描かれていた理由も分かる。でもこの絵で描きたかったのは隣の部屋の明るさが醸し出す手前の部屋の雰囲気で、そういうのがハマスホイの美意識なんだろうと思う。
ハマスホイは画像で見ても静かな感じが伝わってくる。さらに展覧会というのは静かなものだが、彼の作品の周りはまさに静まりかえった空間になっている。そんな雰囲気に身をおけたのは有意義な体験。１点だけじゃなかなかよさの分からない画家かも知れない。スケーイン派や他の画家の室内画など多彩な内容でいい展覧会だった。
おしまい
wassho at 09:05｜Permalink│Comments(0)│
2020年03月10日
ハマスホイとデンマーク絵画 その４
さていよいよ第４部の「ヴィルヘルム・ハマスホイ — 首都の静寂の中で」のコーナーへ。第３部にも何点かあった「後ろ姿の女性あるいは少女の絵」で、多少の雰囲気はつかんでいたものの、さらに突き詰めた世界が待っていた。
この展覧会の広告コピーが「静かなる衝撃、再び」「ハマスホイの静謐な世界」である。それでわかるように「静か」というのがハマスホイのキーワード。付け加えるとすれば時間が止まっているようにも感じる。そして展覧会で眺めていると、少し例えが正確じゃないのだが、まるで水墨画を見ているような気分になってくる。
それは絵の構成要素がミニマル（最小限）であること、グレーのモノトーンで描かれていたり、彩色があっても彩度（色の濃さ）が極めて低いなどがもちろん影響している。しかし、それよりも、絵だから具体的に形を描いているのだけれど、伝わってくるのはそれじゃないというような感覚が水墨画と似ている。どうしてそう感じるのかはわからないし、その解明に意味があるとも思わない。でもハマスホイの魅力は、そのミステリアスな情景を楽しむことにあるんじゃないかな。
とりあえず人物画から。
「画家と妻の肖像、パリ」 1892年
これはごく普通の絵。ハマスホイと妻のイーダの新婚旅行先パリでのツーショット。素っ気ない描写でも、ハマスホイにとってはこれで幸せマックスな表現なのかも。この絵だけは展覧会の最初に展示されていた。
「画家の妻、イーダ・ハマスホイ(旧姓イルステズ)」 1894年
もし目を閉じていたら死化粧をしたご遺体と思ったかも。どうしてこの顔色？なのかはハマスホイに尋ねてみないと分からないが、たぶん別に理由はないだろう。タイトルに奥さんの旧姓をわざわざ入れているのは不思議。ちなみに前回で紹介したピーダ・イルステズはイーダのお兄さん。
「三人の若い女性」 1895年
左からピーダ・イルステズの妻（つまりイーダの兄の妻）、ハマスホイの妻イーダ、ハマスホイの妹。というわけで親戚といえば親戚だけれど、血のつながりはまったくない３人。私なら親戚づきあいで、こんな組み合わせになる機会は滅多にないかも。狙ったのかどうかは不明だが、この設定からして興味深い。
そして、まさに「シーン」という文字が浮かんできそうな静寂さ。やや平面的に描かれた３人は目線も合わしていない。このままのポーズでずっと過ごしていそう。それでいて気まずそうな雰囲気はまったくなし。
どうして？とこの絵に引き込まれたら、それはもうハマスホイの術にはまっている(^^ゞ
「イーダ・ハマスホイの肖像」 1907年
また懲りもせずに暗い絵を描いていると思うかも知れない。でもこの絵にはちょっとエピソードがある。
「イーダは前年（1906年）の５月に手術を受けており、およそひと月半の間、
病院のベッドに横になっていた。ハマスホイは目の下に隈ができ、額には血管が
浮き出た妻の容貌をありのままに描いた。病の痕跡を敢えて残すことによって、
画家は生死の境を乗り越えた妻への感謝と愛情を表したかったのかもしれない。」
もっともハマスホイ自身が、こういう制作意図だと言ったんじゃないけど。感謝と愛情の気持ちはあったとしても、それはそれとして、あるがままを淡々と描いたような気もする。もちろんハマスホイ流に。いくら病み上がりだったとしても、こんな顔色はしていない。
年代が前後するが、画学生の頃のハマスホイは課題制作でこんな絵も描いている。人物が光を浴びているハマスホイのレア作品。
「裸婦」 1884年
次は結婚前にイーダが彼の家にやってきて、ハマスホイの母と一緒にいるところ。「三人の若い女性」と同様に両者の視線は合っていないし、それぞれが別のことをしているが「取って付けた感」はなく、こういうシーンならあり得る。別に将来の嫁と姑の争いを暗示しているわけではない(^^ゞ 絵はやたら暗いが、それなりに光は当たっており、つまり普通の絵でハマスホイらしさはまだ表れていない。どうやら彼が個性を発揮するのは1895年あたりからのようだ。
それにしてもイーダの手がやたら大きい。「イーダ・ハマスホイの肖像」を見ても彼女の手はかなりゴツゴツしていたみたいだ。またツマラヌことに目がいってしまった。
「夜の室内、画家の母と妻」 1891年
最後に、ずっと時代が下って1910年頃の作品。これは習作であるが、彼がヌードを描くのは画業初期以来のことらしい。
後ろの二人はなぜか同じポーズ。練習で描くなら違うポーズじゃないと意味ないと思うのだが。注目は手前の女性の顔。正面を向いている！ 塗りつぶされているけれど、久しぶりに顔を描こうと思ったのかな？
「裸婦習作」 1909-10年
続いて風景画を。
「ゲントフテの風景」 1892年
「画家と妻の肖像、パリ」と同じ年に描かれた、同じ程度に素っ気ない風景画。でもハマスホイにしてみれば、これで充分にカラフル？
「農場の家屋、レスネス」 1900年
もうハマスホイが充分にハマスホイしていた頃の風景画。レスネスはデンマークの地名。後で紹介する室内画と違って、屋外描写では強烈に光を感じるのが面白い。まさにドピカーンである。
そして時は止まっているし音も聞こえない。静寂を通り越して無音。どうしてそう感じるのか不思議。描かれているのは割と簡単な情景で、少し油絵を練習したら描けそうなくらい。なのにこの存在感。けっこう圧倒されてしまった作品。
「若いブナの森、フレズレクスヴェアク」 1904年
これだけなら素通りしたと思うが、あれこれハマスホイの作品を見ていると、何かヒントになるものが見つかるのではないかと眺めてしまった。わかったのは自然描写だと特に静寂でもないこと。それとハマスホイでも森を描く時は緑色を使う(^^ゞ
「ロンドン、モンタギュー・ストリート」 1906
しかし街並みを描くと再び静寂が。画面は暗くても、夜明け前や夕方という感じはしなくて心象風景のように思える。それでいてゴーストタウンのようにならないのは街路樹のせいかな。木の描き方は「若いブナの森」と似ている。なぜか画面中央左寄りに青い色が塗られている。
実は「農場の家屋」で無音や時間の停止を感じるのは、明暗のコントラストが強いせいかとも思ったが、この絵でも同じくだから、その仮説は棄却。
ーーー続く
この展覧会の広告コピーが「静かなる衝撃、再び」「ハマスホイの静謐な世界」である。それでわかるように「静か」というのがハマスホイのキーワード。付け加えるとすれば時間が止まっているようにも感じる。そして展覧会で眺めていると、少し例えが正確じゃないのだが、まるで水墨画を見ているような気分になってくる。
それは絵の構成要素がミニマル（最小限）であること、グレーのモノトーンで描かれていたり、彩色があっても彩度（色の濃さ）が極めて低いなどがもちろん影響している。しかし、それよりも、絵だから具体的に形を描いているのだけれど、伝わってくるのはそれじゃないというような感覚が水墨画と似ている。どうしてそう感じるのかはわからないし、その解明に意味があるとも思わない。でもハマスホイの魅力は、そのミステリアスな情景を楽しむことにあるんじゃないかな。
とりあえず人物画から。
「画家と妻の肖像、パリ」 1892年
これはごく普通の絵。ハマスホイと妻のイーダの新婚旅行先パリでのツーショット。素っ気ない描写でも、ハマスホイにとってはこれで幸せマックスな表現なのかも。この絵だけは展覧会の最初に展示されていた。
「画家の妻、イーダ・ハマスホイ(旧姓イルステズ)」 1894年
もし目を閉じていたら死化粧をしたご遺体と思ったかも。どうしてこの顔色？なのかはハマスホイに尋ねてみないと分からないが、たぶん別に理由はないだろう。タイトルに奥さんの旧姓をわざわざ入れているのは不思議。ちなみに前回で紹介したピーダ・イルステズはイーダのお兄さん。
「三人の若い女性」 1895年
左からピーダ・イルステズの妻（つまりイーダの兄の妻）、ハマスホイの妻イーダ、ハマスホイの妹。というわけで親戚といえば親戚だけれど、血のつながりはまったくない３人。私なら親戚づきあいで、こんな組み合わせになる機会は滅多にないかも。狙ったのかどうかは不明だが、この設定からして興味深い。
そして、まさに「シーン」という文字が浮かんできそうな静寂さ。やや平面的に描かれた３人は目線も合わしていない。このままのポーズでずっと過ごしていそう。それでいて気まずそうな雰囲気はまったくなし。
どうして？とこの絵に引き込まれたら、それはもうハマスホイの術にはまっている(^^ゞ
「イーダ・ハマスホイの肖像」 1907年
また懲りもせずに暗い絵を描いていると思うかも知れない。でもこの絵にはちょっとエピソードがある。
「イーダは前年（1906年）の５月に手術を受けており、およそひと月半の間、
病院のベッドに横になっていた。ハマスホイは目の下に隈ができ、額には血管が
浮き出た妻の容貌をありのままに描いた。病の痕跡を敢えて残すことによって、
画家は生死の境を乗り越えた妻への感謝と愛情を表したかったのかもしれない。」
もっともハマスホイ自身が、こういう制作意図だと言ったんじゃないけど。感謝と愛情の気持ちはあったとしても、それはそれとして、あるがままを淡々と描いたような気もする。もちろんハマスホイ流に。いくら病み上がりだったとしても、こんな顔色はしていない。
年代が前後するが、画学生の頃のハマスホイは課題制作でこんな絵も描いている。人物が光を浴びているハマスホイのレア作品。
「裸婦」 1884年
次は結婚前にイーダが彼の家にやってきて、ハマスホイの母と一緒にいるところ。「三人の若い女性」と同様に両者の視線は合っていないし、それぞれが別のことをしているが「取って付けた感」はなく、こういうシーンならあり得る。別に将来の嫁と姑の争いを暗示しているわけではない(^^ゞ 絵はやたら暗いが、それなりに光は当たっており、つまり普通の絵でハマスホイらしさはまだ表れていない。どうやら彼が個性を発揮するのは1895年あたりからのようだ。
それにしてもイーダの手がやたら大きい。「イーダ・ハマスホイの肖像」を見ても彼女の手はかなりゴツゴツしていたみたいだ。またツマラヌことに目がいってしまった。
「夜の室内、画家の母と妻」 1891年
最後に、ずっと時代が下って1910年頃の作品。これは習作であるが、彼がヌードを描くのは画業初期以来のことらしい。
後ろの二人はなぜか同じポーズ。練習で描くなら違うポーズじゃないと意味ないと思うのだが。注目は手前の女性の顔。正面を向いている！ 塗りつぶされているけれど、久しぶりに顔を描こうと思ったのかな？
「裸婦習作」 1909-10年
続いて風景画を。
「ゲントフテの風景」 1892年
「画家と妻の肖像、パリ」と同じ年に描かれた、同じ程度に素っ気ない風景画。でもハマスホイにしてみれば、これで充分にカラフル？
「農場の家屋、レスネス」 1900年
もうハマスホイが充分にハマスホイしていた頃の風景画。レスネスはデンマークの地名。後で紹介する室内画と違って、屋外描写では強烈に光を感じるのが面白い。まさにドピカーンである。
そして時は止まっているし音も聞こえない。静寂を通り越して無音。どうしてそう感じるのか不思議。描かれているのは割と簡単な情景で、少し油絵を練習したら描けそうなくらい。なのにこの存在感。けっこう圧倒されてしまった作品。
「若いブナの森、フレズレクスヴェアク」 1904年
これだけなら素通りしたと思うが、あれこれハマスホイの作品を見ていると、何かヒントになるものが見つかるのではないかと眺めてしまった。わかったのは自然描写だと特に静寂でもないこと。それとハマスホイでも森を描く時は緑色を使う(^^ゞ
「ロンドン、モンタギュー・ストリート」 1906
しかし街並みを描くと再び静寂が。画面は暗くても、夜明け前や夕方という感じはしなくて心象風景のように思える。それでいてゴーストタウンのようにならないのは街路樹のせいかな。木の描き方は「若いブナの森」と似ている。なぜか画面中央左寄りに青い色が塗られている。
実は「農場の家屋」で無音や時間の停止を感じるのは、明暗のコントラストが強いせいかとも思ったが、この絵でも同じくだから、その仮説は棄却。
ーーー続く
wassho at 21:21｜Permalink│Comments(0)│
2020年03月09日
ハマスホイとデンマーク絵画 その３
「こりゃ、ハズレの展覧会に来てしまったか？」と思った第１部の「日常礼賛 ― デンマーク絵画の黄金期」だったが、第２部の「スケーイン派と北欧の光」でテンション回復。そしてこの第３部「19世紀末のデンマーク絵画 ― 国際化と室内画の隆盛」はなかなか面白かった。
とはいっても前半はどこかで見たような作風が並ぶ。
「花咲く桃の木、アルル」 1888年
クレスチャン・モアイェ＝ピーダスン
（一般的にはクリスチャン・ムーリエ＝ペーターセン）
印象派そのものの描き方。モアイェ＝ピーダスンはゴッホと親しく、これはアルルでゴッホとキャンバスを並べて同じ桃の木を描いた作品といわれている。マーケット的には、そのエピソードだけで価格が跳ね上がるね(^^ゞ
参考までにゴッホの「花咲く桃の木、マウフェの思い出に」も紹介しておく。モアイェ＝ピーダスンの絵を見て「どこかで見たような気がすると思ったら、そうかゴッホの〜」とか書けたらカッコよかったんだけれど。
「居間に射す陽光、画家の妻と子」 1888年
ヴィゴ・ピーダスン （一般的にはヴィゴ・ペダーセン）
赤ちゃんが描かれているだけで可愛いとか、母と子の愛情に癒やされたなんてことは思わないし書かない。しかし、この後はだんだんと精気のない作品が続くので、意外とこの作品が印象に残った。作風はルノアールをお手本にしたのかな。
「アンズダケの下拵えをする若い女性」 1892年 ※下拵え＝したごしらえ
ピーダ・イルステズ （英語読みならピーター・イルステッド）
これはまんまフェルメールの追随。ドレスの色は黄色以外にして欲しかったけど。それにしても食材の下準備をしているにしては雰囲気が怖いな。
「春の草花を描く子供たち」 1894年
ヴィゴ・ヨハンスン
ほのぼのとした光景。４人の子供の「描く姿の描きわけ方」が上手いなあと思った。ところでデンマークにはヒュゲ（hygge：一般的にはヒュッゲ）という言葉があって、くつろいだ、心地よい雰囲気という意味。それはデンマーク人が大切にしている文化・価値観だと、あちこちの解説に書いてある。そんなのどこの国でも同じやろーーーと思ってしまうのはヒュゲとは真逆のひねくれた態度かな(^^ゞ
それはともかく、これはヒュゲを表現した絵らしい。展覧会のホームページには「デンマーク文化“ヒュゲ”に触れる」というのがこの展覧会の「見所」と紹介されていたが、そういう作品は数点しかなかったような。もっともヒュゲはフワーッとした概念だから、それを感じる感じないは微妙なところではあるが。
そして次が、この展覧会でのヒュゲ代表作とされる同じくヴィゴ・ヨハンスンが1891年に描いた「きよしこの夜」。ヒュゲ感じる？ 幸せそうなことは充分に伝わってくるけれど。
そのヒュゲから距離を置き始めるのが1900年頃からのデンマーク絵画。大切にしている価値観じゃなかったのかと突っ込みたいところだが、ときどき方向転換したくなるのが芸術家というもの。そしてここからの作品はすべて人物は後ろ姿、また一人だけで描かれている。絵の要素として人物は必要でも、人の気配は最小限に抑えたかったのか。美術的には背景としての室内ではなく、室内の美しさそのものを表現するためにとか解説される。
「遅めの朝食、新聞を読む画家の妻」 1898年
ラウリツ・アナスン・レング （一般的にはローリット・アンデルセン・リング）
まだヒュゲの面影は少し残っているかもしれない。なぜかこの絵を見た時、昭和の団地の光景が脳裏でシンクロした。室内に似ているところは特にないのに、オバチャンの服装の雰囲気だろうか？
ところで画家の名前はLaurits Andersen Ring。このAndersen：アンデルセンをアナスンと読ませるのだから、この展覧会の表記はやはり変わっている。デンマーク語に忠実にというのは理解できなくもないが、ちょっと原理主義的。
「読書する女性のいる室内」 1913年以前
カール・ホルスーウ
だんだんと絵がミニマルになってハマスホイとの近似性を感じる。カール・ホルスーウの作品をネットで調べると、人物はほとんどが後ろ姿あるいは横顔で、わずかにある正面から描かれた絵も下を向いているものばかり。よほど顔を描くのを避けていたみたい。
「ピアノに向かう少女」 1897年
「縫物をする少女」 1898-1902年
ピーダ・イルステズ （英語読みならピーター・イルステッド）
同じような手法でも、幼い子供が描かれていると情感がにじみ出るというか人間味のある絵になる。よく番組制作で「子供と動物にはかなわない」などという。少し意味合いは違うものの、その言葉を思い出しながら眺めていた。
関係ないが、この頃のピアノは鍵盤の下に何もなかったんだ。
「読書する少女のいる室内」 1903年
カール・ホルスーウ
先ほどの絵とは違って調度品が多く描かれている。カール・ホルスーウ作品ではこちらが通常で、あのミニマル感は例外。でもこれは、ちょっと詰め込みすぎな感じもする。少女の後ろのテーブルのザルは必要だった？
ところで「おさげの髪」を前と後ろに分けて垂らしているのは何か意味があるのかな？
「飴色のライティング・ビューロー」 1901年
ギーオウ・エーケン （一般的にはゲオルク・アーヘン）
この絵の前に立つと自分の顔が映り込むかと思うくらい、見事にリアルな質感で描かれている。しかし、あんな高いところに花瓶があったら取り替えるのに不便だと、いつもながら絵の本質とは関係ないところに最初に目がいってしまう。
この絵を見ると、後ろ姿でも人を入れたかった気持ちがわかる。もちろん人がいなければこの構図では描かないにしても、人あっての家具であり部屋であるという気がする。もっともハマスホイは人はおろか家具さえない室内画を描くのだけれど。
ーーー続く
とはいっても前半はどこかで見たような作風が並ぶ。
「花咲く桃の木、アルル」 1888年
クレスチャン・モアイェ＝ピーダスン
（一般的にはクリスチャン・ムーリエ＝ペーターセン）
印象派そのものの描き方。モアイェ＝ピーダスンはゴッホと親しく、これはアルルでゴッホとキャンバスを並べて同じ桃の木を描いた作品といわれている。マーケット的には、そのエピソードだけで価格が跳ね上がるね(^^ゞ
参考までにゴッホの「花咲く桃の木、マウフェの思い出に」も紹介しておく。モアイェ＝ピーダスンの絵を見て「どこかで見たような気がすると思ったら、そうかゴッホの〜」とか書けたらカッコよかったんだけれど。
「居間に射す陽光、画家の妻と子」 1888年
ヴィゴ・ピーダスン （一般的にはヴィゴ・ペダーセン）
赤ちゃんが描かれているだけで可愛いとか、母と子の愛情に癒やされたなんてことは思わないし書かない。しかし、この後はだんだんと精気のない作品が続くので、意外とこの作品が印象に残った。作風はルノアールをお手本にしたのかな。
「アンズダケの下拵えをする若い女性」 1892年 ※下拵え＝したごしらえ
ピーダ・イルステズ （英語読みならピーター・イルステッド）
これはまんまフェルメールの追随。ドレスの色は黄色以外にして欲しかったけど。それにしても食材の下準備をしているにしては雰囲気が怖いな。
「春の草花を描く子供たち」 1894年
ヴィゴ・ヨハンスン
ほのぼのとした光景。４人の子供の「描く姿の描きわけ方」が上手いなあと思った。ところでデンマークにはヒュゲ（hygge：一般的にはヒュッゲ）という言葉があって、くつろいだ、心地よい雰囲気という意味。それはデンマーク人が大切にしている文化・価値観だと、あちこちの解説に書いてある。そんなのどこの国でも同じやろーーーと思ってしまうのはヒュゲとは真逆のひねくれた態度かな(^^ゞ
それはともかく、これはヒュゲを表現した絵らしい。展覧会のホームページには「デンマーク文化“ヒュゲ”に触れる」というのがこの展覧会の「見所」と紹介されていたが、そういう作品は数点しかなかったような。もっともヒュゲはフワーッとした概念だから、それを感じる感じないは微妙なところではあるが。
そして次が、この展覧会でのヒュゲ代表作とされる同じくヴィゴ・ヨハンスンが1891年に描いた「きよしこの夜」。ヒュゲ感じる？ 幸せそうなことは充分に伝わってくるけれど。
そのヒュゲから距離を置き始めるのが1900年頃からのデンマーク絵画。大切にしている価値観じゃなかったのかと突っ込みたいところだが、ときどき方向転換したくなるのが芸術家というもの。そしてここからの作品はすべて人物は後ろ姿、また一人だけで描かれている。絵の要素として人物は必要でも、人の気配は最小限に抑えたかったのか。美術的には背景としての室内ではなく、室内の美しさそのものを表現するためにとか解説される。
「遅めの朝食、新聞を読む画家の妻」 1898年
ラウリツ・アナスン・レング （一般的にはローリット・アンデルセン・リング）
まだヒュゲの面影は少し残っているかもしれない。なぜかこの絵を見た時、昭和の団地の光景が脳裏でシンクロした。室内に似ているところは特にないのに、オバチャンの服装の雰囲気だろうか？
ところで画家の名前はLaurits Andersen Ring。このAndersen：アンデルセンをアナスンと読ませるのだから、この展覧会の表記はやはり変わっている。デンマーク語に忠実にというのは理解できなくもないが、ちょっと原理主義的。
「読書する女性のいる室内」 1913年以前
カール・ホルスーウ
だんだんと絵がミニマルになってハマスホイとの近似性を感じる。カール・ホルスーウの作品をネットで調べると、人物はほとんどが後ろ姿あるいは横顔で、わずかにある正面から描かれた絵も下を向いているものばかり。よほど顔を描くのを避けていたみたい。
「ピアノに向かう少女」 1897年
「縫物をする少女」 1898-1902年
ピーダ・イルステズ （英語読みならピーター・イルステッド）
同じような手法でも、幼い子供が描かれていると情感がにじみ出るというか人間味のある絵になる。よく番組制作で「子供と動物にはかなわない」などという。少し意味合いは違うものの、その言葉を思い出しながら眺めていた。
関係ないが、この頃のピアノは鍵盤の下に何もなかったんだ。
「読書する少女のいる室内」 1903年
カール・ホルスーウ
先ほどの絵とは違って調度品が多く描かれている。カール・ホルスーウ作品ではこちらが通常で、あのミニマル感は例外。でもこれは、ちょっと詰め込みすぎな感じもする。少女の後ろのテーブルのザルは必要だった？
ところで「おさげの髪」を前と後ろに分けて垂らしているのは何か意味があるのかな？
「飴色のライティング・ビューロー」 1901年
ギーオウ・エーケン （一般的にはゲオルク・アーヘン）
この絵の前に立つと自分の顔が映り込むかと思うくらい、見事にリアルな質感で描かれている。しかし、あんな高いところに花瓶があったら取り替えるのに不便だと、いつもながら絵の本質とは関係ないところに最初に目がいってしまう。
この絵を見ると、後ろ姿でも人を入れたかった気持ちがわかる。もちろん人がいなければこの構図では描かないにしても、人あっての家具であり部屋であるという気がする。もっともハマスホイは人はおろか家具さえない室内画を描くのだけれど。
ーーー続く
wassho at 23:23｜Permalink│Comments(0)│
2020年03月07日
ハマスホイとデンマーク絵画 その２
展覧会は次の４部で構成されている。
１：日常礼賛 — デンマーク絵画の黄金期
２：スケーイン派と北欧の光
３：19世紀末のデンマーク絵画 ― 国際化と室内画の隆盛
４：ヴィルヘルム・ハマスホイ ― 首都の静寂の中で
デンマークの絵画では1800年から1864年までを黄金期と呼ぶらしい。童話作家のアンデルセンが1805〜1875年だから、だいたいそれと重なる時期。名前だけは知っているチボリ公園ができたのも1843年。それにしても黄金期が「1864年まで」と、どうしてそんなに細かく刻めるのか。少し調べたけれどわからなかった。
それでその黄金期である展覧会の第１部は、つまらなかったとはいわないが、別にフツーというか、黄金期がこれで大丈夫かという気持ちになったのが正直なところ。それでも印象に残った３つを紹介。
※この展覧会の名前表記は独特なので、一般的なものも併記した
「果物籠を持つ少女」 1827年頃
コンスタンティーン・ハンスン （一般的にはコンスタンティン・ハンセン）
このコーナーでは異彩を放っていた作品。子供を描いたにしては服の色も全体のトーンも地味だし、表情も何となく寂しそうだ。言ってみれば「素」に近いこの「低い温度感」のようなものは、後で紹介するハマスホイに通ずるものがあるのかも知れない。
「外科医クレスチャン・フェンガとその家族」 1829年
マーティーヌス・ラアビュー （一般的にはマーティヌス・ラービュー）
外科医だから、そこそこの上流階級かと思う。オウムも飼っているし。この絵はぎこちなさ満載なところがおもしろい。中央の外科医には「なんでお前だけカメラ目線やねん」と突っ込もう(^^ゞ 向かって右側の妻には「編み物を立ってするか？」、左側の娘には「ポーズがわざとらし過ぎるやろ」と言いたいな。 素人に動きを付けさせるとこうなるというような見本。画家がきちんと演出しなければと思うが。
それはそうとして、こういう当時の風俗がわかる絵は好きである。例えばこの絵からは、この時代からヨーロッパでは犬を室内で飼っていたことが伺えたりする。
「海岸通りと入り江の風景、静かな夏の午後」 1837年
クレステン・クプゲ （一般的にはクリスチャン・ケプケ）
ゆったりとした風景画。高く伸びている木は何だろう。イチョウかな？ まるでお手本のようにサマになっている絵であるが、実は不思議さいっぱいでもある。
まずタイトルを見るまでは湖を描いているのだと思っていた。なぜなら陸地の草が水際まで続いているから。波打ち際まで草に覆われている海岸なんてあるか？
次に空がピンク色である。夕日の情景らしいので、それを画家の感性でピンクに表現したことはよしとしよう。もっとも夕焼けには見えないが、それも目をつむろう。しかし、だったらタイトルに「午後（英題ではafternoon)」はないだろ。 もっとも英語では夕方という言葉や概念がないから、late afternoon か early evening とかになるけど。
そして空がピンクなのは許すとしても、海までがピンクは無理があるなあ。海が夕日に染まるのは太陽から伸びている光の部分だけだし、それも夕日のオレンジ色じゃない。また海面というのは空の色を反射して色がついているのだが、海がピンクになるには空全体が相当にピンクになっている必要がある。
あまり理屈ぽく眺めると絵を楽しめない(^^ゞ
これで黄金期の絵なのかと書いたが、調べてみるとデンマーク近代絵画を切り開いたのはエカスベア（またはエガスベアまたはエッカースベルグ）という画家。美術学校の教授や学長も務め、このコーナーに展示されているのは彼の生徒たちが中心。そのエカスベアの作品をネットで調べると素晴らしいものが多かった。どうしてこの展覧会にエカスベアを１枚も持ってこなかったのか。それがとても残念。
次のコーナーは「スケーイン派と北欧の光」。スケーインは地名だが、これも一般的にはスケーエンの表記が多い。この展覧会はデンマーク語に近い表記にこだわっているけれど、世間と違う言葉を使われると、後で検索する時なんかに不便なので困る。ちなみにデンマーク語は発音が難しいとされる言語で、母音の数が数え方によっては30個近くにもなる（日本語はもちろん５個で英語が15から20個）。それと綴りと発音があまり一致しないらしい。
話はそれるが、電話回線がデジタル化され始めた頃の話。世間では「デジタル」だったが、NTTは英語に忠実な「ディジタル」という表記をかたくなに使用していた。その頃はインターネットが普及し始め、検索というツールも使われ出した頃。そして「デジタル」での検索では自社の「ディジタル」に関する情報にまったくヒットしないことに気づいたNTTは、こっそりと「ディジタルからデジタル」に表記を変更することになった。ちょっと懐かしい、あまり知られていない昔の業界裏話。
スケーインとスケーエンやハマスホイとハンマースホイ、別にどちらでもいいが早く標準を確立して欲しい。ただしゴーギャンはゴーガンじゃなくゴーギャンだ！！
さて、そのスケーインはデンマークの漁師町。当時はド田舎で純朴な村人が住んでいたらしい。そして日当たりのいい場所とのこと。それに憧れてスケーインに集まった画家がスケーイン派。ゴッホのアルル、ゴーギャンのタヒチみたいなものかな。あるいはバルビゾン派のオーシャン版。海好きとしては海景画が多いこともあって、このコーナーは楽しめた。
「ボートを漕ぎ出す漁師たち」 1881年
ミケール・アンガ （一般的にはミカエル・アンカー）
男たちは消防服のようなものを着ているし、海も荒れているから、これは海難救助の出動シーンを描いたもの。緊迫感溢れる作品で見応えがあった。まるで報道写真のようでもある。当時はナショナリズムの高まりもあって、こういう英雄的な題材が好まれたらしい。
「救難信号」 1883年
オスカル・ビュルク （一般的にはオスカル・ビョルク）
先ほどの絵がなければ何を描いているのか理解できなかっただろうし、タイトルを読んで？と思ったはず。もちろんこれは船の救難信号を聞きつけて窓から海を眺めているシーン。
どんな救難信号だったのだろう。救助にいくのがあの程度のボートだから、助けられる船は水平線より手前の目視できる位置にいるのだろう。一般家庭にいて救難信号に気づくということは汽笛かサイレンか。それとも信号弾や発煙筒？ 手巻きのサイレンはもう存在していたと思うが、汽笛には蒸気か電気が必要。信号弾はまだ普及していないはず。
ひょっとしたら船からの救難信号じゃなくて、助けにいくから皆集まれ〜の合図のことかも知れない。それなら灯台や監視所で鐘を打ち鳴らしていることが想像できる。絵を見ると細かいことが気になるのが私の性格。
ところで描かれている人物は母親と息子、そして赤ちゃんの３人。母親と息子からは緊張感がヒシヒシと感じられるのに対して、当然ながら赤ちゃんは無邪気なもの。そのあたりの「緊張と緩和」みたいな描き分けが、あざといというか鼻につくというかーーー。救難信号の謎が解けないので絵に文句を付けてみた(^^ゞ
「スケーインの海に漕ぎ出すボート」 1884年
オスカル・ビュルク （一般的にはオスカル・ビョルク）
ミケール・アンガの「ボートを漕ぎ出す漁師たち」を見ている時、少し離れた場所にあるこの絵も目に入った。160センチ × 約200センチの大きなサイズなので描かれている内容もわかった。それでてっきり同じ画家のバージョン違いのような作品だと思った。そしてこの絵の前に立って、違う画家だと知ってビックリ。
この絵とアンガの絵の、正面を向いている男性ははどう見ても同じ人物に思える。王侯貴族や著名モデルじゃなく、いわばその他大勢の群衆で、同じ人物を違う画家が描いたのを見たのは初めて。小さな漁村だから、彼らを描くうちに自然とダブったのだろう。まあとにかく珍しい経験ができた。なお、もう同じ人物だと確定したので異論を挟まないようにお願いします(^^ゞ
ところでこの絵はボートを海から引き上げているようにしか見えないのだけれど。西洋人と東洋人では「押し方」が違うのか？
「漁網を繕うクリストファ」 1886年
ピーザ・スィヴェリーン・クロイア （一般的にはペーダー・セヴェリン・クロイヤー）
写実的なアンガやビュルクと違って印象派的な作品。そしてやたらダンディで赤いスカーフまで巻いている。これはバーかそんな店の光景だろうと思ったら、まさか漁師が網の修理をしているところとは。左上に書いている文章は、この絵を画家のエルネスト・バイエに贈ったことを示すものらしい。〜〜さん江みたいなものだろうが、こんなに大きく書くか？
以下、印象派的な作品を中心に。スケーイン派の画家たちは印象派のムーブメントをフォローしていたわけじゃなさそうだが、一度あの画風を知ると描かずにはいられなかったのかも知れない。音楽でいうとクラッシックしかなかった世界に、いきなりポップスがあらわれたのが当時の印象派のインパクトかなと思っている。
「台所の片隅、花を生ける画家の妻」 1884年
ヴィゴ・ヨハンスン
「娘の髪を編む母親」 1888年
クリスティアン・クローグ （一般的にはクリスチャン・クローグ）
「朝食 ― 画家とその妻マリーイ、作家のオト・ベンソン」 1893年
ピーザ・スィヴェリーン・クロイア （一般的にはペーダー・セヴェリン・クロイヤー）
「スケーイン南海岸の夏の夕べ、アナ・アンガとマリーイ・クロイア」 1893年
ピーザ・スィヴェリーン・クロイア （一般的にはペーダー・セヴェリン・クロイヤー）
ーーー続く
１：日常礼賛 — デンマーク絵画の黄金期
２：スケーイン派と北欧の光
３：19世紀末のデンマーク絵画 ― 国際化と室内画の隆盛
４：ヴィルヘルム・ハマスホイ ― 首都の静寂の中で
デンマークの絵画では1800年から1864年までを黄金期と呼ぶらしい。童話作家のアンデルセンが1805〜1875年だから、だいたいそれと重なる時期。名前だけは知っているチボリ公園ができたのも1843年。それにしても黄金期が「1864年まで」と、どうしてそんなに細かく刻めるのか。少し調べたけれどわからなかった。
それでその黄金期である展覧会の第１部は、つまらなかったとはいわないが、別にフツーというか、黄金期がこれで大丈夫かという気持ちになったのが正直なところ。それでも印象に残った３つを紹介。
※この展覧会の名前表記は独特なので、一般的なものも併記した
「果物籠を持つ少女」 1827年頃
コンスタンティーン・ハンスン （一般的にはコンスタンティン・ハンセン）
このコーナーでは異彩を放っていた作品。子供を描いたにしては服の色も全体のトーンも地味だし、表情も何となく寂しそうだ。言ってみれば「素」に近いこの「低い温度感」のようなものは、後で紹介するハマスホイに通ずるものがあるのかも知れない。
「外科医クレスチャン・フェンガとその家族」 1829年
マーティーヌス・ラアビュー （一般的にはマーティヌス・ラービュー）
外科医だから、そこそこの上流階級かと思う。オウムも飼っているし。この絵はぎこちなさ満載なところがおもしろい。中央の外科医には「なんでお前だけカメラ目線やねん」と突っ込もう(^^ゞ 向かって右側の妻には「編み物を立ってするか？」、左側の娘には「ポーズがわざとらし過ぎるやろ」と言いたいな。 素人に動きを付けさせるとこうなるというような見本。画家がきちんと演出しなければと思うが。
それはそうとして、こういう当時の風俗がわかる絵は好きである。例えばこの絵からは、この時代からヨーロッパでは犬を室内で飼っていたことが伺えたりする。
「海岸通りと入り江の風景、静かな夏の午後」 1837年
クレステン・クプゲ （一般的にはクリスチャン・ケプケ）
ゆったりとした風景画。高く伸びている木は何だろう。イチョウかな？ まるでお手本のようにサマになっている絵であるが、実は不思議さいっぱいでもある。
まずタイトルを見るまでは湖を描いているのだと思っていた。なぜなら陸地の草が水際まで続いているから。波打ち際まで草に覆われている海岸なんてあるか？
次に空がピンク色である。夕日の情景らしいので、それを画家の感性でピンクに表現したことはよしとしよう。もっとも夕焼けには見えないが、それも目をつむろう。しかし、だったらタイトルに「午後（英題ではafternoon)」はないだろ。 もっとも英語では夕方という言葉や概念がないから、late afternoon か early evening とかになるけど。
そして空がピンクなのは許すとしても、海までがピンクは無理があるなあ。海が夕日に染まるのは太陽から伸びている光の部分だけだし、それも夕日のオレンジ色じゃない。また海面というのは空の色を反射して色がついているのだが、海がピンクになるには空全体が相当にピンクになっている必要がある。
あまり理屈ぽく眺めると絵を楽しめない(^^ゞ
これで黄金期の絵なのかと書いたが、調べてみるとデンマーク近代絵画を切り開いたのはエカスベア（またはエガスベアまたはエッカースベルグ）という画家。美術学校の教授や学長も務め、このコーナーに展示されているのは彼の生徒たちが中心。そのエカスベアの作品をネットで調べると素晴らしいものが多かった。どうしてこの展覧会にエカスベアを１枚も持ってこなかったのか。それがとても残念。
次のコーナーは「スケーイン派と北欧の光」。スケーインは地名だが、これも一般的にはスケーエンの表記が多い。この展覧会はデンマーク語に近い表記にこだわっているけれど、世間と違う言葉を使われると、後で検索する時なんかに不便なので困る。ちなみにデンマーク語は発音が難しいとされる言語で、母音の数が数え方によっては30個近くにもなる（日本語はもちろん５個で英語が15から20個）。それと綴りと発音があまり一致しないらしい。
話はそれるが、電話回線がデジタル化され始めた頃の話。世間では「デジタル」だったが、NTTは英語に忠実な「ディジタル」という表記をかたくなに使用していた。その頃はインターネットが普及し始め、検索というツールも使われ出した頃。そして「デジタル」での検索では自社の「ディジタル」に関する情報にまったくヒットしないことに気づいたNTTは、こっそりと「ディジタルからデジタル」に表記を変更することになった。ちょっと懐かしい、あまり知られていない昔の業界裏話。
スケーインとスケーエンやハマスホイとハンマースホイ、別にどちらでもいいが早く標準を確立して欲しい。ただしゴーギャンはゴーガンじゃなくゴーギャンだ！！
さて、そのスケーインはデンマークの漁師町。当時はド田舎で純朴な村人が住んでいたらしい。そして日当たりのいい場所とのこと。それに憧れてスケーインに集まった画家がスケーイン派。ゴッホのアルル、ゴーギャンのタヒチみたいなものかな。あるいはバルビゾン派のオーシャン版。海好きとしては海景画が多いこともあって、このコーナーは楽しめた。
「ボートを漕ぎ出す漁師たち」 1881年
ミケール・アンガ （一般的にはミカエル・アンカー）
男たちは消防服のようなものを着ているし、海も荒れているから、これは海難救助の出動シーンを描いたもの。緊迫感溢れる作品で見応えがあった。まるで報道写真のようでもある。当時はナショナリズムの高まりもあって、こういう英雄的な題材が好まれたらしい。
「救難信号」 1883年
オスカル・ビュルク （一般的にはオスカル・ビョルク）
先ほどの絵がなければ何を描いているのか理解できなかっただろうし、タイトルを読んで？と思ったはず。もちろんこれは船の救難信号を聞きつけて窓から海を眺めているシーン。
どんな救難信号だったのだろう。救助にいくのがあの程度のボートだから、助けられる船は水平線より手前の目視できる位置にいるのだろう。一般家庭にいて救難信号に気づくということは汽笛かサイレンか。それとも信号弾や発煙筒？ 手巻きのサイレンはもう存在していたと思うが、汽笛には蒸気か電気が必要。信号弾はまだ普及していないはず。
ひょっとしたら船からの救難信号じゃなくて、助けにいくから皆集まれ〜の合図のことかも知れない。それなら灯台や監視所で鐘を打ち鳴らしていることが想像できる。絵を見ると細かいことが気になるのが私の性格。
ところで描かれている人物は母親と息子、そして赤ちゃんの３人。母親と息子からは緊張感がヒシヒシと感じられるのに対して、当然ながら赤ちゃんは無邪気なもの。そのあたりの「緊張と緩和」みたいな描き分けが、あざといというか鼻につくというかーーー。救難信号の謎が解けないので絵に文句を付けてみた(^^ゞ
「スケーインの海に漕ぎ出すボート」 1884年
オスカル・ビュルク （一般的にはオスカル・ビョルク）
ミケール・アンガの「ボートを漕ぎ出す漁師たち」を見ている時、少し離れた場所にあるこの絵も目に入った。160センチ × 約200センチの大きなサイズなので描かれている内容もわかった。それでてっきり同じ画家のバージョン違いのような作品だと思った。そしてこの絵の前に立って、違う画家だと知ってビックリ。
この絵とアンガの絵の、正面を向いている男性ははどう見ても同じ人物に思える。王侯貴族や著名モデルじゃなく、いわばその他大勢の群衆で、同じ人物を違う画家が描いたのを見たのは初めて。小さな漁村だから、彼らを描くうちに自然とダブったのだろう。まあとにかく珍しい経験ができた。なお、もう同じ人物だと確定したので異論を挟まないようにお願いします(^^ゞ
ところでこの絵はボートを海から引き上げているようにしか見えないのだけれど。西洋人と東洋人では「押し方」が違うのか？
「漁網を繕うクリストファ」 1886年
ピーザ・スィヴェリーン・クロイア （一般的にはペーダー・セヴェリン・クロイヤー）
写実的なアンガやビュルクと違って印象派的な作品。そしてやたらダンディで赤いスカーフまで巻いている。これはバーかそんな店の光景だろうと思ったら、まさか漁師が網の修理をしているところとは。左上に書いている文章は、この絵を画家のエルネスト・バイエに贈ったことを示すものらしい。〜〜さん江みたいなものだろうが、こんなに大きく書くか？
以下、印象派的な作品を中心に。スケーイン派の画家たちは印象派のムーブメントをフォローしていたわけじゃなさそうだが、一度あの画風を知ると描かずにはいられなかったのかも知れない。音楽でいうとクラッシックしかなかった世界に、いきなりポップスがあらわれたのが当時の印象派のインパクトかなと思っている。
「台所の片隅、花を生ける画家の妻」 1884年
ヴィゴ・ヨハンスン
「娘の髪を編む母親」 1888年
クリスティアン・クローグ （一般的にはクリスチャン・クローグ）
「朝食 ― 画家とその妻マリーイ、作家のオト・ベンソン」 1893年
ピーザ・スィヴェリーン・クロイア （一般的にはペーダー・セヴェリン・クロイヤー）
「スケーイン南海岸の夏の夕べ、アナ・アンガとマリーイ・クロイア」 1893年
ピーザ・スィヴェリーン・クロイア （一般的にはペーダー・セヴェリン・クロイヤー）
ーーー続く
wassho at 12:04｜Permalink│Comments(0)│
2020年03月06日
ハマスホイとデンマーク絵画
ブログにするのがずいぶんと遅くなってしまったが、
2月12日に上野の東照宮ぼたん苑を見終えて向かったのは、
動物園を横目で眺めて、
毎度おなじみの東京都美術館。
この日は入り口にこんな看板。
係員のオバサンが立っていて、
こんなカードを渡された。
居住地を調べているらしい。
渡されていたのは全員じゃない。そういう場合はランダム性を確保するために何人かおきに声をかけるというルールでやることが多い。あるいは性別や年代別に目標数を決めて声をかける場合も。こういう場で私は「声をかけられにくいタイプ」なんだけど、看板を撮影していたから協力してもらえると思われたのか、あるいは美しい冬ボタンを鑑賞した後なので優しい顔になっていたのか(^^ゞ
アンケートは該当する部分に穴を空けて、このボックスに投入するだけ。
単純に来場者特性を調べていたのか、あるいはコロナウイルス対策の準備として情報収集をしていたのか。居住地しか調べていないから後者ぽいかな。だとしたら、この頃はまだ今ほどヒステリックな状況になっていなかったから、東京都の対応は迅速だったといえる。
さて今回の展覧会は「ハマスホイとデンマーク絵画」。
昨年のロシア展とウィーン展、今年になってからはハンガリー展に続いてデンマークと、西洋美術にとってはマイナーな国の展覧会が開かれていることはうれしい。メインストリームの絵画だって少しかじった程度でエラソーなことをいえる身分ではないけれど、何事も広く浅くが私の信条。
出展されている画家は初めて聞く名前ばかり。実はハマスホイだって最初は画家の名前だと思っていなかった。「レアリスムとデンマーク絵画」のように何かの美術用語かと(^^ゞ
改めて書いておくとヴィルヘルム・ハマスホイ（1864-1916）は、日本でなら明治維新の４年前に生まれたデンマークの画家。苗字のHammershoiはハンマースホイと表記されることも多い。ハマスホイのほうがデンマーク語の発音に近いらしいが、どうもこの展覧会はその方針で画家を名付ける方針のようで、他の画家も従来とは違う日本語表記が多かった。
ハマスホイはデンマークを代表する画家として名声を得たが、死後は急速に忘れられ、20世紀後半に再評価が始まったとのこと。よくあるパターンといえるが、
どうして絵画のような実体のあるものが忘れられるのか？
（音楽ならわかるような気もするが）
再評価待ちの過去の著名画家って、後どれくらいいるのか？
といつもながら疑問というか好奇心がわく。カラヴァッジョなんて教会の壁に描いているのに、350年も忘れられていたなんて信じられない。
さて私はハマスホイの名前すら知らなかったが、展覧会はそこそこの入りで、そして若い女性がとても多かったのが印象的だった。そんなに人気があったのか、ひょっとしてブームなのかーーー何となく世間の事を知らなかったような気分で凹む。
展覧会はハマスホイが生まれる少し前、19世紀初頭からのデンマーク絵画のトレンドを紹介してハマスホイにつなげるという構成。だからデンマーク絵画の歴史を俯瞰するというものじゃない。ハマスホイはかなり独特の画風で、また他の画家もハマスホイに近いものを集めたのかも知れないが、いつもの展覧会とはかなり違ったものが楽しめた。
そういう意味でお勧めの展覧会なのだが、現在は2月29日からコロナウイルス感染防止のために休館中。今のところ休館は3月16日までの措置で会期は3月26日まであるものの、現状では再開の可能性は低いだろう。ハマスホイの前回の展覧会は12年前の2008年で、なかなか見る機会はない画家だから残念なことである。
ーーー続く
2月12日に上野の東照宮ぼたん苑を見終えて向かったのは、
動物園を横目で眺めて、
毎度おなじみの東京都美術館。
この日は入り口にこんな看板。
係員のオバサンが立っていて、
こんなカードを渡された。
居住地を調べているらしい。
渡されていたのは全員じゃない。そういう場合はランダム性を確保するために何人かおきに声をかけるというルールでやることが多い。あるいは性別や年代別に目標数を決めて声をかける場合も。こういう場で私は「声をかけられにくいタイプ」なんだけど、看板を撮影していたから協力してもらえると思われたのか、あるいは美しい冬ボタンを鑑賞した後なので優しい顔になっていたのか(^^ゞ
アンケートは該当する部分に穴を空けて、このボックスに投入するだけ。
単純に来場者特性を調べていたのか、あるいはコロナウイルス対策の準備として情報収集をしていたのか。居住地しか調べていないから後者ぽいかな。だとしたら、この頃はまだ今ほどヒステリックな状況になっていなかったから、東京都の対応は迅速だったといえる。
さて今回の展覧会は「ハマスホイとデンマーク絵画」。
昨年のロシア展とウィーン展、今年になってからはハンガリー展に続いてデンマークと、西洋美術にとってはマイナーな国の展覧会が開かれていることはうれしい。メインストリームの絵画だって少しかじった程度でエラソーなことをいえる身分ではないけれど、何事も広く浅くが私の信条。
出展されている画家は初めて聞く名前ばかり。実はハマスホイだって最初は画家の名前だと思っていなかった。「レアリスムとデンマーク絵画」のように何かの美術用語かと(^^ゞ
改めて書いておくとヴィルヘルム・ハマスホイ（1864-1916）は、日本でなら明治維新の４年前に生まれたデンマークの画家。苗字のHammershoiはハンマースホイと表記されることも多い。ハマスホイのほうがデンマーク語の発音に近いらしいが、どうもこの展覧会はその方針で画家を名付ける方針のようで、他の画家も従来とは違う日本語表記が多かった。
ハマスホイはデンマークを代表する画家として名声を得たが、死後は急速に忘れられ、20世紀後半に再評価が始まったとのこと。よくあるパターンといえるが、
どうして絵画のような実体のあるものが忘れられるのか？
（音楽ならわかるような気もするが）
再評価待ちの過去の著名画家って、後どれくらいいるのか？
といつもながら疑問というか好奇心がわく。カラヴァッジョなんて教会の壁に描いているのに、350年も忘れられていたなんて信じられない。
さて私はハマスホイの名前すら知らなかったが、展覧会はそこそこの入りで、そして若い女性がとても多かったのが印象的だった。そんなに人気があったのか、ひょっとしてブームなのかーーー何となく世間の事を知らなかったような気分で凹む。
展覧会はハマスホイが生まれる少し前、19世紀初頭からのデンマーク絵画のトレンドを紹介してハマスホイにつなげるという構成。だからデンマーク絵画の歴史を俯瞰するというものじゃない。ハマスホイはかなり独特の画風で、また他の画家もハマスホイに近いものを集めたのかも知れないが、いつもの展覧会とはかなり違ったものが楽しめた。
そういう意味でお勧めの展覧会なのだが、現在は2月29日からコロナウイルス感染防止のために休館中。今のところ休館は3月16日までの措置で会期は3月26日まであるものの、現状では再開の可能性は低いだろう。ハマスホイの前回の展覧会は12年前の2008年で、なかなか見る機会はない画家だから残念なことである。
ーーー続く
wassho at 08:58｜Permalink│Comments(0)│
2020年01月22日
ブダペスト―ヨーロッパとハンガリーの美術400年 その６
ヨーゼフ・イスラエルス（オランダ）
「カトウェイクの孤児の少女たち」 1866年
ビハリ・シャーンドル（ハンガリー）
「ポーチにて（ポーチでの針仕事の集い）」 1890年
どちらも針仕事を描いた作品。イスラエルスの作品では孤児たちが黙々と。これで生活資金を得るための作業なのかも知れない。右にいる少女は踏み台に足を乗せているから、まだかなり幼いようだ。
一方でシャーンドル作品では近所の奥さんたちが集まってという雰囲気。どうせ針仕事をするならおしゃべりでもしながらだろうか。真ん中にいる男性のポジションがよくわからないが、女性たちの表情から察するに彼の話はあまり面白くなさそうだ(^^ゞ テーブルのように見えているのは足踏み式のミシンかな。
話はそれるが、日本でポーチといえば「玄関前の屋根のついたスペース」という定義。玄関ポーチと説明付きの単語にもなっている。でもここは家の裏側だろう。何となくキッチンの隣という感じがする。そして家にこんな場所があると何かと楽しそう。
さてこの絵を紹介したのは、針仕事という同じテーマを描いても随分と違う印象になること。当たり前といえば当たり前であるが、２つ続けて見たから何となくその違いが面白かった。
そしてこういう趣味ではなく家事としての針仕事というのは、もう見ることはないだろうなと思ったから。正確にいうなら、昔から他人の針仕事なんて実際に見る機会は滅多にないから、絵や映画やドラマで針仕事シーンが描かれなくなったということであるが。すでにダイヤル式の電話機のかけ方がわからない世代がいる。将来はこういう絵を見て意味不明の生活風俗と考えられるのかもと想像したり。
ここからは「世紀末ー神話、寓話、象徴主義」というコーナーから。
レオ・プッツ（イタリア）
「牧歌」 1890年頃
マネとモネを足してルノワールも少し混ぜたらこうなるかも。
ある意味、お買い得？
リップル＝ローナイ・ヨージェフ（ハンガリー）
「白い水玉のドレスの女性」 1889年
会場を巡っていて、この絵が遠くに見えた時はクリムトの作品も展示されているのかと思った。前回に紹介したムンカーチ・ミハーイの門下生だったらしいが、師匠とはずいぶんと画風が異なる。
ジュール・ジョセフ・ルフェーブル（フランス）
「オンディーヌ」 1881年
ルフェーブルは以前の展覧会で作品を見た時に少し調べたことがある。ほとんど女性像ばかりを描いている画家。そして彼の描くヌードはプロポーション抜群。だから大好き(^^ゞ ボディばかりに目がいくが、よく見るとメッチャ長い髪の毛。
オンディーヌとは水を司る精霊。なぜか魂がない設定で人間の男性と結婚すると魂を得られることになっている。森でこんな精霊に出会ったら魂のゲットに絶対協力するな。しかしオンディーヌには夫が不倫したら夫を殺さなければならないという掟もあるw(ﾟoﾟ)w
アルノルト・ベックリン（スイス）
「村の鍛冶屋を訪れるケンタウロス」 1888年
絵を見て美しいと思ったり、その他いろいろと印象を受けて感情が起伏する。まあそのために足を運ぶのだ。しかし今回、そこそこ長い展覧会歴の中で初めてプッと笑った！
ギリシャ神話に登場するケンタウルスは上半身が人間で下半身が馬という種族。神様ではないのだけれど、それでも天上界にいる存在。どちらかというと勇者あるいは暴れ者のキャラである。それが鍛冶屋にやって来て「ちょっと蹄（ひづめ）の調子が悪いから治してくれないか」と頼んでいるのがこの絵。蹄の保護に被せるのが蹄鉄で、それを作るのが鍛冶屋ね。
真面目に描いたのか、それとも笑いを取りにいったのか？
展覧会はもう少し現代の作品まで続く。しかしあまり印象に残らなかったので割愛。それでもバラエティに富んだ構成で、このブログもずいぶんと長くなった。
ハンガリーの絵画って？というのがこの展覧会に興味を持ったきっかけ。そのハンガリー画家の作品は展覧会後半の「19世紀・20世紀初頭」の区画に多かった。だから割と最近の画家であること、それとハンガリーだってヨーロッパの一部だから、見たこともないような画風の絵が並んでいるわけではもちろんなかった。
それでもかなり長い歴史スパンで、ほとんどが初めて見る画家の作品を眺められたのは楽しかった。レアものを手にする喜びみたいなもの。総合的には最後のケンタウロスに全部持っていかれた感もあるが(^^ゞ、それでもムンカーチ・ミハーイはかなり印象に残っている。
ところでこの展覧会は人気がないのか、ほとんどガラガラだった。訪れたのは1月10日の昼過ぎで平日ではあるが、それにしても国立新美術館で初めて経験する人の少なさ。わかる人にしかわからない表現で恐縮だが、ここはポーラ美術館かと思うくらい。やはり客寄せパンダとなる作品か画家がいない展覧会は厳しいのかな。おかげで何度も各コーナーを回って、じっくり眺められたが。
しかし、こういうタイプの展覧会がこれから開かれなくと寂しいから、たまたまでもこのブログを読んだ人は、どこに住んでいようと必ずこの展覧会に行きましょう！ ちなみに3月16日までやっています。
おしまい
「カトウェイクの孤児の少女たち」 1866年
ビハリ・シャーンドル（ハンガリー）
「ポーチにて（ポーチでの針仕事の集い）」 1890年
どちらも針仕事を描いた作品。イスラエルスの作品では孤児たちが黙々と。これで生活資金を得るための作業なのかも知れない。右にいる少女は踏み台に足を乗せているから、まだかなり幼いようだ。
一方でシャーンドル作品では近所の奥さんたちが集まってという雰囲気。どうせ針仕事をするならおしゃべりでもしながらだろうか。真ん中にいる男性のポジションがよくわからないが、女性たちの表情から察するに彼の話はあまり面白くなさそうだ(^^ゞ テーブルのように見えているのは足踏み式のミシンかな。
話はそれるが、日本でポーチといえば「玄関前の屋根のついたスペース」という定義。玄関ポーチと説明付きの単語にもなっている。でもここは家の裏側だろう。何となくキッチンの隣という感じがする。そして家にこんな場所があると何かと楽しそう。
さてこの絵を紹介したのは、針仕事という同じテーマを描いても随分と違う印象になること。当たり前といえば当たり前であるが、２つ続けて見たから何となくその違いが面白かった。
そしてこういう趣味ではなく家事としての針仕事というのは、もう見ることはないだろうなと思ったから。正確にいうなら、昔から他人の針仕事なんて実際に見る機会は滅多にないから、絵や映画やドラマで針仕事シーンが描かれなくなったということであるが。すでにダイヤル式の電話機のかけ方がわからない世代がいる。将来はこういう絵を見て意味不明の生活風俗と考えられるのかもと想像したり。
ここからは「世紀末ー神話、寓話、象徴主義」というコーナーから。
レオ・プッツ（イタリア）
「牧歌」 1890年頃
マネとモネを足してルノワールも少し混ぜたらこうなるかも。
ある意味、お買い得？
リップル＝ローナイ・ヨージェフ（ハンガリー）
「白い水玉のドレスの女性」 1889年
会場を巡っていて、この絵が遠くに見えた時はクリムトの作品も展示されているのかと思った。前回に紹介したムンカーチ・ミハーイの門下生だったらしいが、師匠とはずいぶんと画風が異なる。
ジュール・ジョセフ・ルフェーブル（フランス）
「オンディーヌ」 1881年
ルフェーブルは以前の展覧会で作品を見た時に少し調べたことがある。ほとんど女性像ばかりを描いている画家。そして彼の描くヌードはプロポーション抜群。だから大好き(^^ゞ ボディばかりに目がいくが、よく見るとメッチャ長い髪の毛。
オンディーヌとは水を司る精霊。なぜか魂がない設定で人間の男性と結婚すると魂を得られることになっている。森でこんな精霊に出会ったら魂のゲットに絶対協力するな。しかしオンディーヌには夫が不倫したら夫を殺さなければならないという掟もあるw(ﾟoﾟ)w
アルノルト・ベックリン（スイス）
「村の鍛冶屋を訪れるケンタウロス」 1888年
絵を見て美しいと思ったり、その他いろいろと印象を受けて感情が起伏する。まあそのために足を運ぶのだ。しかし今回、そこそこ長い展覧会歴の中で初めてプッと笑った！
ギリシャ神話に登場するケンタウルスは上半身が人間で下半身が馬という種族。神様ではないのだけれど、それでも天上界にいる存在。どちらかというと勇者あるいは暴れ者のキャラである。それが鍛冶屋にやって来て「ちょっと蹄（ひづめ）の調子が悪いから治してくれないか」と頼んでいるのがこの絵。蹄の保護に被せるのが蹄鉄で、それを作るのが鍛冶屋ね。
真面目に描いたのか、それとも笑いを取りにいったのか？
展覧会はもう少し現代の作品まで続く。しかしあまり印象に残らなかったので割愛。それでもバラエティに富んだ構成で、このブログもずいぶんと長くなった。
ハンガリーの絵画って？というのがこの展覧会に興味を持ったきっかけ。そのハンガリー画家の作品は展覧会後半の「19世紀・20世紀初頭」の区画に多かった。だから割と最近の画家であること、それとハンガリーだってヨーロッパの一部だから、見たこともないような画風の絵が並んでいるわけではもちろんなかった。
それでもかなり長い歴史スパンで、ほとんどが初めて見る画家の作品を眺められたのは楽しかった。レアものを手にする喜びみたいなもの。総合的には最後のケンタウロスに全部持っていかれた感もあるが(^^ゞ、それでもムンカーチ・ミハーイはかなり印象に残っている。
ところでこの展覧会は人気がないのか、ほとんどガラガラだった。訪れたのは1月10日の昼過ぎで平日ではあるが、それにしても国立新美術館で初めて経験する人の少なさ。わかる人にしかわからない表現で恐縮だが、ここはポーラ美術館かと思うくらい。やはり客寄せパンダとなる作品か画家がいない展覧会は厳しいのかな。おかげで何度も各コーナーを回って、じっくり眺められたが。
しかし、こういうタイプの展覧会がこれから開かれなくと寂しいから、たまたまでもこのブログを読んだ人は、どこに住んでいようと必ずこの展覧会に行きましょう！ ちなみに3月16日までやっています。
おしまい
wassho at 22:55｜Permalink│Comments(0)│
2020年01月21日
ブダペスト―ヨーロッパとハンガリーの美術400年 その５
この展覧会で唯一６点もの作品が展示されていたのはハンガリー人のムンカーチ・ミハーイ。この画家を知ることができたのは大きな収穫。好みかと問われると微妙なところもあるのだけれど、その力量はヒシヒシと感じた。
ムンカーチ・ミハーイは日本に黒船が来航する10年ほど前の1844年生まれ。26歳の頃にドイツで絵を学んでいたが、パリのサロン（コンクール）に出品した作品が金賞となり一躍にして人気画家となる。
翌年の1871年頃にルクセンブルグのド・マルシュ男爵の支援でパリに進出。しかし1872年に男爵が亡くなってしまう。彼は1年間の喪に服した後、1874年に男爵の若き未亡人セシル・パピエと結婚。何ともうらやましい逆玉！ サスペンスドラマなら男爵の死に疑問が投げかけられるところ(^^ゞ
セレブとなったムンカーチはパリの豪邸に居を移し、そこのアトリエで制作したのがサロン画といわれる絵画。この場合のサロンとはコンクールではなくパーティーなどを開く広間のこと。つまりセレブたちが主人公の室内風景画である。
「パリの室内（本を読む女性）」 1877年
「本を読む女性」 1880年代初頭
どちらも本を読む女性がモデルになっているのは、おバカなパーリーピーポーじゃ絵にならないから、知的な雰囲気を演出したかったのかも知れない。印象派の第１回展覧会が1874年なので、ムンカーチもパリでそのトレンドに接していたはず。しかしその影響は見られない。ややラフなタッチではあるが、写実的でクラシック寄りといえる。優雅なテーマで描いているのになぜか力強さが溢れている。
ムンカーチのサロン画は30点ほどが制作され大ヒットとなったようである。ネットで他の作品も確認してみるとどれも似たような作品だった。注文制作だから、こういう絵のニーズが当時のセレブたちにあったということだろう。どれもいい感じだったとはいえ、展覧会で10点展示されたら飽きるかも。
「村の英雄のための習作（テーブルに寄りかかる二人の若者）」 1874年
これはハンガリーの酒場が舞台。若者は農民で何となく厳しい雰囲気が漂う。これから人でも殺しに行くのか(^^ゞ スカートのように見えるのは農作業用のエプロンなのかな。それを酒場でも着ける？どうして汚れの目立つ白？とか思ってしまうが、絵としてはいいアクセントになっている。
「ほこりっぽい道 II」 1874年以降
風俗画とはまったくタッチが異なるムンカーチの風景画。ここまで変わる画家も珍しいのでは。光の捉え方を意識しているのは明白で、その意味では印象派的でもある。しかしどちらかといえばターナー後期の雰囲気に似ている。この路線でももっと描いて欲しかった。
「フランツ・リストの肖像」 1886年
ムンカーチが雰囲気の演出に長けているだけでなく、画家としての力量がトップクラスだったことがわかる肖像画。彼の６作品の中で意外とこれが一番気に入った。
最初のエントリーでハンガリーは国名と首都名くらいしか思い浮かばないと書いたが、リストのことはもちろん知っている。ただ何となくウィーンのイメージでハンガリー人だとは思っていなかった。もっともクラシック音楽好き以外の世間一般では、リストは誰でも知っている作曲家とはいえないかも知れない。
ムンカーチとリストは親交があり、ムンカーチのサロンに彼も出入りしていたようである。この絵が描かれたのはリストの亡くなる数ヶ月前。ちなみに若い頃のリストはイケメン・ピアニストとして絶大な人気を示しており、彼のコンサートでは御婦人方からのオヒネリが絶えなかったそうである。
若い頃のリスト（この展覧会とは無関係な作品）
髪型は生涯変わっていないみたいね
ーーーまだ続く
ムンカーチ・ミハーイは日本に黒船が来航する10年ほど前の1844年生まれ。26歳の頃にドイツで絵を学んでいたが、パリのサロン（コンクール）に出品した作品が金賞となり一躍にして人気画家となる。
翌年の1871年頃にルクセンブルグのド・マルシュ男爵の支援でパリに進出。しかし1872年に男爵が亡くなってしまう。彼は1年間の喪に服した後、1874年に男爵の若き未亡人セシル・パピエと結婚。何ともうらやましい逆玉！ サスペンスドラマなら男爵の死に疑問が投げかけられるところ(^^ゞ
セレブとなったムンカーチはパリの豪邸に居を移し、そこのアトリエで制作したのがサロン画といわれる絵画。この場合のサロンとはコンクールではなくパーティーなどを開く広間のこと。つまりセレブたちが主人公の室内風景画である。
「パリの室内（本を読む女性）」 1877年
「本を読む女性」 1880年代初頭
どちらも本を読む女性がモデルになっているのは、おバカなパーリーピーポーじゃ絵にならないから、知的な雰囲気を演出したかったのかも知れない。印象派の第１回展覧会が1874年なので、ムンカーチもパリでそのトレンドに接していたはず。しかしその影響は見られない。ややラフなタッチではあるが、写実的でクラシック寄りといえる。優雅なテーマで描いているのになぜか力強さが溢れている。
ムンカーチのサロン画は30点ほどが制作され大ヒットとなったようである。ネットで他の作品も確認してみるとどれも似たような作品だった。注文制作だから、こういう絵のニーズが当時のセレブたちにあったということだろう。どれもいい感じだったとはいえ、展覧会で10点展示されたら飽きるかも。
「村の英雄のための習作（テーブルに寄りかかる二人の若者）」 1874年
これはハンガリーの酒場が舞台。若者は農民で何となく厳しい雰囲気が漂う。これから人でも殺しに行くのか(^^ゞ スカートのように見えるのは農作業用のエプロンなのかな。それを酒場でも着ける？どうして汚れの目立つ白？とか思ってしまうが、絵としてはいいアクセントになっている。
「ほこりっぽい道 II」 1874年以降
風俗画とはまったくタッチが異なるムンカーチの風景画。ここまで変わる画家も珍しいのでは。光の捉え方を意識しているのは明白で、その意味では印象派的でもある。しかしどちらかといえばターナー後期の雰囲気に似ている。この路線でももっと描いて欲しかった。
「フランツ・リストの肖像」 1886年
ムンカーチが雰囲気の演出に長けているだけでなく、画家としての力量がトップクラスだったことがわかる肖像画。彼の６作品の中で意外とこれが一番気に入った。
最初のエントリーでハンガリーは国名と首都名くらいしか思い浮かばないと書いたが、リストのことはもちろん知っている。ただ何となくウィーンのイメージでハンガリー人だとは思っていなかった。もっともクラシック音楽好き以外の世間一般では、リストは誰でも知っている作曲家とはいえないかも知れない。
ムンカーチとリストは親交があり、ムンカーチのサロンに彼も出入りしていたようである。この絵が描かれたのはリストの亡くなる数ヶ月前。ちなみに若い頃のリストはイケメン・ピアニストとして絶大な人気を示しており、彼のコンサートでは御婦人方からのオヒネリが絶えなかったそうである。
若い頃のリスト（この展覧会とは無関係な作品）
髪型は生涯変わっていないみたいね
ーーーまだ続く
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2020年01月19日
ブダペスト―ヨーロッパとハンガリーの美術400年 その４
「ビーダーマイヤー」の次は「レアリスムー風俗画と肖像画」というコーナー。その中でとってもとっても気になったのがこれ。
ギュスターヴ・ドレ（フランス）
「白いショールをまとった若い女性」 1870年頃
多少は写真に関心のある人なら誰でも「逆光！」というんじゃないかな。どう見たって女性が影になっている。だったら逆光の状態で写生した？ しかしそれはあり得ない。人間の目は都合よくできていて、カメラなら逆光で暗くなる場合でも、脳内で補正して普通の明るさとして感じるから。日常生活で逆光で人の顔が暗いなんて感じないでしょ。
ではどうしてこんなに「逆光」風に描いたのか。もっともこの当時のカメラはまだフィルムではなくガラス板に感光剤を塗っていた時代。もちろん撮影は専門のカメラマンがベストな条件の下でおこなっていた。だからギュスターヴ・ドレは逆光になった写真を見たことさえなかったはず。つまり逆光なんて発想はなかった。そもそも女性を暗く描きたいなら、こんな屋外のシーンは選ばないだろう。
だから、この絵はとってもナゾ。他にも不思議な点はあって、まず右腕は半袖に手袋なのに、左腕は長袖である。この時代にそんなアバンギャルドな服ってある？ それに画像が小さくてわかりづらいが、左手が逆光のせいでもあるのだが、まるで老婆かミイラのように不気味に描かれている。
あまりに気になるので、とりあえず逆光を補正してあげた(^^ゞ
アルフレッド・ステヴァンス（ベルギー）
「緑の服の婦人（女性とハープ）」 1870年頃
アルフレッド・ステヴァンスはいい感じの女性画をたくさん描いているのに、この展覧会では１点だけで、しかもあまりパッとしない作品だったのが残念。それほど有名じゃないけれど、きちんとプロモーションすれば日本で人気の出る画家だと思っている。
ベンツール・ジュラ（ハンガリー）
「森の中で本を読む女性」 1874年
シニェイ・メルシェ・パール（ハンガリー）
「紫のドレスの婦人」 1874年
チケットやポスターにも使われている展覧会の目玉作品。紫がメインカラーの絵は珍しい。そのドレスが画像では少し重く見えるが、実際はもっと鮮やかな印象がある。草むらの緑や黄色い花が紫を引き立てているし、顔のあたりを雲で白くしたのも上手い。
この絵はハンガリーのモナリザと呼ばれているらしい。しかし
オランダのモナリザ→フェルメール：真珠の耳飾りの少女
ロシアのモナリザ→イワン・クラムスコイ：忘れえぬ女
と較べれば、ちょっとそのタイトルは盛りすぎじゃないかと思う。
ロツ・カーロイ（ハンガリー）
「春ーリッピヒ・イロナの肖像」 1894年
「紫のドレスの婦人」よりこちらのほうが魅力的に思えた。そういう場合、絵としての好みなのか、それとも描かれている女性が好みなのか自分自身でも判断の難しいところ(^^ゞ
ーーー続く
ギュスターヴ・ドレ（フランス）
「白いショールをまとった若い女性」 1870年頃
多少は写真に関心のある人なら誰でも「逆光！」というんじゃないかな。どう見たって女性が影になっている。だったら逆光の状態で写生した？ しかしそれはあり得ない。人間の目は都合よくできていて、カメラなら逆光で暗くなる場合でも、脳内で補正して普通の明るさとして感じるから。日常生活で逆光で人の顔が暗いなんて感じないでしょ。
ではどうしてこんなに「逆光」風に描いたのか。もっともこの当時のカメラはまだフィルムではなくガラス板に感光剤を塗っていた時代。もちろん撮影は専門のカメラマンがベストな条件の下でおこなっていた。だからギュスターヴ・ドレは逆光になった写真を見たことさえなかったはず。つまり逆光なんて発想はなかった。そもそも女性を暗く描きたいなら、こんな屋外のシーンは選ばないだろう。
だから、この絵はとってもナゾ。他にも不思議な点はあって、まず右腕は半袖に手袋なのに、左腕は長袖である。この時代にそんなアバンギャルドな服ってある？ それに画像が小さくてわかりづらいが、左手が逆光のせいでもあるのだが、まるで老婆かミイラのように不気味に描かれている。
あまりに気になるので、とりあえず逆光を補正してあげた(^^ゞ
アルフレッド・ステヴァンス（ベルギー）
「緑の服の婦人（女性とハープ）」 1870年頃
アルフレッド・ステヴァンスはいい感じの女性画をたくさん描いているのに、この展覧会では１点だけで、しかもあまりパッとしない作品だったのが残念。それほど有名じゃないけれど、きちんとプロモーションすれば日本で人気の出る画家だと思っている。
ベンツール・ジュラ（ハンガリー）
「森の中で本を読む女性」 1874年
シニェイ・メルシェ・パール（ハンガリー）
「紫のドレスの婦人」 1874年
チケットやポスターにも使われている展覧会の目玉作品。紫がメインカラーの絵は珍しい。そのドレスが画像では少し重く見えるが、実際はもっと鮮やかな印象がある。草むらの緑や黄色い花が紫を引き立てているし、顔のあたりを雲で白くしたのも上手い。
この絵はハンガリーのモナリザと呼ばれているらしい。しかし
オランダのモナリザ→フェルメール：真珠の耳飾りの少女
ロシアのモナリザ→イワン・クラムスコイ：忘れえぬ女
と較べれば、ちょっとそのタイトルは盛りすぎじゃないかと思う。
ロツ・カーロイ（ハンガリー）
「春ーリッピヒ・イロナの肖像」 1894年
「紫のドレスの婦人」よりこちらのほうが魅力的に思えた。そういう場合、絵としての好みなのか、それとも描かれている女性が好みなのか自分自身でも判断の難しいところ(^^ゞ
ーーー続く
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2020年01月18日
ブダペスト―ヨーロッパとハンガリーの美術400年 その３
ここからは展覧会構成の後半である「19世紀・20世紀初頭」で掲示されていた作品。
その最初のコーナーは「ビーダーマイヤー」。ビーダーマイヤーはゴシックやアール・ヌーボーと同じように、その時代に起こった絵画に限らず幅広い分野でのムーブメントや様式を示す言葉。しかしビーダーマイヤーの場合は特徴を捉えにくい。
その理由は様々あるのだが、それほど詳しくもないので説明は省略。西洋美術を理解するのにぜひ知っておかなければならないというほど重要なスタイルでもない（と思っている）。
フェリーチェ・スキアヴォーニ（イタリア）
「お茶を入れる召使い」 19世紀中頃
描かれている女性の可愛らしさに足が止まった(^^ゞ 日本人的にはタイトルを読まないと、彼女が召し使いだとはすぐにはわからなかったが。部屋の雰囲気から、そんなに富豪の家でもなさそうだ。それでも召使いがこんな優雅な服を着ているエレガントな時代。
次にエプロンの裾を鍋つかみ代わりにしているポーズに目がいく。エプロンにそういう使い方もあるのかと思っているうちに、彼女の服に興味がわいてきた。ウエストがすごく絞られているのは、まだそういう時代なのだろうとして、胸までを覆っている白い部分に肩紐がない。エプロンの下にはスカートをはいているのが見える。ということはピンクの肩や腕の部分と白いエプロンが一体化したエプロンスーツのような服なんだろうか？
彼女の後ろにあるのは黒板なのか、あるいはイーゼルに立てかけられているから下地を黒く塗ったキャンパスだろうか。何となく部屋が書斎ぽいから黒板かな。召使いを際立たせるテクニックとして無地の背景が欲しかったのだろう。しかしスキアヴォーニには想像もできないはずだが、現代の感覚ではスクリーンから召使いが抜け出してきたようにも見えて面白い。
バラバーシュ・ミクローシュ（ハンガリー）
「伝書鳩」 1843年
ようやくハンガリー人の画家登場。もっとも彼以前にハンガリー画家の作品は展示されていたから、正確にいうなら私の気を引いた１人目のハンガリー画家。なおハンガリー人の名前表記は苗字・名前の順番になる。
鳩が不自然に片方の翼だけを広げてて、なぜか女性はカタチチ見えそう。こういう場合はそれぞれが暗示しているメッセージがある。日本人なら鶴や亀が描かれていたらメデタイと感じるようなもの。つまり、いくら眺めてもその約束事を知らないと絵は読み解けない。
というわけで画家のメッセージは不明なものの、それを抜きにしても、良く描き込まれた美しい絵だったのでブログに載せてみた。
ボルショシュ・ヨージェフ（ハンガリー）
「レバノンの太守（ジチ・エドムント伯爵の肖像）」 1843年
カルロス・ゴーンで話題のレバノンがテーマの作品登場！
この絵はターバンや上着の布の描写が超絶技巧で見事だった。多分光沢のある素材のほうがリアルに描きやすいのだと思うが、それにしてもどうやって描いた、どれだけ時間がかかったのかと思う仕上がり。
ところで太守というのはイスラム圏での君主・スルタンを示す言葉。それでこれはジチ・エドムント伯爵（ハンガリー人？）という人物が、レバノンの王様コスプレをしている肖像画なのであるが、身につけているのはトルコの衣装である。
もっともオスマン帝国は最盛期に東ヨーロッパから現在のアラブ諸国までを統治していたし、当時のレバノンはまだその支配下にあった。だからレバノン太守がトルコ衣装であってもおかしくないのかも。何となくアラビアンナイト風でもあるが、その物語の舞台であるペルシャはオスマン帝国の隣だし、占領されていた時代もあるから両者は似通っているのだろう。
マルコー・カーロイ（父） （ハンガリー）
「漁師たち」 1851年
マルコー・カーロイはハンガリーで最初の風景画家らしい。夕日の描き方が美しく、上手さでは文句のつけるところはない風景だが、どうも「漁師」という感じがしない。あっ、ハンガリーに海はないのか！
このコーナーに展示されていたのは７点。１つを除いて細密に描き込まれていた。しかしそれ以外に共通点はない。それにビーダーマイヤー様式のインテリアや食器はシンプルで装飾性も控えめなのが特徴。どちらかというと濃いめ画風の、これらの作品ともマッチしない。ビーダーマイヤー期の絵画というのは、その時期に描かれたというだけで、ビーダーマイヤーの中身とはあまり関係ないのではというのが今のところの感想。７点見ただけでわかった気になってもいけないが。
ーーー続く
その最初のコーナーは「ビーダーマイヤー」。ビーダーマイヤーはゴシックやアール・ヌーボーと同じように、その時代に起こった絵画に限らず幅広い分野でのムーブメントや様式を示す言葉。しかしビーダーマイヤーの場合は特徴を捉えにくい。
その理由は様々あるのだが、それほど詳しくもないので説明は省略。西洋美術を理解するのにぜひ知っておかなければならないというほど重要なスタイルでもない（と思っている）。
フェリーチェ・スキアヴォーニ（イタリア）
「お茶を入れる召使い」 19世紀中頃
描かれている女性の可愛らしさに足が止まった(^^ゞ 日本人的にはタイトルを読まないと、彼女が召し使いだとはすぐにはわからなかったが。部屋の雰囲気から、そんなに富豪の家でもなさそうだ。それでも召使いがこんな優雅な服を着ているエレガントな時代。
次にエプロンの裾を鍋つかみ代わりにしているポーズに目がいく。エプロンにそういう使い方もあるのかと思っているうちに、彼女の服に興味がわいてきた。ウエストがすごく絞られているのは、まだそういう時代なのだろうとして、胸までを覆っている白い部分に肩紐がない。エプロンの下にはスカートをはいているのが見える。ということはピンクの肩や腕の部分と白いエプロンが一体化したエプロンスーツのような服なんだろうか？
彼女の後ろにあるのは黒板なのか、あるいはイーゼルに立てかけられているから下地を黒く塗ったキャンパスだろうか。何となく部屋が書斎ぽいから黒板かな。召使いを際立たせるテクニックとして無地の背景が欲しかったのだろう。しかしスキアヴォーニには想像もできないはずだが、現代の感覚ではスクリーンから召使いが抜け出してきたようにも見えて面白い。
バラバーシュ・ミクローシュ（ハンガリー）
「伝書鳩」 1843年
ようやくハンガリー人の画家登場。もっとも彼以前にハンガリー画家の作品は展示されていたから、正確にいうなら私の気を引いた１人目のハンガリー画家。なおハンガリー人の名前表記は苗字・名前の順番になる。
鳩が不自然に片方の翼だけを広げてて、なぜか女性はカタチチ見えそう。こういう場合はそれぞれが暗示しているメッセージがある。日本人なら鶴や亀が描かれていたらメデタイと感じるようなもの。つまり、いくら眺めてもその約束事を知らないと絵は読み解けない。
というわけで画家のメッセージは不明なものの、それを抜きにしても、良く描き込まれた美しい絵だったのでブログに載せてみた。
ボルショシュ・ヨージェフ（ハンガリー）
「レバノンの太守（ジチ・エドムント伯爵の肖像）」 1843年
カルロス・ゴーンで話題のレバノンがテーマの作品登場！
この絵はターバンや上着の布の描写が超絶技巧で見事だった。多分光沢のある素材のほうがリアルに描きやすいのだと思うが、それにしてもどうやって描いた、どれだけ時間がかかったのかと思う仕上がり。
ところで太守というのはイスラム圏での君主・スルタンを示す言葉。それでこれはジチ・エドムント伯爵（ハンガリー人？）という人物が、レバノンの王様コスプレをしている肖像画なのであるが、身につけているのはトルコの衣装である。
もっともオスマン帝国は最盛期に東ヨーロッパから現在のアラブ諸国までを統治していたし、当時のレバノンはまだその支配下にあった。だからレバノン太守がトルコ衣装であってもおかしくないのかも。何となくアラビアンナイト風でもあるが、その物語の舞台であるペルシャはオスマン帝国の隣だし、占領されていた時代もあるから両者は似通っているのだろう。
マルコー・カーロイ（父） （ハンガリー）
「漁師たち」 1851年
マルコー・カーロイはハンガリーで最初の風景画家らしい。夕日の描き方が美しく、上手さでは文句のつけるところはない風景だが、どうも「漁師」という感じがしない。あっ、ハンガリーに海はないのか！
このコーナーに展示されていたのは７点。１つを除いて細密に描き込まれていた。しかしそれ以外に共通点はない。それにビーダーマイヤー様式のインテリアや食器はシンプルで装飾性も控えめなのが特徴。どちらかというと濃いめ画風の、これらの作品ともマッチしない。ビーダーマイヤー期の絵画というのは、その時期に描かれたというだけで、ビーダーマイヤーの中身とはあまり関係ないのではというのが今のところの感想。７点見ただけでわかった気になってもいけないが。
ーーー続く
wassho at 18:42｜Permalink│Comments(0)│
2020年01月16日
ブダペスト―ヨーロッパとハンガリーの美術400年 その２
目についた作品をピックアップ。いつもと違って画家の後ろに国名を入れたのはハンガリーの画家はどんな作風かをわかりやすくするために。
最初はキリスト教をテーマにした絵が続く。
ベルナルディーノ・ルイーニ（イタリア）
「聖母子と聖エリサベト、洗礼者ヨハネ」 1520-1525年頃
ベルナルディーノ・ルイーニはダ・ヴィンチと仕事をし、またラファエロとも何らかの関わりがあったらしい。なんてうらやましい画家ライフなんざましょ。そういえばこの絵のマリアはダ・ヴィンチの描く女性像に似ている。
ティツィアーノ・ヴェチェッリオ（イタリア）
「聖母子と聖パウロ」 1540年頃
ティツィアーノはルネサンスの巨匠の１人と数えられ、ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ、ラファエロの３大巨匠よりレベルが高いと評価する向きもある。しかしその割には人気が今ひとつのようにも思う。腕は確かでもオリジナリティに欠けるからかな。それと苗字ではなく名前で呼ばれるのはどうして？
ジローラモ・シチョランテ・ダ・セルモネータに帰属（イタリア）
「聖家族」 1544年頃
この画家は日本のウキペディアにはページがなく英語版でもわずかな情報しか載っていなかった。それはそうと赤ちゃんイエスがじっとマリアの目を見つめているのに、マリアは視線が定まっていないというか、うつろな目つきに描かれているのが妙に気になった(画像をクリックして拡大するとよくわかる）。まあこの母子なら幼児虐待の心配はないが。
イェルク・ブロイ（父） （ドイツ）
十字架昇架 1524年
ジョルジョ・ヴァザーリ（イタリア）
「カナの婚礼」 1566年
十字架昇架は見ての通りキリストが処刑される場面。カナの婚礼（婚宴ということも多い）はキリストが水をワインにするという奇跡を描いたもの。聖書にはいろいろなエピソードが紹介されている。キリスト教徒じゃなくても絵を趣味にするうちにそこそこ詳しくなった。いっぽうで仏教の場合、仏典は「教え」中心なので絵にはなりにくい。だから仏教美術というと仏像仏画がほとんどでツマラナイのは残念なところ。別に仏教徒でもないけど。
ここまでは1550年前後の作品。日本でいうなら戦国時代の後半。その次はそれから約100年後の1650年前後の作品。だいたい徳川家光あたりの江戸時代初期。その頃はレンブラントやフェルメールがいたオランダ絵画の黄金期。
当然その頃の展覧会は多いので自然と当時のオランダ絵画に慣れ親しんで、パッと見て「これはあの頃のオランダの」とわかるようになった。身体で覚えた感覚なので具体的にどんな特徴があるのかうまく説明できないが。もっとも「りんごがこぼれた籠」も、まさにオランダ！と思ったらスペインの画家だったので自信喪失(^^ゞ
ヤン・ミーンス・モレナール（オランダ）
「聖ペテロの否認」 1633年
ヤン・ステーン（オランダ）
「田舎の結婚式」 1656-1660年頃
アブラハム・ファン・ベイエレン（オランダ）
「果物、魚介、高価な食器のある静物」 1654年
ペドロ・ヌニェス・ヴィラヴィセンシオ（スペイン）
「りんごがこぼれた籠」 17世紀後半
この頃の風景画で特に関心を持ったものはなかったが１点だけ紹介しておく。
フィリップ・ペーター・ロース（通称ローザ・ダ・ティヴォリ）＆
アレッサンドロ・マニャスコの共作 (イタリア)
「羊飼いと漁師のいる岩窟」 1704-1705年
最初はなかなかダイナミックでコントラストの効いた風景が気に入って眺めていたが、ふと羊飼いがこんな所に羊を連れてくるか？とツッコミを誘われた作品。
なかなかハンガリーの画家が登場しない。
ーーー続く。
最初はキリスト教をテーマにした絵が続く。
ベルナルディーノ・ルイーニ（イタリア）
「聖母子と聖エリサベト、洗礼者ヨハネ」 1520-1525年頃
ベルナルディーノ・ルイーニはダ・ヴィンチと仕事をし、またラファエロとも何らかの関わりがあったらしい。なんてうらやましい画家ライフなんざましょ。そういえばこの絵のマリアはダ・ヴィンチの描く女性像に似ている。
ティツィアーノ・ヴェチェッリオ（イタリア）
「聖母子と聖パウロ」 1540年頃
ティツィアーノはルネサンスの巨匠の１人と数えられ、ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ、ラファエロの３大巨匠よりレベルが高いと評価する向きもある。しかしその割には人気が今ひとつのようにも思う。腕は確かでもオリジナリティに欠けるからかな。それと苗字ではなく名前で呼ばれるのはどうして？
ジローラモ・シチョランテ・ダ・セルモネータに帰属（イタリア）
「聖家族」 1544年頃
この画家は日本のウキペディアにはページがなく英語版でもわずかな情報しか載っていなかった。それはそうと赤ちゃんイエスがじっとマリアの目を見つめているのに、マリアは視線が定まっていないというか、うつろな目つきに描かれているのが妙に気になった(画像をクリックして拡大するとよくわかる）。まあこの母子なら幼児虐待の心配はないが。
イェルク・ブロイ（父） （ドイツ）
十字架昇架 1524年
ジョルジョ・ヴァザーリ（イタリア）
「カナの婚礼」 1566年
十字架昇架は見ての通りキリストが処刑される場面。カナの婚礼（婚宴ということも多い）はキリストが水をワインにするという奇跡を描いたもの。聖書にはいろいろなエピソードが紹介されている。キリスト教徒じゃなくても絵を趣味にするうちにそこそこ詳しくなった。いっぽうで仏教の場合、仏典は「教え」中心なので絵にはなりにくい。だから仏教美術というと仏像仏画がほとんどでツマラナイのは残念なところ。別に仏教徒でもないけど。
ここまでは1550年前後の作品。日本でいうなら戦国時代の後半。その次はそれから約100年後の1650年前後の作品。だいたい徳川家光あたりの江戸時代初期。その頃はレンブラントやフェルメールがいたオランダ絵画の黄金期。
当然その頃の展覧会は多いので自然と当時のオランダ絵画に慣れ親しんで、パッと見て「これはあの頃のオランダの」とわかるようになった。身体で覚えた感覚なので具体的にどんな特徴があるのかうまく説明できないが。もっとも「りんごがこぼれた籠」も、まさにオランダ！と思ったらスペインの画家だったので自信喪失(^^ゞ
ヤン・ミーンス・モレナール（オランダ）
「聖ペテロの否認」 1633年
ヤン・ステーン（オランダ）
「田舎の結婚式」 1656-1660年頃
アブラハム・ファン・ベイエレン（オランダ）
「果物、魚介、高価な食器のある静物」 1654年
ペドロ・ヌニェス・ヴィラヴィセンシオ（スペイン）
「りんごがこぼれた籠」 17世紀後半
この頃の風景画で特に関心を持ったものはなかったが１点だけ紹介しておく。
フィリップ・ペーター・ロース（通称ローザ・ダ・ティヴォリ）＆
アレッサンドロ・マニャスコの共作 (イタリア)
「羊飼いと漁師のいる岩窟」 1704-1705年
最初はなかなかダイナミックでコントラストの効いた風景が気に入って眺めていたが、ふと羊飼いがこんな所に羊を連れてくるか？とツッコミを誘われた作品。
なかなかハンガリーの画家が登場しない。
ーーー続く。
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2020年01月15日
ブダペスト―ヨーロッパとハンガリーの美術400年
本当は昨年の年末に行こうと思っていたこの展覧会。しかし国立新美術館は12月24日から1月7日まで15日間も年末年始休館があったので訪れたのは先週になった。それにしても、さすがに官営企業の働き方改革は充実している。
毎度おなじみのガラスの建物。
iPhoneしか持っていなかったが、天気がよかったので下からあおってみる。
建物内部からはこんな感じね。
さて展覧会の名称は
日本・ハンガリー外交関係開設150周年記念
ブダペスト国立西洋美術館 & ハンガリー・ナショナル・ギャラリー所蔵
ブダペスト―ヨーロッパとハンガリーの美術400年
メインタイトルも長いが、サブタイトルもそれに負けずに長い(^^ゞ
この展覧会に興味を持ったのはハンガリーがテーマだから。東ヨーロッパの国で、その首都がブダペストだとは子供の頃から覚えているが、ではどんな国と訪ねられたらほとんど何も答えられない。どんなものを作っているのか、どんな料理があるのか、観光名所は、ハンガリー出身の有名人は等々ーーー結局、知っているのは国名と首都名だと改めて気づく。
というわけでハンガリーの画家なんて知っているはずもなく。しかし昨年のロシア展では初めて知る画家の作品を見られて楽しかったし、ウィーン展ではハンス・マカルトという私のツボにはまる画家を発見できた。そんな出会いがハンガリー美術にあるかなと期待して。
もっともタイトルに「ヨーロッパとハンガリーの美術400年」とあるようにハンガリーの作品だけを集めた展覧会じゃない。ハプスブルク家時代に手広くコレクションしたものを持ってきたのかな。企画構成はかなり細分化されてて、大きくは「ルネサンスから18世紀まで」「19世紀・20世紀初頭」という２つの時代区分。それぞれに個別のテーマが設けられている。とはいっても、これでヨーロッパ美術を俯瞰できるわけでもない。紹介される機会が少ないのだから、もっとディープにハンガリーを掘り下げる企画にして欲しかった気もする。
�機Д襯優汽鵐垢�ら18世紀まで
1. ドイツとネーデルランドの絵画
2. イタリア絵画
聖母子
聖書の主題
ヴェネツィア共和国の絵画
3. 黄金時代のオランダ絵画
4. スペイン絵画ー黄金時代からゴヤまで
5. ネーデルラントとイタリアの静物画
6. 17-18世紀のヨーロッパの都市と風景
7. 17-18世紀のハンガリー王国の絵画芸術
8. 彫刻
�供�19世紀・20世紀初頭
1. ビーダーマイヤー
2. レアリスム―風俗画と肖像画
3. 戸外制作の絵画
4. 自然主義
5. 世紀末―神話、寓意、象徴主義
6. ポスト印象派
7. 20世紀初頭の美術―表現主義、構成主義、アール・デコ
まだ作品を１枚も紹介していないので、ハンガリーの位置確認でも。
ーーー続く
wassho at 22:40｜Permalink│Comments(0)│
2019年11月12日
バスキア展 メイド・イン・ジャパン 番外編
「Pork」 1981年
木製の扉にまさに落書きした作品。Porkという文字はあるが、例によってなぜこれが豚肉なのかはわからない。
実はこれ、あのジョニー・デップが2016年にオークションで売却したもの。離婚費用を捻出するためとか噂された。ニュースを遡ると当初は９作品が売却されるようだったが、売却されたと報道されたのは２点。その落札金額は日本円で約4億8900万円と約7億円とされる。Porkはおそらく7億円のほうだと思う。
「ジョニー・デップ、約12億円の利益！」とタイトルをつけているニュースが多かったけれど（最初に配信された記事のコピペだろうが）、ただで手に入れたのじゃないはずだから利益という表現はおかしいな。でも彼は25年かけてコレクションしていたらしいし、バスキアの価格が跳ね上がったのは最近だからそれなりに儲かったはず。作品を手放したかったどうかは別として。
バスキアの最高金額は、最初の投稿でも紹介したZOZO前社長の前澤友作が落札した123億円のこの作品。この展覧会では気に入ったものの１つ。でも私なら資産が１兆円あったとしても、これに123億円を払うことはないかな。そのへんは好みと価値観の違いとしかいいようがない。
ところでダ・ビンチの作品が500億円、ゴッホが150億円と聞いて「そんなものなのかな〜」と考えたとしても、バスキアの123億円もそうだが、現代アートの特に抽象画の価格には「ナンデ？コンナモノニ？」と感じるかもしれない。
ウィレム・デ・クーニング 「インターチェンジ」 330億円
ジャクソン・ポロック 「ナンバー17A」 220億円
マーク・ロスコ 「ナンバー6（すみれ、緑、赤）」 190億円
ビックリするような価格が並ぶが、美術品の価格というのは作品の絶対的な価値（誰が決める？というのはおいといて）ではなく、人気に対する需要と供給で決まるもの。基本的に１点ものだから、人気が出れば価格が跳ね上がる。このクラスを購入するのはもちろん超富裕層だけれど、美術愛好家だけじゃなくて、成功の証として高価な作品を買いたいというのがモチベーションの場合も多い。もちろん投資目的での購入もある。美術館だって、その作品を購入すればどれくらいの来場者が見込めるかを考えてオークションに参加する。
逆に人気がなければ悲惨である。ゴッホは2000点以上の作品を制作したが、生前に売れた絵は１枚だけ。それも現在の価格で10万円ほど。わかりやすいのはバブルの頃に300万円ほどしたラッセンやヒロ・ヤマガタ。とっくに人気もなくなったしシルクスクリーンという大量生産のポスターだから、今では数万円でも売れない(/o＼)
何を言いたかったというと、例えばバスキアの絵に123億円の価値があると思えなくても、コンプレックスを持つことはない。それは絵を見る目の問題じゃなくて、美術マーケットの仕組みを知らないだけだということ。自分の感性を信じましょう。
しかし価格のメカニズムがわかっていても、やはり理解しがたいものは存在する。
黒板にグルグルするように描いたら70億円！
サイ・トゥオンブリ Untitled (1970)
色を塗って線を引いたら44億円！
バーネット・ニューマン Onement Vi
このゲルハルト・リヒターのアプストラクテス・ビルト（809-4）が27億円なのは、そういうことがあるかもと納得しても、
彼がキャンバスを１色に塗り込めただけで１億円！ Blood Red Mirroという作品。
青い文字でFOOL、つまりバーカと書いたら５億円！
クリストファー・ウール Blue Fool
キャンバスに切れ目を入れたら1億4000万円！
ルーチョ・フォンタナ 「空間概念 期待」
ついでに村上隆のフィギュア「My Lonesome Cowboy」は16億円！
曾梵志（ゾン・ファンジー）の描いた「最後の晩餐」のパロディは22億円！
アートの世界の金銭感覚はアートなのだ(^^ゞ
おしまい
木製の扉にまさに落書きした作品。Porkという文字はあるが、例によってなぜこれが豚肉なのかはわからない。
実はこれ、あのジョニー・デップが2016年にオークションで売却したもの。離婚費用を捻出するためとか噂された。ニュースを遡ると当初は９作品が売却されるようだったが、売却されたと報道されたのは２点。その落札金額は日本円で約4億8900万円と約7億円とされる。Porkはおそらく7億円のほうだと思う。
「ジョニー・デップ、約12億円の利益！」とタイトルをつけているニュースが多かったけれど（最初に配信された記事のコピペだろうが）、ただで手に入れたのじゃないはずだから利益という表現はおかしいな。でも彼は25年かけてコレクションしていたらしいし、バスキアの価格が跳ね上がったのは最近だからそれなりに儲かったはず。作品を手放したかったどうかは別として。
バスキアの最高金額は、最初の投稿でも紹介したZOZO前社長の前澤友作が落札した123億円のこの作品。この展覧会では気に入ったものの１つ。でも私なら資産が１兆円あったとしても、これに123億円を払うことはないかな。そのへんは好みと価値観の違いとしかいいようがない。
ところでダ・ビンチの作品が500億円、ゴッホが150億円と聞いて「そんなものなのかな〜」と考えたとしても、バスキアの123億円もそうだが、現代アートの特に抽象画の価格には「ナンデ？コンナモノニ？」と感じるかもしれない。
ウィレム・デ・クーニング 「インターチェンジ」 330億円
ジャクソン・ポロック 「ナンバー17A」 220億円
マーク・ロスコ 「ナンバー6（すみれ、緑、赤）」 190億円
ビックリするような価格が並ぶが、美術品の価格というのは作品の絶対的な価値（誰が決める？というのはおいといて）ではなく、人気に対する需要と供給で決まるもの。基本的に１点ものだから、人気が出れば価格が跳ね上がる。このクラスを購入するのはもちろん超富裕層だけれど、美術愛好家だけじゃなくて、成功の証として高価な作品を買いたいというのがモチベーションの場合も多い。もちろん投資目的での購入もある。美術館だって、その作品を購入すればどれくらいの来場者が見込めるかを考えてオークションに参加する。
逆に人気がなければ悲惨である。ゴッホは2000点以上の作品を制作したが、生前に売れた絵は１枚だけ。それも現在の価格で10万円ほど。わかりやすいのはバブルの頃に300万円ほどしたラッセンやヒロ・ヤマガタ。とっくに人気もなくなったしシルクスクリーンという大量生産のポスターだから、今では数万円でも売れない(/o＼)
何を言いたかったというと、例えばバスキアの絵に123億円の価値があると思えなくても、コンプレックスを持つことはない。それは絵を見る目の問題じゃなくて、美術マーケットの仕組みを知らないだけだということ。自分の感性を信じましょう。
しかし価格のメカニズムがわかっていても、やはり理解しがたいものは存在する。
黒板にグルグルするように描いたら70億円！
サイ・トゥオンブリ Untitled (1970)
色を塗って線を引いたら44億円！
バーネット・ニューマン Onement Vi
このゲルハルト・リヒターのアプストラクテス・ビルト（809-4）が27億円なのは、そういうことがあるかもと納得しても、
彼がキャンバスを１色に塗り込めただけで１億円！ Blood Red Mirroという作品。
青い文字でFOOL、つまりバーカと書いたら５億円！
クリストファー・ウール Blue Fool
キャンバスに切れ目を入れたら1億4000万円！
ルーチョ・フォンタナ 「空間概念 期待」
ついでに村上隆のフィギュア「My Lonesome Cowboy」は16億円！
曾梵志（ゾン・ファンジー）の描いた「最後の晩餐」のパロディは22億円！
アートの世界の金銭感覚はアートなのだ(^^ゞ
おしまい
wassho at 20:30｜Permalink│Comments(0)│
2019年11月10日
バスキア展 メイド・イン・ジャパン その２
バスキア展を見た感想を一言で述べるなら楽しかったということ。それは幼稚園児の絵を見て感じる楽しさ、あるいは幸福になる気持ちと同じ感覚。もちろん無邪気なだけの幼稚園児の絵と、言いたいことがたくさんありそうなバスキアの絵が同レベルといっているわけではないし、別にディスっているつもりもない。
二言目をいうならカッコよかった。それこそが彼の感性のなせるところ。そこがバスキアのキモかな。これだけ人気があるというのは、そう感じる人が多いのだと思っている。念のために書いておくと何事においても「カッコよさ」は超重要である。美術専門家は作品に込められた彼の意図を深く読み込んだり、美術史的な位置づけを考えたりするのだろうけれど。
モダンアートについて思うことは色々あるが、少なくとも従来からの絵画と較べたり同じ土俵で評価しても意味はない。クラシックとジャズとロックはシチュエーションや気分によって聴きわけるし、ステーキとカレーライスとラーメンのおいしさに優劣はないのと同じこと。
もっとも私がアートに求める「酔える」要素はないから、ずっと眺めていたいとは思わないが、たまにはバスキアの絵がプリントされたＴシャツでも着て出かけてみたい。
ーーーと持ち上げた後だが（褒めたつもり）、「これ展示する？」と思ったものが多かったのも事実。ある程度の球数を揃えなきゃいけないのは理解するが。
「無題（王冠と車）」 1981年
「無題（心臓／ヘンリー・ゲルツァラー）」 1981年
「野球の王様」 1981年
それとこんなノートのようなものも大量に展示されていた。食い入るように見ていた人もいたが、何か感じるものがあるのか尋ねたかった(^^ゞ
次に紹介するのは、幼稚園の頃にこんな絵を描いていたなあと思い出した作品。と同時に、今またこんな絵を描いたら、描ければ楽しいだろうなあと思う。
「無題」 1982年
「湿度」 1982年
これはレレレのおじさん？(^^ゞ 「無題」 1982年
バスキアの作品はたくさんの言葉が書かれていたり、何かを象徴している図案がいくつも配置されているものが多い。それらは絵というよりメッセージ・アートという表現のほうがしっくりくるかな。
ところで、その作品に書き込まれている言葉や文章について。多少は英語がわかるとしても、ほとんどの日本人は記号というか図に近いものとして雰囲気的に捉えているはず。英語の歌詞を聴くのと同じように。だから日本人と英語圏の人では、ひょっとして作品から受けるイメージが違うのかと思ったりもする。そしてもしすべて日本語で書かれていたとしたら、バスキアの作品はけっこう「イタイ」かもと妄想。
そんな中で、次の２つは「絵」としてじっくり眺めた作品。
「SEE」 1985年
SEEはもちろん「見える」。何かを見ているポーズのようだし、レントゲン写真のように骨も「見えて」いる。背景はバスキア自身の作品のコラージュだから、そう考えるのが素直な解釈。またSEEには聖職者とか法王の意味もある。そちらだとすれば裸の王様的に批判しているようにも思える。あるいはアートシーンの頂点に立った自身をなぞらえたかーーーなんて、わかったかのように書いてみる(^^ゞ
「自画像」 1984年
「自画像」はこの展覧会の中で一番気に入った。落書き風なのは変わらないが、血の涙を流しているようで何かヒリヒリするようなものが伝わってくる。バスキアは「黒いピカソ」とも呼ばれていたらしいが、この作品を見てなんとなく納得がいった。
ーーー続く
二言目をいうならカッコよかった。それこそが彼の感性のなせるところ。そこがバスキアのキモかな。これだけ人気があるというのは、そう感じる人が多いのだと思っている。念のために書いておくと何事においても「カッコよさ」は超重要である。美術専門家は作品に込められた彼の意図を深く読み込んだり、美術史的な位置づけを考えたりするのだろうけれど。
モダンアートについて思うことは色々あるが、少なくとも従来からの絵画と較べたり同じ土俵で評価しても意味はない。クラシックとジャズとロックはシチュエーションや気分によって聴きわけるし、ステーキとカレーライスとラーメンのおいしさに優劣はないのと同じこと。
もっとも私がアートに求める「酔える」要素はないから、ずっと眺めていたいとは思わないが、たまにはバスキアの絵がプリントされたＴシャツでも着て出かけてみたい。
ーーーと持ち上げた後だが（褒めたつもり）、「これ展示する？」と思ったものが多かったのも事実。ある程度の球数を揃えなきゃいけないのは理解するが。
「無題（王冠と車）」 1981年
「無題（心臓／ヘンリー・ゲルツァラー）」 1981年
「野球の王様」 1981年
それとこんなノートのようなものも大量に展示されていた。食い入るように見ていた人もいたが、何か感じるものがあるのか尋ねたかった(^^ゞ
次に紹介するのは、幼稚園の頃にこんな絵を描いていたなあと思い出した作品。と同時に、今またこんな絵を描いたら、描ければ楽しいだろうなあと思う。
「無題」 1982年
「湿度」 1982年
これはレレレのおじさん？(^^ゞ 「無題」 1982年
バスキアの作品はたくさんの言葉が書かれていたり、何かを象徴している図案がいくつも配置されているものが多い。それらは絵というよりメッセージ・アートという表現のほうがしっくりくるかな。
ところで、その作品に書き込まれている言葉や文章について。多少は英語がわかるとしても、ほとんどの日本人は記号というか図に近いものとして雰囲気的に捉えているはず。英語の歌詞を聴くのと同じように。だから日本人と英語圏の人では、ひょっとして作品から受けるイメージが違うのかと思ったりもする。そしてもしすべて日本語で書かれていたとしたら、バスキアの作品はけっこう「イタイ」かもと妄想。
そんな中で、次の２つは「絵」としてじっくり眺めた作品。
「SEE」 1985年
SEEはもちろん「見える」。何かを見ているポーズのようだし、レントゲン写真のように骨も「見えて」いる。背景はバスキア自身の作品のコラージュだから、そう考えるのが素直な解釈。またSEEには聖職者とか法王の意味もある。そちらだとすれば裸の王様的に批判しているようにも思える。あるいはアートシーンの頂点に立った自身をなぞらえたかーーーなんて、わかったかのように書いてみる(^^ゞ
「自画像」 1984年
「自画像」はこの展覧会の中で一番気に入った。落書き風なのは変わらないが、血の涙を流しているようで何かヒリヒリするようなものが伝わってくる。バスキアは「黒いピカソ」とも呼ばれていたらしいが、この作品を見てなんとなく納得がいった。
ーーー続く
wassho at 13:54｜Permalink│Comments(0)│
2019年11月09日
バスキア展 メイド・イン・ジャパン
モダンアートは好みじゃないというか興味がないというか、特にインスタレーションなる置物アートには敵意さえいだいている(^^ゞ私である。バスキアについてはデ・クーニングのようになんとなく思うところがあったわけでも、草間彌生のようにその人物に興味を持ったわけでもない。じゃなぜ見に行ったのかというと、流行りのものは見ておきたいというミーハー心と、知らずに取り残されたくないというアセリからかな。
さてジャン＝ミシェル・バスキア。プエルトリコとハイチからの移民の両親を持つブルックリン生まれのニューヨーカー。生まれたのは1960年。なんだ、私と同世代じゃないか。ただし1988年に27歳で亡くなっている。死因はヘロインの過剰摂取。
17歳くらいからスラム地区の壁などにスプレーペインティングを始める。やがてキース・ヘリング等に才能を認められ個展を開くように。24歳頃には「ニューペインティング」のアーティストとしてスター的な存在になったようだ。アンディ・ウォーホルともコラボしていた。まだ無名だったマドンナとも付き合っていたことも♂♀
マドンナのインスタに投稿された当時の写真。
日本で一躍有名になったのは、やはりZOZO前社長だった前澤友作が123億円でバスキアの絵を落札してからだと思う。私もあの一件でバスキアとバンクシーの名前を取り違えなくなった(^^ゞ 絵の雰囲気はまったく違うが、どちらもストリート系で同じ「バ」で始まる名前だからややこしい。
これがその123億円の「無題」。1982年の作品。
展示されていた作品の中では一番印象に残ったかな。123億円の金額には影響されていないと思うが、存在感やインパクトはダントツだった。色使いがビビッドだったからかもしれないが、絵としてのまとまりもある。なんとなく頑張るぞーという気持ちが起きる絵である。
でも前澤氏は、自宅でこの絵を眺めながらZOZOをYahooに売却することを決めたのだから、私の感じ方は当てにならないかも。
コソッと気に入ったのがモナリザに落書きした「ブーン」1983年。もう一工夫が欲しかった気もするが。
Booneとはおそらく、1980年代に「アートシーンの女王」と称された画廊オーナーのメアリー・ブーンのこと。バスキアをスターダムに引き上げた恩人でもある。だからヨイショ半分、オチョクリ半分の作品かな。ちなみに彼女は今年、脱税で懲役をくらったというニュースがあった(/o＼)
こちらはゴッホ。たいして似ていないのに、タイトルを読まずにパッと見てゴッホとわかるところがけっこう面白い。
「アムステルダムにある蝋人形博物館のファン・ゴッホ」 1985年
ところでこの展覧会のタイトルには「メイド・イン・ジャパン」という言葉が入っている。これはバスキアが何度か来日して、作品に日本の文字や建物などを描いているのが由来らしい。次の５つはそんな作品。
「ナポレオン」 1982年
ONE MILLION YENはもちろん100万円。VERSUSは略してイングランドvs南アフリカなどと使われる「対、〜に対して」という意味。だから描かれている文字は「100万円、豚肉に対して」ということになる。ナンノコッチャ？ 意味など考えちゃいけないのかもしれないが。ところでナポレオンはーーー？
「炭素、酸素」 1984年
とりあえず五重塔が描かれている。PAGODAは仏塔。
「プラスティックのサックス」 1984年
理解などしようとしちゃいけないとわかっていても、ついつい理解不能という気持ちが抑えられない(^^ゞ いくつかの「おりがみ」という文字と図が見える。他には「安心してご」。オリジナルには「安心してご使用ください」とでも書かれていたのだろうか。
それはさておき、サックスがどこにもないじゃないかと思っていたら、中央に描かれているオッサンがチャーリー・パーカーだった（巨匠レベルのジャズ・ミュージシャンでサックス奏者）。首のところにCHARLIE PARKER'S PLASTIC SAXAPHONEと書かれている。
ブログに貼った写真では小さくて読めないかもしれないが、実際の絵でも小さな文字で、そこに目が行ったのは本当に偶然。この似顔絵はチャーリー・パーカーに似ていないし(^^ゞ 結局プラスティックのサックスの意味は不明で、折り紙ならペーパーなんだけれどと思ったり。
ちなみにバスキアはGrayというロックバンドも組んでいたが、演奏していたのはなぜかクラリネット。ロックにクラリネット？どんな音楽？とネットで探したが演奏風景を撮ったものは見当たらず。
「オニオンガム」 1983年
ONION GUM
MAKES YOUR
MOUTH TASTE
LIKE ONION
訳せば「玉ねぎガムはあなたの口を玉ねぎ味にする」というセンテンスが３回書かれた作品。右上にMADE IN JAPANとも書かれている。そんなガムが日本で売られていた記憶はないけど。原料はENRICHED FLOUR（栄養強化小麦粉）で、NIACIN（ニコチン酸）やREDUCED IRON（還元鉄）を含むみたいだ。
これまた？？？な作品である。しかし、玉ねぎガムが辛いらしいのは目をつり上げて赤い舌を出している顔でわかった(^^ゞ
「偽り」 1983年
バスキアによると偽物のレオナルド・ダ・ビンチは200円だそうだ。1983年当時の為替レートで換算すれば80セントだね、と私も彼に習ってたいして意味のないことを言ってみる。
あれこれ日本の言葉や建物などが描かれているが、例えば印象派の画家たちが浮世絵から影響を受けたようなことではなく、日本にやってきて文字やその他が「形的」に面白かったから使ってみたというところだろう。バスキアの本質じゃないと思う。
だからメイド・イン・ジャパンなんてタイトルは気負いすぎというかピント外れというか。ちなみに中国の通貨である元も通貨記号は円と同じ￥だから、中国で展覧会をしても受けるかもよーーーと憎まれ口。
ーーー続く
さてジャン＝ミシェル・バスキア。プエルトリコとハイチからの移民の両親を持つブルックリン生まれのニューヨーカー。生まれたのは1960年。なんだ、私と同世代じゃないか。ただし1988年に27歳で亡くなっている。死因はヘロインの過剰摂取。
17歳くらいからスラム地区の壁などにスプレーペインティングを始める。やがてキース・ヘリング等に才能を認められ個展を開くように。24歳頃には「ニューペインティング」のアーティストとしてスター的な存在になったようだ。アンディ・ウォーホルともコラボしていた。まだ無名だったマドンナとも付き合っていたことも♂♀
マドンナのインスタに投稿された当時の写真。
日本で一躍有名になったのは、やはりZOZO前社長だった前澤友作が123億円でバスキアの絵を落札してからだと思う。私もあの一件でバスキアとバンクシーの名前を取り違えなくなった(^^ゞ 絵の雰囲気はまったく違うが、どちらもストリート系で同じ「バ」で始まる名前だからややこしい。
これがその123億円の「無題」。1982年の作品。
展示されていた作品の中では一番印象に残ったかな。123億円の金額には影響されていないと思うが、存在感やインパクトはダントツだった。色使いがビビッドだったからかもしれないが、絵としてのまとまりもある。なんとなく頑張るぞーという気持ちが起きる絵である。
でも前澤氏は、自宅でこの絵を眺めながらZOZOをYahooに売却することを決めたのだから、私の感じ方は当てにならないかも。
コソッと気に入ったのがモナリザに落書きした「ブーン」1983年。もう一工夫が欲しかった気もするが。
Booneとはおそらく、1980年代に「アートシーンの女王」と称された画廊オーナーのメアリー・ブーンのこと。バスキアをスターダムに引き上げた恩人でもある。だからヨイショ半分、オチョクリ半分の作品かな。ちなみに彼女は今年、脱税で懲役をくらったというニュースがあった(/o＼)
こちらはゴッホ。たいして似ていないのに、タイトルを読まずにパッと見てゴッホとわかるところがけっこう面白い。
「アムステルダムにある蝋人形博物館のファン・ゴッホ」 1985年
ところでこの展覧会のタイトルには「メイド・イン・ジャパン」という言葉が入っている。これはバスキアが何度か来日して、作品に日本の文字や建物などを描いているのが由来らしい。次の５つはそんな作品。
「ナポレオン」 1982年
ONE MILLION YENはもちろん100万円。VERSUSは略してイングランドvs南アフリカなどと使われる「対、〜に対して」という意味。だから描かれている文字は「100万円、豚肉に対して」ということになる。ナンノコッチャ？ 意味など考えちゃいけないのかもしれないが。ところでナポレオンはーーー？
「炭素、酸素」 1984年
とりあえず五重塔が描かれている。PAGODAは仏塔。
「プラスティックのサックス」 1984年
理解などしようとしちゃいけないとわかっていても、ついつい理解不能という気持ちが抑えられない(^^ゞ いくつかの「おりがみ」という文字と図が見える。他には「安心してご」。オリジナルには「安心してご使用ください」とでも書かれていたのだろうか。
それはさておき、サックスがどこにもないじゃないかと思っていたら、中央に描かれているオッサンがチャーリー・パーカーだった（巨匠レベルのジャズ・ミュージシャンでサックス奏者）。首のところにCHARLIE PARKER'S PLASTIC SAXAPHONEと書かれている。
ブログに貼った写真では小さくて読めないかもしれないが、実際の絵でも小さな文字で、そこに目が行ったのは本当に偶然。この似顔絵はチャーリー・パーカーに似ていないし(^^ゞ 結局プラスティックのサックスの意味は不明で、折り紙ならペーパーなんだけれどと思ったり。
ちなみにバスキアはGrayというロックバンドも組んでいたが、演奏していたのはなぜかクラリネット。ロックにクラリネット？どんな音楽？とネットで探したが演奏風景を撮ったものは見当たらず。
「オニオンガム」 1983年
ONION GUM
MAKES YOUR
MOUTH TASTE
LIKE ONION
訳せば「玉ねぎガムはあなたの口を玉ねぎ味にする」というセンテンスが３回書かれた作品。右上にMADE IN JAPANとも書かれている。そんなガムが日本で売られていた記憶はないけど。原料はENRICHED FLOUR（栄養強化小麦粉）で、NIACIN（ニコチン酸）やREDUCED IRON（還元鉄）を含むみたいだ。
これまた？？？な作品である。しかし、玉ねぎガムが辛いらしいのは目をつり上げて赤い舌を出している顔でわかった(^^ゞ
「偽り」 1983年
バスキアによると偽物のレオナルド・ダ・ビンチは200円だそうだ。1983年当時の為替レートで換算すれば80セントだね、と私も彼に習ってたいして意味のないことを言ってみる。
あれこれ日本の言葉や建物などが描かれているが、例えば印象派の画家たちが浮世絵から影響を受けたようなことではなく、日本にやってきて文字やその他が「形的」に面白かったから使ってみたというところだろう。バスキアの本質じゃないと思う。
だからメイド・イン・ジャパンなんてタイトルは気負いすぎというかピント外れというか。ちなみに中国の通貨である元も通貨記号は円と同じ￥だから、中国で展覧会をしても受けるかもよーーーと憎まれ口。
ーーー続く
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2019年10月29日
雨の六本木ヒルズ52階から
六本木ヒルズの52階にある森アーツセンターギャラリーにバスキア展を見に行ってきた。その話しはまた改めて書くとして、展示室を抜けたところにある窓から見た風景を。
今日はずっと雨だったが、雨なら混雑していないと考えて展覧会に足を運んでみた。だから見晴らしはまったくよくないが、雨に濡れた街を上から眺めるのもオツなもの。
窓は北向きで、写真センターの上の方にあるベージュのタワーのあたりが青山一丁目。その後ろにある緑豊かなところは赤坂御用地。左側に目をやれば建設中の国立競技場も見える。
六本木ヒルズのすぐそばにある国立新美術館。あのガラスでできた窓の部分を上から見るとこういう形になっていることは知っていたが、自分の目で見ると微妙に新鮮。
国立新美術館の前にあるヘリポートは米軍のもの。この敷地は赤坂プレスセンターという平和な名前がついているが、東京23区内にある唯一の米軍基地である。なお画面のほとんどを占める緑で覆われた部分は青山墓地。
iPhoneの望遠で撮ったのでボケボケだけれど、国立競技場の外観はほとんど完成の模様。
これは赤坂御用地のハズレにある迎賓館。拡大しすぎてあまり原形をとどめていないが。普段は一般開放しているらしいので、そのうち見に行くつもり。
少し東を向いて、右側にかたまって立っているビル群が東京ミッドタウン。
展望写真を撮るにはふさわしくない日の写真を載せるのが、このブログのいいところ(^^ゞ
今日はずっと雨だったが、雨なら混雑していないと考えて展覧会に足を運んでみた。だから見晴らしはまったくよくないが、雨に濡れた街を上から眺めるのもオツなもの。
窓は北向きで、写真センターの上の方にあるベージュのタワーのあたりが青山一丁目。その後ろにある緑豊かなところは赤坂御用地。左側に目をやれば建設中の国立競技場も見える。
六本木ヒルズのすぐそばにある国立新美術館。あのガラスでできた窓の部分を上から見るとこういう形になっていることは知っていたが、自分の目で見ると微妙に新鮮。
国立新美術館の前にあるヘリポートは米軍のもの。この敷地は赤坂プレスセンターという平和な名前がついているが、東京23区内にある唯一の米軍基地である。なお画面のほとんどを占める緑で覆われた部分は青山墓地。
iPhoneの望遠で撮ったのでボケボケだけれど、国立競技場の外観はほとんど完成の模様。
これは赤坂御用地のハズレにある迎賓館。拡大しすぎてあまり原形をとどめていないが。普段は一般開放しているらしいので、そのうち見に行くつもり。
少し東を向いて、右側にかたまって立っているビル群が東京ミッドタウン。
展望写真を撮るにはふさわしくない日の写真を載せるのが、このブログのいいところ(^^ゞ
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2019年08月12日
ウィーン・モダン展 その5
そしてエゴン・シーレ。
なぜかフルネームで呼ばれることが多い画家。
28歳で夭折したエゴン・シーレは1890年生まれで1918年に没。ちなみに彼の師匠的立場だったクリムトは1862年生まれで28歳年上。亡くなったのは同じく1918年。
独自の画風を確立したということではクリムトと双璧。そしてどちらもエロスをテーマに多くの作品を描いた。しかし師匠と弟子で方向性はまったく違う。クリムトがエクスタシーを感じさせる美しさがあるのに対して、エゴン・シーレはひたすら陰キャで閉鎖感のある画風。そしてどこか攻撃的というかトゲトゲしい。
それと関係あるのかどうか、彼の性格はサイコパスというか中二病というかやっかいなタイプ。また女性に対してはまったくのゲス野郎。4歳年下の妹とデキていたし、同棲して内助の功があった恋人を捨てて金持ちの娘と結婚した。しかも恋人には結婚後も定期的に付き合おうと提案。おまけに嫁の姉とも肉体関係が続いた(>_<)
なお、この展覧会では「当たり障りのない」作品が多かったと思う。もっとエゴン・シーレの毒に当たって暗〜い気分になりたかったのに。
「自画像」 1911年
この展覧会で唯一の「The エゴン・シーレ」的な作品。陰キャ全開で重苦しい。なぜか彼は指を長く直線的に描くことが多い。
師匠はクリムトだったが心酔していたのはゴッホだったようで、次の2つはその影響ありあり。ゴッホのひまわりもどこか暗い影があるが、エゴン・シーレのそれは生命力を否定するレベル。
「ひまわり」 1909-10年
「ノイレングバッハの画家の部屋」 1911年
単なる肖像画ではなく目に見えない何かを「強調した」描き方。こういうのを表現主義というらしい。目に見えるものだけを描いた印象主義との対立概念。エゴン・シーレは表現主義の代表的画家。もっとも１画家＝１画風ではないので、彼もいろいろな絵を描いている。
ところで目に見えない何が強調されているのかわからないのだけれど(^^ゞ、アルトゥール・レスラーはカッコイイね。
「美術評論家アルトゥール・レスラーの肖像」 1910年
「イーダ・レスラーの肖像」 1912年
「オットー・ヴァーグナーの肖像」 1910年
痛々しく陰鬱なエロティシズムがエゴン・シーレの醍醐味だと思っているので、そういう油絵作品がなかったのが残念。素描でその匂いを少しは感じられるものを2点紹介しておく。
「男性裸像」 1912年
「模様のある布をまとい背を向けた裸体」 1911年
エゴン・シーレ濃度の高い作品はなかったけれど、それでもダークな気分になってきたかな。口直しに、彼はポストカード用にこんなファッショナブルな絵も描いている。
「女の肖像 ウィーン工房ポストカードNo.289」 1910年
最初のエントリーに書いたように、この展覧会は絵画展というより19世紀末を中心としたウィーン文化展。展示数は約400点で一般の展覧会の2倍。とても見応えがあった。ウィーン・ミュージアムが2023年まで閉鎖中にオーストリア系の展覧会が増えるといいな。
おしまい
なぜかフルネームで呼ばれることが多い画家。
28歳で夭折したエゴン・シーレは1890年生まれで1918年に没。ちなみに彼の師匠的立場だったクリムトは1862年生まれで28歳年上。亡くなったのは同じく1918年。
独自の画風を確立したということではクリムトと双璧。そしてどちらもエロスをテーマに多くの作品を描いた。しかし師匠と弟子で方向性はまったく違う。クリムトがエクスタシーを感じさせる美しさがあるのに対して、エゴン・シーレはひたすら陰キャで閉鎖感のある画風。そしてどこか攻撃的というかトゲトゲしい。
それと関係あるのかどうか、彼の性格はサイコパスというか中二病というかやっかいなタイプ。また女性に対してはまったくのゲス野郎。4歳年下の妹とデキていたし、同棲して内助の功があった恋人を捨てて金持ちの娘と結婚した。しかも恋人には結婚後も定期的に付き合おうと提案。おまけに嫁の姉とも肉体関係が続いた(>_<)
なお、この展覧会では「当たり障りのない」作品が多かったと思う。もっとエゴン・シーレの毒に当たって暗〜い気分になりたかったのに。
「自画像」 1911年
この展覧会で唯一の「The エゴン・シーレ」的な作品。陰キャ全開で重苦しい。なぜか彼は指を長く直線的に描くことが多い。
師匠はクリムトだったが心酔していたのはゴッホだったようで、次の2つはその影響ありあり。ゴッホのひまわりもどこか暗い影があるが、エゴン・シーレのそれは生命力を否定するレベル。
「ひまわり」 1909-10年
「ノイレングバッハの画家の部屋」 1911年
単なる肖像画ではなく目に見えない何かを「強調した」描き方。こういうのを表現主義というらしい。目に見えるものだけを描いた印象主義との対立概念。エゴン・シーレは表現主義の代表的画家。もっとも１画家＝１画風ではないので、彼もいろいろな絵を描いている。
ところで目に見えない何が強調されているのかわからないのだけれど(^^ゞ、アルトゥール・レスラーはカッコイイね。
「美術評論家アルトゥール・レスラーの肖像」 1910年
「イーダ・レスラーの肖像」 1912年
「オットー・ヴァーグナーの肖像」 1910年
痛々しく陰鬱なエロティシズムがエゴン・シーレの醍醐味だと思っているので、そういう油絵作品がなかったのが残念。素描でその匂いを少しは感じられるものを2点紹介しておく。
「男性裸像」 1912年
「模様のある布をまとい背を向けた裸体」 1911年
エゴン・シーレ濃度の高い作品はなかったけれど、それでもダークな気分になってきたかな。口直しに、彼はポストカード用にこんなファッショナブルな絵も描いている。
「女の肖像 ウィーン工房ポストカードNo.289」 1910年
最初のエントリーに書いたように、この展覧会は絵画展というより19世紀末を中心としたウィーン文化展。展示数は約400点で一般の展覧会の2倍。とても見応えがあった。ウィーン・ミュージアムが2023年まで閉鎖中にオーストリア系の展覧会が増えるといいな。
おしまい
wassho at 12:31｜Permalink│Comments(0)│
2019年08月11日
ウィーン・モダン展 その4
先月のクリムト展で、クリムト以外のウィーン画家の絵をいろいろ楽しめた。
今回はハンス・マカルトをよく知ることができたのが最大の収穫。
それ以外で一番目だっていたのはこれかな。
「黄色いドレスの女性（画家の妻）」 マクシミリアン・クルツヴァイル 1899年
ポーズが斬新というかナゾというか。無表情な顔が印象的で、この絵の前に立つとなんとなく叱られているような気分にもなってくる。それにしてもウエストが細いね。ただし、いい絵なんだけれど実物は肌の色がやたら白くて、とても厚化粧に見えて少し違和感があった。おそらく絵の具も厚く塗られている。
それでもこの絵はインパクトがあって目に焼き付く。それはおそらく黄色いドレスの色が強烈だからーーーと思い、夏休みの自由研究ということでドレスを地味な色にしてみた。
意外とインパクトは変わらない。
女性の表情やポーズに存在感があるということか。
ところで画像ソフトをいじっていると、普通に絵を眺めているだけでは見過ごすようなことに気づく。それはスカートの形。生地をソファに広げているが、この生地の分量が多すぎない？ この広がりはおそらく絵としての創作で、この分量でスカートのデザインは成り立たないと思うのだが。誰か自由研究で裁縫してみて。
そのほかの画家アレコレ。
印象派系統の画風で、どことなく優しい感じがするのが、
この頃のウイーン絵画の特徴かな。
「コーヒー工場にて」 1900年 カール・モル
「朝食をとる母と子」 1903年 カール・モル
「画家の子供たち（レシとハンス） 1902年 フランツ・フォン・マッチュ
「ゾフィーエンザールの特別席」 1903年 ヨーゼフ・エンゲルハルト
ーーー続く
今回はハンス・マカルトをよく知ることができたのが最大の収穫。
それ以外で一番目だっていたのはこれかな。
「黄色いドレスの女性（画家の妻）」 マクシミリアン・クルツヴァイル 1899年
ポーズが斬新というかナゾというか。無表情な顔が印象的で、この絵の前に立つとなんとなく叱られているような気分にもなってくる。それにしてもウエストが細いね。ただし、いい絵なんだけれど実物は肌の色がやたら白くて、とても厚化粧に見えて少し違和感があった。おそらく絵の具も厚く塗られている。
それでもこの絵はインパクトがあって目に焼き付く。それはおそらく黄色いドレスの色が強烈だからーーーと思い、夏休みの自由研究ということでドレスを地味な色にしてみた。
意外とインパクトは変わらない。
女性の表情やポーズに存在感があるということか。
ところで画像ソフトをいじっていると、普通に絵を眺めているだけでは見過ごすようなことに気づく。それはスカートの形。生地をソファに広げているが、この生地の分量が多すぎない？ この広がりはおそらく絵としての創作で、この分量でスカートのデザインは成り立たないと思うのだが。誰か自由研究で裁縫してみて。
そのほかの画家アレコレ。
印象派系統の画風で、どことなく優しい感じがするのが、
この頃のウイーン絵画の特徴かな。
「コーヒー工場にて」 1900年 カール・モル
「朝食をとる母と子」 1903年 カール・モル
「画家の子供たち（レシとハンス） 1902年 フランツ・フォン・マッチュ
「ゾフィーエンザールの特別席」 1903年 ヨーゼフ・エンゲルハルト
ーーー続く
wassho at 09:21｜Permalink│Comments(0)│
2019年08月09日
ウィーン・モダン展 その3
さてクリムト。
彼のことは先月の「クリムト展 ウィーンと日本 1900」でたくさん書いたので、今回はあっさりと。まあ私の好みのクリムト作品がなかったせいもある。
なおヌードを中心に素描が50点近く展示されていた。いつも思うのだが素描を熱心に眺めている人って、よほど絵心があるのかなあ。ごく普通レベルの美術好きの私には、素描を見ても大して楽しくなくチラ見するだけなんだけれど。
次の２つは1883年〜84年の制作だから、まだクリムトが駆け出しの頃。
これらは『アレゴリーとエンブレム』という図案集(書籍)のために描かれたもの。
「寓話 『アレゴリーとエンブレム』のための原画 No.75a」 1883年
「牧歌 『アレゴリーとエンブレム』のための原画 No.75）」 1884年
1888年はクリムトが27歳前後。
後のクリムトからは想像できないオーソドックスな画風である。
「旧ブルク劇場の観客席」 1888年
開演前の雰囲気がよく表現されていて、一目見ただけでクリムトの力量が伝わってくる。こういう作品でハンス・マカルトの後継者ともくされたのだろうか。
ところで、これは取り壊される劇場の記録としてウィーン市議会から依頼されたもの。だから主役は劇場なのであるが、クリムトは観客を肖像画レベルに緻密に描き込んでいる。ほとんどが実在したウィーンの名士の面々で、その数100人以上。中には後にクリムトのパトロンになった人もいたらしいから、営業チャンスとばかりとして精を出したのかも(^^ゞ
一部を拡大して。
こちらも図案集のための原画。
先の図案集の画風と較べてみると、あれから10年経ってクリムトがオリジナリティを確立したことがわかる。だんだんと世紀末の雰囲気が濃くなってイイ感じ。
「愛 『アレゴリー：新連作』のための原画No.46」 1895年
「彫刻 『アレゴリー：新連作』のための原画No.58」 1896年
「悲劇 『アレゴリー：新連作』のための原画No.66」 1897年
「パラス・アテナ」 1898年
クリムトは、1897年に保守派のウィーン造形芸術家協会と袂を分かってウィーン分離派を結成。翌1898年に分離派会館が開設。これは分離派会館で開かれた最初の展覧会に出展された作品。彼が1番尖っていた時期かな。
パラス・アテナはギリシャ神話の女神で、知恵、芸術、工芸などを司る。戦争とは関係ないのに、なぜかゼウスの頭頂部から武装して鎧をまとって出現したとされている。
この絵では槍？をもって戦闘意欲が満々。保守的な画壇との対決姿勢を示しているのだろう。でも黄金を多用したからギリシャ神話じゃなくインカ帝国の女神に見える。
ちなみに一般的なパラス・アテナの描き方はこんな感じ。
「エミーリエ・フレーゲの肖像」 1902年
クリムトの代表作のひとつとされ、この展覧会の目玉作品でもある。
でもなぜか私にはあまり響かず。クリムトに期待しているきらびやかさがないからかなあ。
なお、この作品のみ写真撮影が認められていた。
SNSによる拡散〜集客効果は無視できず、美術館は試行錯誤中なのだろう。
ーーー続く
彼のことは先月の「クリムト展 ウィーンと日本 1900」でたくさん書いたので、今回はあっさりと。まあ私の好みのクリムト作品がなかったせいもある。
なおヌードを中心に素描が50点近く展示されていた。いつも思うのだが素描を熱心に眺めている人って、よほど絵心があるのかなあ。ごく普通レベルの美術好きの私には、素描を見ても大して楽しくなくチラ見するだけなんだけれど。
次の２つは1883年〜84年の制作だから、まだクリムトが駆け出しの頃。
これらは『アレゴリーとエンブレム』という図案集(書籍)のために描かれたもの。
「寓話 『アレゴリーとエンブレム』のための原画 No.75a」 1883年
「牧歌 『アレゴリーとエンブレム』のための原画 No.75）」 1884年
1888年はクリムトが27歳前後。
後のクリムトからは想像できないオーソドックスな画風である。
「旧ブルク劇場の観客席」 1888年
開演前の雰囲気がよく表現されていて、一目見ただけでクリムトの力量が伝わってくる。こういう作品でハンス・マカルトの後継者ともくされたのだろうか。
ところで、これは取り壊される劇場の記録としてウィーン市議会から依頼されたもの。だから主役は劇場なのであるが、クリムトは観客を肖像画レベルに緻密に描き込んでいる。ほとんどが実在したウィーンの名士の面々で、その数100人以上。中には後にクリムトのパトロンになった人もいたらしいから、営業チャンスとばかりとして精を出したのかも(^^ゞ
一部を拡大して。
こちらも図案集のための原画。
先の図案集の画風と較べてみると、あれから10年経ってクリムトがオリジナリティを確立したことがわかる。だんだんと世紀末の雰囲気が濃くなってイイ感じ。
「愛 『アレゴリー：新連作』のための原画No.46」 1895年
「彫刻 『アレゴリー：新連作』のための原画No.58」 1896年
「悲劇 『アレゴリー：新連作』のための原画No.66」 1897年
「パラス・アテナ」 1898年
クリムトは、1897年に保守派のウィーン造形芸術家協会と袂を分かってウィーン分離派を結成。翌1898年に分離派会館が開設。これは分離派会館で開かれた最初の展覧会に出展された作品。彼が1番尖っていた時期かな。
パラス・アテナはギリシャ神話の女神で、知恵、芸術、工芸などを司る。戦争とは関係ないのに、なぜかゼウスの頭頂部から武装して鎧をまとって出現したとされている。
この絵では槍？をもって戦闘意欲が満々。保守的な画壇との対決姿勢を示しているのだろう。でも黄金を多用したからギリシャ神話じゃなくインカ帝国の女神に見える。
ちなみに一般的なパラス・アテナの描き方はこんな感じ。
「エミーリエ・フレーゲの肖像」 1902年
クリムトの代表作のひとつとされ、この展覧会の目玉作品でもある。
でもなぜか私にはあまり響かず。クリムトに期待しているきらびやかさがないからかなあ。
なお、この作品のみ写真撮影が認められていた。
SNSによる拡散〜集客効果は無視できず、美術館は試行錯誤中なのだろう。
ーーー続く
wassho at 08:53｜Permalink│Comments(0)│
2019年08月07日
ウィーン・モダン展 その2
まずはモダニズムも世紀末も関係ないクラシックな作品からスタートする。展覧会で最初に出迎えてくれるのは、18世紀中頃に描かれたマリア・テレジアの肖像画。サイズも縦2メーター以上ありその威厳に圧倒される。
「マリア・テレジア（額の装飾画：幼いヨーゼフ２世）」 1744年 マルティン・ファン・メイテンス
マリア・テレジアは650年続いた名門ハプスブルグ家の当主であり、オーストリア大公、ハンガリー女王、ボヘミア女王でもあったまさにヨーロッパの女帝。その生涯もドラマチックで、もしヨーロッパに大河ドラマがあれば何度も取り上げられているはずの人物。
参考までに緑色に塗られているのが1574年当時のハプスブルグ家の領土。この頃が最盛期。なおマリア・テレジアは1717年-1780年。フランスのルイ16世に嫁いだマリー・アントワネットは彼女の娘。
ちなみに信長（1534年-1582年）は宣教師を通じてヨーロッパの情勢を得ていたといわれる。ハプスブルグ家のことも知っていたのかな。ひょっとしたらこんな地図に触発されて、日本統一の後はアジアへの野望をたぎらせていたりして。
もっともかつてはヨーロッパの半分を支配したハプスブルグ家＝オーストリアであるが、今はあまり存在感のある国とはいえない。第1次世界大戦まではイギリス、ドイツ、フランス、ロシアとならぶ欧州五大国（列強）と世界史で習ったが、どうもイメージがわかない。それに現在はG7はもちろんG20のメンバーでさえない。将来、日本がそうならないことを願おう(^^ゞ
あまり馴染みがないので、ついでに調べたオーストリアあれこれ。
G20のメンバーでさえないと上から目線で書いたが、1人当たりGDPは5万6000ドルで
世界第10位。3万9000ドルで24位の日本(/o＼)より1.4倍も豊かである。
永世中立国ってスイスだけだと思っていたらオーストリアもだった。ただしEUに
加盟しているので形骸化しているらしいが。ほかにラオスやトルクメニスタンなどが
永世中立国。
同じくチロル地方はスイスをイメージするが、実はオーストリアとイタリアに
またがる地域。
人口は約900万人で、面積は北海道とほぼ同じ。
ウィンナーソーセージはウィーン風のソーセージのこと。日本では農水省の規格で
ソーセージの直径を基準にウィンナー(20mm未満)、フランクフルト（20-36mm）、
ボローニャ(36mm以上）とヨーロッパの都市名をつけけて区分している。
でもオーストリア、ドイツ、イタリアではそんな呼び方はしないから、これって
けっこう恥ずかしいネーミング。
コーヒーにホイップクリームを浮かべたウィンナーコーヒーもウィーンにはない。
似たような飲み物はあるが名前が違う。何にでもウィンナー(ウィーン風という意味)と
つけるのは、とりあえず京風とつければありがたみが増すのと同じ感覚なのかも
しれない。
アーノルド・シュワルツェネッガーはオーストリア人！
オーストリアとオーストラリアを間違えるのは英語圏の人も同じらしい(^^ゞ
ところでオーストリアの首都ウィーンはモーツァルトやベートーヴェンが活躍した音楽の都である。ウィーンの画家はクリムトとエゴン・シーレしかとっさには思い浮かばないが、作曲家なら適当に名前を挙げればかなりの確率で正解になる。
それでビックリしたのがこの絵。
まさか音楽室に飾ってあったシューベルトの肖像画の本物に出会えるとは。
「作曲家フランツ・シューベルト」 1875年頃 ヴィルヘルム・アウグスト・リーダー
こんな絵もあった。私も夜会に参加したい！
「ウィーンの邸宅で開かれたシューベルトの夜会（シューベルティアーデ）」
1897年 ユーリウス・シュミット
さて今回の展覧会で印象的だったのはクリムト展でも取り上げたハンス・マカルトの作品。
「1879年の祝賀パレードのためのデザイン画ーー菓子製造組合」
1879年 ハンス・マカルト
これは皇帝夫妻の銀婚式祝賀パレードの演出を任されたマカルトが、こういうパレードにすると示したもの。言ってみれば企画書、絵コンテなのに、それがこのレベルなのが凄い。東京オリンピックの開会式演出もマカルトに担当して欲しいね(^^ゞ
しかも任命されたのが1879年1月でパレード実施が4月27日である。この作品は菓子製造組合向けのデザイン画だが、そのわずかな期間に、他のグループ向けにも合計35枚を仕上げたというから、その仕事の早さにもビックリする。
ブログでは小さく細長くしか表示されないから、一部を拡大して。
少し遠目からは、すごく写実的で細密に見える。その場合、塗り絵的に描き込まれているのが普通。しかし拡大部分を見ればわかるように「タッチがある」というか「絵になっている」というか（うまく表現できないが）、そこにマカルトの技量とセンスを感じてシビれた。
マカルトの画風は私のツボにはまったみたい。次の3枚の肖像画は並べて展示されていたが、その場を立ち去りがたい気分になった。
「ドーラ・フルニエ=ガビロン」 1879-80年頃
「メッサリナの役に扮する女優シャーロッ ト・ヴォルター」 1875年
「ハンナ・クリンコッシュ」 1884年以前
そして、これはマカルトのアトリエを描いた作品。
「グスハウス通りのハンス・マカルトのアトリエ」 1885年 ルドルフ・フォン・アルト
マカルトのアトリエはサロンやパーティー会場でもあり、また入場料を払えば見学できる観光名所でもあったらしい。そんなことをしていたオープンな画家は他にもいるのかな。この作品はマカルトの死後、アトリエを閉鎖する際にウィーン市の依頼によって記録として制作されたもの。それだけでマカルトの地位がわかるというもの。右下には上で紹介した「ハンナ・クリンコッシュ」が置かれている。
ハンス・マカルト（1840-1884）は「画家の王」と呼ばれていたらしい。ルーベンス（1577-1640）以降、最高の名声と富を得たともいわれている。その割に知らなかったなあ。クリムト(1862-1918）が影響を受けたとか、クリムトはマカルトの後継者という文脈ではよく見かけるけれど。
そこで美術関係者の皆さんに切なるお願い。
ウィーン・ミュージアムが休館中に是非とも大マカルト展の開催を！
ーーー続く
「マリア・テレジア（額の装飾画：幼いヨーゼフ２世）」 1744年 マルティン・ファン・メイテンス
マリア・テレジアは650年続いた名門ハプスブルグ家の当主であり、オーストリア大公、ハンガリー女王、ボヘミア女王でもあったまさにヨーロッパの女帝。その生涯もドラマチックで、もしヨーロッパに大河ドラマがあれば何度も取り上げられているはずの人物。
参考までに緑色に塗られているのが1574年当時のハプスブルグ家の領土。この頃が最盛期。なおマリア・テレジアは1717年-1780年。フランスのルイ16世に嫁いだマリー・アントワネットは彼女の娘。
ちなみに信長（1534年-1582年）は宣教師を通じてヨーロッパの情勢を得ていたといわれる。ハプスブルグ家のことも知っていたのかな。ひょっとしたらこんな地図に触発されて、日本統一の後はアジアへの野望をたぎらせていたりして。
もっともかつてはヨーロッパの半分を支配したハプスブルグ家＝オーストリアであるが、今はあまり存在感のある国とはいえない。第1次世界大戦まではイギリス、ドイツ、フランス、ロシアとならぶ欧州五大国（列強）と世界史で習ったが、どうもイメージがわかない。それに現在はG7はもちろんG20のメンバーでさえない。将来、日本がそうならないことを願おう(^^ゞ
あまり馴染みがないので、ついでに調べたオーストリアあれこれ。
G20のメンバーでさえないと上から目線で書いたが、1人当たりGDPは5万6000ドルで
世界第10位。3万9000ドルで24位の日本(/o＼)より1.4倍も豊かである。
永世中立国ってスイスだけだと思っていたらオーストリアもだった。ただしEUに
加盟しているので形骸化しているらしいが。ほかにラオスやトルクメニスタンなどが
永世中立国。
同じくチロル地方はスイスをイメージするが、実はオーストリアとイタリアに
またがる地域。
人口は約900万人で、面積は北海道とほぼ同じ。
ウィンナーソーセージはウィーン風のソーセージのこと。日本では農水省の規格で
ソーセージの直径を基準にウィンナー(20mm未満)、フランクフルト（20-36mm）、
ボローニャ(36mm以上）とヨーロッパの都市名をつけけて区分している。
でもオーストリア、ドイツ、イタリアではそんな呼び方はしないから、これって
けっこう恥ずかしいネーミング。
コーヒーにホイップクリームを浮かべたウィンナーコーヒーもウィーンにはない。
似たような飲み物はあるが名前が違う。何にでもウィンナー(ウィーン風という意味)と
つけるのは、とりあえず京風とつければありがたみが増すのと同じ感覚なのかも
しれない。
アーノルド・シュワルツェネッガーはオーストリア人！
オーストリアとオーストラリアを間違えるのは英語圏の人も同じらしい(^^ゞ
ところでオーストリアの首都ウィーンはモーツァルトやベートーヴェンが活躍した音楽の都である。ウィーンの画家はクリムトとエゴン・シーレしかとっさには思い浮かばないが、作曲家なら適当に名前を挙げればかなりの確率で正解になる。
それでビックリしたのがこの絵。
まさか音楽室に飾ってあったシューベルトの肖像画の本物に出会えるとは。
「作曲家フランツ・シューベルト」 1875年頃 ヴィルヘルム・アウグスト・リーダー
こんな絵もあった。私も夜会に参加したい！
「ウィーンの邸宅で開かれたシューベルトの夜会（シューベルティアーデ）」
1897年 ユーリウス・シュミット
さて今回の展覧会で印象的だったのはクリムト展でも取り上げたハンス・マカルトの作品。
「1879年の祝賀パレードのためのデザイン画ーー菓子製造組合」
1879年 ハンス・マカルト
これは皇帝夫妻の銀婚式祝賀パレードの演出を任されたマカルトが、こういうパレードにすると示したもの。言ってみれば企画書、絵コンテなのに、それがこのレベルなのが凄い。東京オリンピックの開会式演出もマカルトに担当して欲しいね(^^ゞ
しかも任命されたのが1879年1月でパレード実施が4月27日である。この作品は菓子製造組合向けのデザイン画だが、そのわずかな期間に、他のグループ向けにも合計35枚を仕上げたというから、その仕事の早さにもビックリする。
ブログでは小さく細長くしか表示されないから、一部を拡大して。
少し遠目からは、すごく写実的で細密に見える。その場合、塗り絵的に描き込まれているのが普通。しかし拡大部分を見ればわかるように「タッチがある」というか「絵になっている」というか（うまく表現できないが）、そこにマカルトの技量とセンスを感じてシビれた。
マカルトの画風は私のツボにはまったみたい。次の3枚の肖像画は並べて展示されていたが、その場を立ち去りがたい気分になった。
「ドーラ・フルニエ=ガビロン」 1879-80年頃
「メッサリナの役に扮する女優シャーロッ ト・ヴォルター」 1875年
「ハンナ・クリンコッシュ」 1884年以前
そして、これはマカルトのアトリエを描いた作品。
「グスハウス通りのハンス・マカルトのアトリエ」 1885年 ルドルフ・フォン・アルト
マカルトのアトリエはサロンやパーティー会場でもあり、また入場料を払えば見学できる観光名所でもあったらしい。そんなことをしていたオープンな画家は他にもいるのかな。この作品はマカルトの死後、アトリエを閉鎖する際にウィーン市の依頼によって記録として制作されたもの。それだけでマカルトの地位がわかるというもの。右下には上で紹介した「ハンナ・クリンコッシュ」が置かれている。
ハンス・マカルト（1840-1884）は「画家の王」と呼ばれていたらしい。ルーベンス（1577-1640）以降、最高の名声と富を得たともいわれている。その割に知らなかったなあ。クリムト(1862-1918）が影響を受けたとか、クリムトはマカルトの後継者という文脈ではよく見かけるけれど。
そこで美術関係者の皆さんに切なるお願い。
ウィーン・ミュージアムが休館中に是非とも大マカルト展の開催を！
ーーー続く
wassho at 22:04｜Permalink│Comments(0)│
2019年08月06日
ウィーン・モダン展
訪れたのは8月1日。
美術館入り口の前に見慣れないものがあった。
茶室？ 解説の類いは一切なし。
いかにも「すごいアートだろう」とドヤ顔している作品。でも国立新美術館はガラスの建物としては相当にレベルが高い。それとセットじゃキャラが被り負けしている(^^ゞ 金閣寺の境内にでも展示すればよかったんじゃない？
先月は東京都美術館でクリムト展を見た。めずらしくオーストリアの展覧会が続く。これはウィーン・ミュージアムという大きな美術館が、今年の2月から改修工事で休館になり作品が貸し出されている模様。工事は2023年まで続くので、これから色々あるかも。
さて展覧会の正式なタイトルは
日本・オーストリア外交樹立150周年記念
ウィーン・モダン
クリムト、シーレ 世紀末への道
と、やたら長い。またキャッチコピーが
ウィーン世紀末の全貌を
まだ、あなたは知らない。
と意味ありげである。
ところで英語のタイトルだとPath to Modernismと「世紀末」じゃないのだけれど。モダニズムより世紀末のほうがキャッチーだと考えたのか、あるいはクリムトやエゴン・シーレの紹介に世紀末という言葉がお約束になっているのか。
この展覧会は絵画が基本となっているものの、18世紀中頃から19世紀末そして20世紀初頭のアートというかウィーンの文化のアレコレを紹介しようという意欲的、言い換えれば少々欲張った企画だった。
絵の他に展示されていたのはファッション、家具、食器、アクセサリー、建築関連、ポスターなど様々。興味深く面白かったが、ひと通り理解するには3回くらい訪れる必要があるかなあ。
もちろん展覧会には1回しか行っていないし、すべてをブログにまとめるのは大変なので絵画を中心に書いていく予定。
絵画でメインになっているのは当然ながらクリムトとエゴン・シーレ。この展覧会には私の好きな金箔キラキラ（でかつ美しい）クリムトの作品は出展されていない。エゴン・シーレはゴツゴツした画風がちょっと苦手。だから当初は行くつもりはなかった。しかしクリムト展で、あまり馴染みのなかったクリムト以外のウィーンの画家の作品がよかったものだから、またそういう出会いがあるかなと期待して。
ーーー続く
美術館入り口の前に見慣れないものがあった。
茶室？ 解説の類いは一切なし。
いかにも「すごいアートだろう」とドヤ顔している作品。でも国立新美術館はガラスの建物としては相当にレベルが高い。それとセットじゃキャラが被り負けしている(^^ゞ 金閣寺の境内にでも展示すればよかったんじゃない？
先月は東京都美術館でクリムト展を見た。めずらしくオーストリアの展覧会が続く。これはウィーン・ミュージアムという大きな美術館が、今年の2月から改修工事で休館になり作品が貸し出されている模様。工事は2023年まで続くので、これから色々あるかも。
さて展覧会の正式なタイトルは
日本・オーストリア外交樹立150周年記念
ウィーン・モダン
クリムト、シーレ 世紀末への道
と、やたら長い。またキャッチコピーが
ウィーン世紀末の全貌を
まだ、あなたは知らない。
と意味ありげである。
ところで英語のタイトルだとPath to Modernismと「世紀末」じゃないのだけれど。モダニズムより世紀末のほうがキャッチーだと考えたのか、あるいはクリムトやエゴン・シーレの紹介に世紀末という言葉がお約束になっているのか。
この展覧会は絵画が基本となっているものの、18世紀中頃から19世紀末そして20世紀初頭のアートというかウィーンの文化のアレコレを紹介しようという意欲的、言い換えれば少々欲張った企画だった。
絵の他に展示されていたのはファッション、家具、食器、アクセサリー、建築関連、ポスターなど様々。興味深く面白かったが、ひと通り理解するには3回くらい訪れる必要があるかなあ。
もちろん展覧会には1回しか行っていないし、すべてをブログにまとめるのは大変なので絵画を中心に書いていく予定。
絵画でメインになっているのは当然ながらクリムトとエゴン・シーレ。この展覧会には私の好きな金箔キラキラ（でかつ美しい）クリムトの作品は出展されていない。エゴン・シーレはゴツゴツした画風がちょっと苦手。だから当初は行くつもりはなかった。しかしクリムト展で、あまり馴染みのなかったクリムト以外のウィーンの画家の作品がよかったものだから、またそういう出会いがあるかなと期待して。
ーーー続く
wassho at 19:53｜Permalink│Comments(0)│
2019年07月18日
クリムト展 ウィーンと日本 1900 その5
クリムトというと女性を描いた絵のイメージが強いが、作品の1/4は風景画とのこと。ただし風景画を描いたのは次の1898年の作品が最初。
「雨後（鶏のいるザンクト・アガータの庭）」 1898年
「アッター湖畔のカンマー城 III」 1909〜1910年
「丘の見える庭の風景」 1916年頃
あえてカテゴリー分けするとしたら印象派に近い作風かな。クリムトの風景画といわれても、あまりピンとこなかったのが正直なところ。ところで「雨後」以降の風景画はすべて正方形のキャンバスに描かれているそうだ。21世紀のインスタ時代を先取りしていたりして。
1900年から1910年くらいがクリムトに1番脂がのっていた時期だと思う。世紀末的な表現、あるいは金箔を使った女性画もその頃に描かれた。この展覧会で、そういうザ・クリムト的な作品は
「ユディト 1」 1901年
「ベートーヴェン・フリーズ」 1902年
「女の三世代」 1905年
の3点しかなかったのが残念なところ。「ベートーヴェン・フリーズ」が規格外の超大作だから満腹感はあったものの、メインディッシュの品揃えとしてはもの足らない。
ところでこの展覧会は年代別の展示ではなく、けっこう複雑なテーマ設定で細かく作品を分類している。
クリムトとその家族
修業時代と劇場装飾
私生活
ウィーンと日本 1900
ウィーン分離派
風景画
肖像画
生命の円環
ブログでは一部の作品しか紹介しないので年代順に並べてみたが、ひょっとしたらこの構成はメインディッシュが少ないのをカモフラージュする苦肉の策だったのかもしれない。だとしたらよくできている。
晩年の作品をいくつか。
何か実験的な画風のようにも思える。
「オイゲニア・プリマフェージの肖像」 1913〜14年
「赤子（ゆりかご）」 1917年
「白い服の女」 1917〜1918年 ※未完成作品
クリムトの知名度はかなりのものだと思うが、意外にも日本での展覧会は過去に3回だけらしい。しかも東京で開かれたのは1981年だから約40年ぶりになる。貴重な体験だったと思うし、クリムトのいろいろな面を知ることができてよかった。
ところで展覧会サブタイトルの「ウィーンと日本 1900」の「1900」は19世紀の終わり＝世紀末が1900年だからなんだろうが、わかりにくい表現である。そして「ウィーンと日本」については、別に2つの国の作品を対比していたわけではないので（参考出品的にいくつか日本のものがあっただけ）、展覧会の内容をまったく表していない。まとめていえば「ウィーンと日本 1900」はまったくもっておかしなタイトルである。展覧会の構成をアーダコーダと考えるうちに、タイトルまで煮詰まったのかな？
おしまい
「雨後（鶏のいるザンクト・アガータの庭）」 1898年
「アッター湖畔のカンマー城 III」 1909〜1910年
「丘の見える庭の風景」 1916年頃
あえてカテゴリー分けするとしたら印象派に近い作風かな。クリムトの風景画といわれても、あまりピンとこなかったのが正直なところ。ところで「雨後」以降の風景画はすべて正方形のキャンバスに描かれているそうだ。21世紀のインスタ時代を先取りしていたりして。
1900年から1910年くらいがクリムトに1番脂がのっていた時期だと思う。世紀末的な表現、あるいは金箔を使った女性画もその頃に描かれた。この展覧会で、そういうザ・クリムト的な作品は
「ユディト 1」 1901年
「ベートーヴェン・フリーズ」 1902年
「女の三世代」 1905年
の3点しかなかったのが残念なところ。「ベートーヴェン・フリーズ」が規格外の超大作だから満腹感はあったものの、メインディッシュの品揃えとしてはもの足らない。
ところでこの展覧会は年代別の展示ではなく、けっこう複雑なテーマ設定で細かく作品を分類している。
クリムトとその家族
修業時代と劇場装飾
私生活
ウィーンと日本 1900
ウィーン分離派
風景画
肖像画
生命の円環
ブログでは一部の作品しか紹介しないので年代順に並べてみたが、ひょっとしたらこの構成はメインディッシュが少ないのをカモフラージュする苦肉の策だったのかもしれない。だとしたらよくできている。
晩年の作品をいくつか。
何か実験的な画風のようにも思える。
「オイゲニア・プリマフェージの肖像」 1913〜14年
「赤子（ゆりかご）」 1917年
「白い服の女」 1917〜1918年 ※未完成作品
クリムトの知名度はかなりのものだと思うが、意外にも日本での展覧会は過去に3回だけらしい。しかも東京で開かれたのは1981年だから約40年ぶりになる。貴重な体験だったと思うし、クリムトのいろいろな面を知ることができてよかった。
ところで展覧会サブタイトルの「ウィーンと日本 1900」の「1900」は19世紀の終わり＝世紀末が1900年だからなんだろうが、わかりにくい表現である。そして「ウィーンと日本」については、別に2つの国の作品を対比していたわけではないので（参考出品的にいくつか日本のものがあっただけ）、展覧会の内容をまったく表していない。まとめていえば「ウィーンと日本 1900」はまったくもっておかしなタイトルである。展覧会の構成をアーダコーダと考えるうちに、タイトルまで煮詰まったのかな？
おしまい
wassho at 08:49｜Permalink│Comments(0)│
2019年07月16日
クリムト展 ウィーンと日本 1900 その4
ウィーン分離派は1902年4月に、後にベートーヴェン展と呼ばれる第14回の展覧会を開く。5万8000人の入場者を記録し、ウィーン分離派の展覧会史上で最大の成功を収めた。
この展覧会の特徴はまず総合芸術を志向したこと。もっともカバーした分野は絵画、彫像、装飾品、家具なので、今日の感覚だとそれほど「総合」じゃない。もう一つの特徴はテーマの統一。出展する芸術家には展覧会のテーマに沿った作品の制作を依頼した。個々の作品の展示ではなく、展覧会そのものをひとつのアートにする試み。
そのテーマに選ばれたのが作曲家のベートーヴェン。そしてクリムトが描いたのはベートーヴェンの交響曲第9番をモチーフにした巨大な壁画。日本じゃ年末によく聴くその第4楽章の独唱・合唱はシラーの詩がベースとなっている。ひょっとしたら音楽と文学も総合芸術としてカバーしたかったのかもしれない。
クリムトの壁画はベートーヴェン・フリーズとのタイトル。お願いベートーヴェンのプリーズじゃなくてフリーズ。スペルはfriezeで初めて見る単語。調べてみると建築用語で、こういう古典的な建築の浮き彫り部分のこと。
また転じて室内では天井近くの壁の装飾もフリーズという。クリムトのフリーズはそちらの意味だろう。和訳は帯状装飾、装飾帯など。
ベートーヴェン展の終了後に壁画は取り壊されるはずだったがコレクターに買い取られた。壁画といっても展覧会用の間仕切りの壁だったため分解できたみたい。現在は修復されて再びセセッション館に展示されている。今回の展覧会にやってきたのは1984年に制作された原寸大の複製。サイズは縦が2メートルで全長は34メートル。
ベートーヴェン・フリーズの全体像。部屋の3面を壁画が取り囲んでいるが、正面以外は空白部分が多いので、全体を俯瞰すると間延びして迫力に欠ける印象は否めない。
写真は https://www.cinra.net/report/201904-klimt から引用。
壁画は左、正面、右の順にストーリー立てられている。
左壁は「幸福への憧れ」というサブタイトル。
正面は「敵対する勢力」。
正面左側と、さらにその一部をアップで。
右壁は「歓喜の歌」。空飛ぶ天女？が続いた後に合唱シーン。
メインの部分をアップで。
超簡単にストーリーを書いておくと
左壁：弱いものに助けを求められ騎士が立ち上がる。
正面：ゴリラみたいなのはギリシャ神話に出てくる悪の化身テュフォン。
右側に伸びる翼や蛇の胴体のようなもののもテュフォンの身体である。
テュフォンの周りにいるのはあれこれ誘惑してくるダークサイドの女神たち。
テュフォンをどう打ち破ったのかが省略されているのだがーーー
右壁：ハッピーエンドの歓喜シーン。
弱いものを人類と置き換えると、いわゆる「救済」のようなことがテーマなんだと思う。ただ右壁で裸になって女性と抱き合っているのが左壁の騎士らしいので、弱いものはどこへ行った？という気もするが。
絵としては楽しめた。空白部分に物足りなさはあっても、なんたって全長は34メートルもある。テュフォンや歓喜のシーンの前に立てば大画面で絵が迫ってくる。もう少しエロく描いて欲しかった気はするけれど(^^ゞ
ただ、これがベートーヴェンの第九をモチーフにしたといわれると、何とも感想を述べづらい。少なくとも私の耳にはもっと別の音楽が聞こえてくる。
「ユディト 1」もそうだがクリムトにとってモチーフは、創作のスイッチを入れてくれるきっかけに過ぎず、いったんスイッチが入った後は自分の感性を発露することが大事で、モチーフ自体は別にどうでもいい存在のようにも思える。あるいは、あるモチーフに対して人と同じようには絶対に描かないぞとの気持ちがあったのか。
それはよくわからないとして、とりあえずクリムトのヘンチクリンな画風が大好きな私は、三方を彼の絵に取り囲まれて満足な気持ちだった。
ただし当時の評判はというと
コケた(/o＼)
ただコケたどころじゃなくオオゴケの大炎上。クリムトの世紀末的表現が不道徳なものにうつったようだ。（男女の性器や精子と卵子も描かれているらしいが、それがどこなのかよくわからず） それにベートーヴェンはドイツ人でも、ウィーンで活躍していたのでオーストリアの国民的英雄でもある。それをこんな風に茶化しやがってと反発されたのかもしれない。
参考までに、こちらが好評だったメイン展示であるマックス・クリンガーのベートーヴェン像。当時の市民はこういうものを望んでいたのだ。クリムトが描いた方向性が嫌われたのもさることながら、抽象化という表現方法もまだ理解されなかったのだと思う。
ベートーヴェン・フリーズでクリムトは世間から非難されただけではなく、ウイーン分離派内部からも批判する声が上がり、それが数年後にクリムトとその一派が脱退して分裂する事態を招く。
それをきっかけにクリムトは画壇を率いるなんて政治的な活動から身を引き、画家として「女」や「エロス」といったテーマにのめり込んでいくことになる。本人にとって分裂は不本意だったとしても、それが「アデーレ・ブロッホ＝バウアーの肖像」や「接吻」といった名作につながったのだとしたら、まさに塞翁が馬である。
ーーー続く
この展覧会の特徴はまず総合芸術を志向したこと。もっともカバーした分野は絵画、彫像、装飾品、家具なので、今日の感覚だとそれほど「総合」じゃない。もう一つの特徴はテーマの統一。出展する芸術家には展覧会のテーマに沿った作品の制作を依頼した。個々の作品の展示ではなく、展覧会そのものをひとつのアートにする試み。
そのテーマに選ばれたのが作曲家のベートーヴェン。そしてクリムトが描いたのはベートーヴェンの交響曲第9番をモチーフにした巨大な壁画。日本じゃ年末によく聴くその第4楽章の独唱・合唱はシラーの詩がベースとなっている。ひょっとしたら音楽と文学も総合芸術としてカバーしたかったのかもしれない。
クリムトの壁画はベートーヴェン・フリーズとのタイトル。お願いベートーヴェンのプリーズじゃなくてフリーズ。スペルはfriezeで初めて見る単語。調べてみると建築用語で、こういう古典的な建築の浮き彫り部分のこと。
また転じて室内では天井近くの壁の装飾もフリーズという。クリムトのフリーズはそちらの意味だろう。和訳は帯状装飾、装飾帯など。
ベートーヴェン展の終了後に壁画は取り壊されるはずだったがコレクターに買い取られた。壁画といっても展覧会用の間仕切りの壁だったため分解できたみたい。現在は修復されて再びセセッション館に展示されている。今回の展覧会にやってきたのは1984年に制作された原寸大の複製。サイズは縦が2メートルで全長は34メートル。
ベートーヴェン・フリーズの全体像。部屋の3面を壁画が取り囲んでいるが、正面以外は空白部分が多いので、全体を俯瞰すると間延びして迫力に欠ける印象は否めない。
写真は https://www.cinra.net/report/201904-klimt から引用。
壁画は左、正面、右の順にストーリー立てられている。
左壁は「幸福への憧れ」というサブタイトル。
正面は「敵対する勢力」。
正面左側と、さらにその一部をアップで。
右壁は「歓喜の歌」。空飛ぶ天女？が続いた後に合唱シーン。
メインの部分をアップで。
超簡単にストーリーを書いておくと
左壁：弱いものに助けを求められ騎士が立ち上がる。
正面：ゴリラみたいなのはギリシャ神話に出てくる悪の化身テュフォン。
右側に伸びる翼や蛇の胴体のようなもののもテュフォンの身体である。
テュフォンの周りにいるのはあれこれ誘惑してくるダークサイドの女神たち。
テュフォンをどう打ち破ったのかが省略されているのだがーーー
右壁：ハッピーエンドの歓喜シーン。
弱いものを人類と置き換えると、いわゆる「救済」のようなことがテーマなんだと思う。ただ右壁で裸になって女性と抱き合っているのが左壁の騎士らしいので、弱いものはどこへ行った？という気もするが。
絵としては楽しめた。空白部分に物足りなさはあっても、なんたって全長は34メートルもある。テュフォンや歓喜のシーンの前に立てば大画面で絵が迫ってくる。もう少しエロく描いて欲しかった気はするけれど(^^ゞ
ただ、これがベートーヴェンの第九をモチーフにしたといわれると、何とも感想を述べづらい。少なくとも私の耳にはもっと別の音楽が聞こえてくる。
「ユディト 1」もそうだがクリムトにとってモチーフは、創作のスイッチを入れてくれるきっかけに過ぎず、いったんスイッチが入った後は自分の感性を発露することが大事で、モチーフ自体は別にどうでもいい存在のようにも思える。あるいは、あるモチーフに対して人と同じようには絶対に描かないぞとの気持ちがあったのか。
それはよくわからないとして、とりあえずクリムトのヘンチクリンな画風が大好きな私は、三方を彼の絵に取り囲まれて満足な気持ちだった。
ただし当時の評判はというと
コケた(/o＼)
ただコケたどころじゃなくオオゴケの大炎上。クリムトの世紀末的表現が不道徳なものにうつったようだ。（男女の性器や精子と卵子も描かれているらしいが、それがどこなのかよくわからず） それにベートーヴェンはドイツ人でも、ウィーンで活躍していたのでオーストリアの国民的英雄でもある。それをこんな風に茶化しやがってと反発されたのかもしれない。
参考までに、こちらが好評だったメイン展示であるマックス・クリンガーのベートーヴェン像。当時の市民はこういうものを望んでいたのだ。クリムトが描いた方向性が嫌われたのもさることながら、抽象化という表現方法もまだ理解されなかったのだと思う。
ベートーヴェン・フリーズでクリムトは世間から非難されただけではなく、ウイーン分離派内部からも批判する声が上がり、それが数年後にクリムトとその一派が脱退して分裂する事態を招く。
それをきっかけにクリムトは画壇を率いるなんて政治的な活動から身を引き、画家として「女」や「エロス」といったテーマにのめり込んでいくことになる。本人にとって分裂は不本意だったとしても、それが「アデーレ・ブロッホ＝バウアーの肖像」や「接吻」といった名作につながったのだとしたら、まさに塞翁が馬である。
ーーー続く
wassho at 20:59｜Permalink│Comments(0)│
2019年07月15日
クリムト展 ウィーンと日本 1900 その3
この頃のヨーロッパではフランスの印象派やアールヌーボー、イギリスではラファエル前派などの新しいムーブメントが起きていた時期。でもオーストリアではウィーン造形芸術家協会という保守的な団体が牛耳っていて、そういうものを認めていなかった。
1897年4月にクリムトを中心とした若手芸術家が反旗を翻しウィーン分離派を結成する。正式名称はオーストリア造形芸術家協会で、ウィーンより大きな名前をつけているところが面白い。当時のクリムトは34歳。ウィーン分離派の初代会長を務めた。
まあ若手が反発するなんてよくある話。でもオーストリアでちょっと事情が違うのは、ウィーン造形芸術家協会がキュンストラーハウスという自前の展示場を持っていたこと。ウィーンで絵の展覧会を開く場所などいくらでもあると思うが、どうもこれが問題だったみたい。つまりウィーン造形芸術家協会から脱退したウィーン分離派は、同時に展覧会会場から閉め出されてしまう。
しかしこの問題は1898年にウィーン分離派が、富豪でオーストリア近代産業の父とも称されるカール・ウィトゲンシュタインの援助を得て、セセッション館（分離派会館）を建設することであっさり解決する。たまたまトントン拍子で話が進んだのか、事前に根回しをしてからウィーン分離派を立ち上げたのかは興味あるところ。ただウィーン分離派の第1回展覧会には皇帝フランツ・ヨーゼフも訪れているから、他の新興アートムーブメントと違って最初からかなりの力を持った団体だったのは確かかと思う。
これがキュンストラーハウス。日本語ではクンストラーハウスとも。またウィーン造形芸術家協会をキュンストラーハウスと言い換えることが多い。政治のことを永田町と呼ぶのと同じ。そこから代名詞的存在になるくらいこの建物に存在感があったとわかる
セセッション館。屋上にあるのは「月桂樹のドーム」だが市民からは「金のキャベツ」と呼ばれているらしい。東京では浅草に「金のウ〇コ」が屋根に乗ったビルがあるけど(^^ゞ
「ヌーダ・ヴェリタス（裸の真実）」 1899年
ウィーン分離派は1898年から1905年の7年間に23回の展覧会を開催している。建設が間に合わなかった初回を除いて場所はもちろんセセッション館。この作品は第4回に出展された。絵の上部に書かれている文字はドイツの詩人シラーの「歓喜に寄す」からの引用で
おのれの振る舞いや作品を、皆が気に入ることがあるか？
わかってくれる人は一握りでいい。
大勢に好かれるようではだめだ。
ほんの少数の人にだけ喜びを与えよ。
多くの人の意に叶うものは劣悪である。
というような内容が書かれている。ウィーン分離派を立ち上げたクリムトの心意気が現れているに違いない。ついでに言うと、このブログもそんなつもりで書いている(^^ゞ
しかし、そんな力強いメッセージを込めているのにヌードだし、顔の周りにはお花が散りばめてあるところが愛すべきクリムトかな。 足下に描かれているのはヘビ？ウナギ？ しかし考えてみれば、こんなヌードの女性にああいうことを言われるからこそ、問い詰められたような気分になるのかもしれない。
ちなみに彼女が手に持っているのは、私には小型のスポットライトにしか見えなかったのだが、もちろんそんなものはこの時代に存在しない。調べてみると手鏡だった。ということは自分の顔を見ながら問い詰められるわけで、それを知るとこの絵に凄味のようなものも感じてくる。
※パソコンで細長い絵は小さく表示されてしまうので、クリックして拡大をお勧めする。
「ユディト 1」 1901年
ユディトとは旧約聖書に登場する女性。敵の将軍を誘惑し泥酔させ、その首を切り落としたいうユダヤ人にとっての英雄。その伝説はいろんな画家がテーマにしている。そういうシーンだから絵もショッキングなものにならざるを得ない。なのにクリムトのユディトはひたすら官能的。ちょっと歳食っているけど(^^ゞ ネットや雑誌でチラッとこの絵を見ただけなら、右下にある生首に気がつかない人も多いんじゃないかな。それに部分的にしか描かれていないから、ユディトのことを知らなければ生首に見えないかもしれない。
敵の将軍を誘惑してから殺害したのだから、こんなエロい表情をしてもおかしくないが（描かれているのが首を取った後なのは別として）ユディトをこのように仕上げるのは、例えば富士山のタイトルで、あの山の形ではなく登山道だけを描くようなものである。変わり者と創造性は紙一重ということなんだろう。
この絵には金箔が使われている。日本の琳派の影響を受けたともされているが、首回りの立体感がなくなるなどお構いなしにベタッと貼り付けているのも独創的。金箔を使ったクリムトの作品は「黄金様式」とか「黄金時代」などと呼ばれる。「ユディト 1」はその最初の作品となる。残念なのはこの展覧会では日本で過去最多となる25点のクリムトの油彩画を揃えたのにもかかわらず、黄金様式はこの「ユディト 1」だけだった。もう何点かは見たかったな。
「人生は戦いなり(黄金の騎士）」 1903年
正確に言うとこれも黄金様式の作品。でも使われているには下辺の部分だけだし、女性が描かれていないし。馬上で硬直したようになっている騎士はクリムト自身で、保守勢力とのイザコザにたち向かう姿だとの解釈もある。しかしなんとなく元気がなさそうに思えるのは馬の描き方のせいだろうか。尻尾のあたりも何かヘン。
「女の三世代」 1905年
タイトル通り子供と母親と婆さんの三世代の女性が描かれた作品。ロダンの彫刻「老いた娼婦」にインスパイアされたといわれている。手前の母娘と老婆の対比がなんとなく残酷。
言いたいことは一目でわかるから、絵の細かな表現であれこれ論じるのはヤボというもの。それでこのヘビーなテーマにもかかわらず、甘美なクリムトワールドが演出されているところがお見事。そしてしばらく眺めていると、醜く描かれた老婆の身体も美しく見えてくるから不思議。そういうところがクリムトマジック。
参考までにこれがロダンの「老いた娼婦」。
「女ともだち 1(姉妹たち）」 1907年
こういう縦長のキャンバス、かつ女性が振り返っているポーズだと、日本人はつい「浮世絵の影響」なんて言いがち。
「家族」 1907年
これも死と向き合った作品といわれている。黒い毛布？が画面のほとんどを占めているのが異様に感じられても、よほど解説されないと絵からそういうメッセージとを読み解くのは難しい。
箸休めに同時期の他の画家の作品を。
前回も書いたようにオーストリアの絵にはなじみが薄く、クリムトとエゴン・シーレくらいしか知らなかったが、意外と私好みの絵が多くてうれしい。
「ミラ・バウアー」 マックス・クルツヴァイル 1907年
「エルザ・ガラフレ」 オットー・フリードリヒ 1908年
「ガブリエル・ガリア」 オットー・フリードリヒ 1910年頃
ーーー続く
1897年4月にクリムトを中心とした若手芸術家が反旗を翻しウィーン分離派を結成する。正式名称はオーストリア造形芸術家協会で、ウィーンより大きな名前をつけているところが面白い。当時のクリムトは34歳。ウィーン分離派の初代会長を務めた。
まあ若手が反発するなんてよくある話。でもオーストリアでちょっと事情が違うのは、ウィーン造形芸術家協会がキュンストラーハウスという自前の展示場を持っていたこと。ウィーンで絵の展覧会を開く場所などいくらでもあると思うが、どうもこれが問題だったみたい。つまりウィーン造形芸術家協会から脱退したウィーン分離派は、同時に展覧会会場から閉め出されてしまう。
しかしこの問題は1898年にウィーン分離派が、富豪でオーストリア近代産業の父とも称されるカール・ウィトゲンシュタインの援助を得て、セセッション館（分離派会館）を建設することであっさり解決する。たまたまトントン拍子で話が進んだのか、事前に根回しをしてからウィーン分離派を立ち上げたのかは興味あるところ。ただウィーン分離派の第1回展覧会には皇帝フランツ・ヨーゼフも訪れているから、他の新興アートムーブメントと違って最初からかなりの力を持った団体だったのは確かかと思う。
これがキュンストラーハウス。日本語ではクンストラーハウスとも。またウィーン造形芸術家協会をキュンストラーハウスと言い換えることが多い。政治のことを永田町と呼ぶのと同じ。そこから代名詞的存在になるくらいこの建物に存在感があったとわかる
セセッション館。屋上にあるのは「月桂樹のドーム」だが市民からは「金のキャベツ」と呼ばれているらしい。東京では浅草に「金のウ〇コ」が屋根に乗ったビルがあるけど(^^ゞ
「ヌーダ・ヴェリタス（裸の真実）」 1899年
ウィーン分離派は1898年から1905年の7年間に23回の展覧会を開催している。建設が間に合わなかった初回を除いて場所はもちろんセセッション館。この作品は第4回に出展された。絵の上部に書かれている文字はドイツの詩人シラーの「歓喜に寄す」からの引用で
おのれの振る舞いや作品を、皆が気に入ることがあるか？
わかってくれる人は一握りでいい。
大勢に好かれるようではだめだ。
ほんの少数の人にだけ喜びを与えよ。
多くの人の意に叶うものは劣悪である。
というような内容が書かれている。ウィーン分離派を立ち上げたクリムトの心意気が現れているに違いない。ついでに言うと、このブログもそんなつもりで書いている(^^ゞ
しかし、そんな力強いメッセージを込めているのにヌードだし、顔の周りにはお花が散りばめてあるところが愛すべきクリムトかな。 足下に描かれているのはヘビ？ウナギ？ しかし考えてみれば、こんなヌードの女性にああいうことを言われるからこそ、問い詰められたような気分になるのかもしれない。
ちなみに彼女が手に持っているのは、私には小型のスポットライトにしか見えなかったのだが、もちろんそんなものはこの時代に存在しない。調べてみると手鏡だった。ということは自分の顔を見ながら問い詰められるわけで、それを知るとこの絵に凄味のようなものも感じてくる。
※パソコンで細長い絵は小さく表示されてしまうので、クリックして拡大をお勧めする。
「ユディト 1」 1901年
ユディトとは旧約聖書に登場する女性。敵の将軍を誘惑し泥酔させ、その首を切り落としたいうユダヤ人にとっての英雄。その伝説はいろんな画家がテーマにしている。そういうシーンだから絵もショッキングなものにならざるを得ない。なのにクリムトのユディトはひたすら官能的。ちょっと歳食っているけど(^^ゞ ネットや雑誌でチラッとこの絵を見ただけなら、右下にある生首に気がつかない人も多いんじゃないかな。それに部分的にしか描かれていないから、ユディトのことを知らなければ生首に見えないかもしれない。
敵の将軍を誘惑してから殺害したのだから、こんなエロい表情をしてもおかしくないが（描かれているのが首を取った後なのは別として）ユディトをこのように仕上げるのは、例えば富士山のタイトルで、あの山の形ではなく登山道だけを描くようなものである。変わり者と創造性は紙一重ということなんだろう。
この絵には金箔が使われている。日本の琳派の影響を受けたともされているが、首回りの立体感がなくなるなどお構いなしにベタッと貼り付けているのも独創的。金箔を使ったクリムトの作品は「黄金様式」とか「黄金時代」などと呼ばれる。「ユディト 1」はその最初の作品となる。残念なのはこの展覧会では日本で過去最多となる25点のクリムトの油彩画を揃えたのにもかかわらず、黄金様式はこの「ユディト 1」だけだった。もう何点かは見たかったな。
「人生は戦いなり(黄金の騎士）」 1903年
正確に言うとこれも黄金様式の作品。でも使われているには下辺の部分だけだし、女性が描かれていないし。馬上で硬直したようになっている騎士はクリムト自身で、保守勢力とのイザコザにたち向かう姿だとの解釈もある。しかしなんとなく元気がなさそうに思えるのは馬の描き方のせいだろうか。尻尾のあたりも何かヘン。
「女の三世代」 1905年
タイトル通り子供と母親と婆さんの三世代の女性が描かれた作品。ロダンの彫刻「老いた娼婦」にインスパイアされたといわれている。手前の母娘と老婆の対比がなんとなく残酷。
言いたいことは一目でわかるから、絵の細かな表現であれこれ論じるのはヤボというもの。それでこのヘビーなテーマにもかかわらず、甘美なクリムトワールドが演出されているところがお見事。そしてしばらく眺めていると、醜く描かれた老婆の身体も美しく見えてくるから不思議。そういうところがクリムトマジック。
参考までにこれがロダンの「老いた娼婦」。
「女ともだち 1(姉妹たち）」 1907年
こういう縦長のキャンバス、かつ女性が振り返っているポーズだと、日本人はつい「浮世絵の影響」なんて言いがち。
「家族」 1907年
これも死と向き合った作品といわれている。黒い毛布？が画面のほとんどを占めているのが異様に感じられても、よほど解説されないと絵からそういうメッセージとを読み解くのは難しい。
箸休めに同時期の他の画家の作品を。
前回も書いたようにオーストリアの絵にはなじみが薄く、クリムトとエゴン・シーレくらいしか知らなかったが、意外と私好みの絵が多くてうれしい。
「ミラ・バウアー」 マックス・クルツヴァイル 1907年
「エルザ・ガラフレ」 オットー・フリードリヒ 1908年
「ガブリエル・ガリア」 オットー・フリードリヒ 1910年頃
ーーー続く
wassho at 14:47｜Permalink│Comments(0)│
2019年07月13日
クリムト展 ウィーンと日本 1900 その2
展覧会の構成は少々複雑だったので、このブログではできるだけクリムトの作品を年代順に追ってみることにした。
「男性裸体像」 1883年
いきなりの男性ヌードでビックリした？ 会場では同じような作品が3点展示されていて私もビックリした。もっとも男性ヌードにも駆け出しの頃のクリムトの作品にも興味はない。だからチラッと見るだけにしようと思った。しかし考えてみると男性ヌードを見る機会はあまりない。それでこれも勉強と列に並んでじっくり見ることに。
ところでクリムトの展覧会には若い女性客が多い。行列で彼女らに挟まれて3本のチンチンを見るのは妙な気分。下半身というくらいでアレは下についているイメージがあるが、考えてみれば身体のほぼ中央にある。つまり絵だと画面センターに位置するから、接近するとドーンと目に飛び込んでくる(^^ゞ とりあえず構図の勉強にはなったかも。
クリムトは劇場装飾の仕事でアーチストとしてのキャリアをスタートさせた。次の2つはその頃の作品。天井画や緞帳（どんちょう）のための下絵だからラフな仕上がり。でも制作の舞台裏をのぞいているようで楽しめた。
「音楽の寓意のための下絵(オルガン奏者）」 1885年
「カールスバート市立劇場の緞帳のためのデザイン」 1884〜85年
今まで模写とは画家が修業のためにするものと思っていたが、この展覧会で仕事としての模写もあると知った。絵が傷んできたとか、複製でもいいから名画を飾りたいなどがそのニーズ。展示されていたのはクリムトが城の室内装飾の一環として引き受けたティツィアーノの「イザベラ・デステの肖像」を模写した作品。
イザベラ・デステはルネサンス期の有名な女性で、ダ・ビンチやルーベンスも肖像画を描いている。ティツィアーノの本物を見たことはないけれど、クリムトの模写はわずかに顔がふっくらしているかな。
ところでクリムトの模写の画像はいいのがなかったので、ここに貼っているのは本家ティツィアーノの「イザベラ・デステの肖像」。精巧な模写だからブログの小さなサイズじゃ変わりないって。
「イザベラ・デステの肖像」 ティツィアーノ・ヴェチェッリオ 1536年
クリムトが模写したのは1884年
ちなみにティツィアーノが描いた時、イザベラ・デステは60歳過ぎ。しかし彼女は40歳若く描くように依頼したという。なんとご無体な(^^ゞ
当時の他の画家の作品を何点か。
ウィーンは音楽の都で絵のイメージはあまり持っていなかったものの、なかなかイイ感じ。
「装飾的な花束」 ハンス・マカルト 1884年
「アトリエ」 ユリウス・ヴィクトル・ベルガー 1902年
「室内にいる日本の女」 ユリウス・ヴィクトル・ベルガー 1902年
「アトリエ」は日本＆中国的な雰囲気で「室内にいる日本の女」はもちろんはっきりと日本をテーマにしている。描かれている女性はヨーロッパ各地で公演をしていた劇団の踊り子らしい。芸者と説明している資料もある。それにしても明治の初めにもうヨーロッパ公演をしている人達がいたんだ。
この頃のヨーロッパはジャポニスムがブーム。有名なのは印象派の画家たちだがクリムトもかなりの影響を受けたとされる。
次の絵はクリムトと日本文化の関わりを示す最も初期の作品といわれている。絵を見てどこが？と思うでしょ。もっとじっくり絵を見てーーーもわかりません。なぜならその理由は額縁に日本的な植物が描かれているから。ちょっと反則やわ(^^ゞ 描かれているのは前回に紹介したクリムトのパートナーであるエミーリエ・フレーゲ。
「17歳のエミーリエ・フレーゲの肖像」 1891年
こちらは姪のヘレーネを描いた作品。この頃には既によく知る「クリムトの画風」の作品も描いている。しかしエミーリエやヘレーネの肖像画を見ると、あの画風に到達しなくてもクリムトは後世に名を残す画家になっていただろうと思う。
「ヘレーネ・クリムトの肖像」 1898年
クリムトは1894年にウィーン大学から「医学」「法学」「哲学」をテーマとした3つの天井画の依頼を受ける。今ではそれらはクリムトの代表作と見なされているものの、大学のアカデミックな期待と違って、世紀末的なクリムトワールド全開だったため当時は非難ごうごうに。最終的には取り外され、クリムトは報酬も返却した。その後に作品は個人に売却され、第二次世界大戦でナチスに没収され、ナチス撤退の際の火災で焼失。
展示されていたのは「医学」のために制作された下絵。これが何ともいえず惹きつけられる魅力があって、不気味な絵は苦手なのにしばらく見入ってしまった。
「医学のための習作」 1897〜98年
三部作で現存しているのは白黒の写真のみ。
実に残念な文化遺産の消失である。
「医学」 1899〜1907年
「法学」 1899〜1907年
「哲学」 1899〜1907年
（この写真は展覧会の展示作品ではない）
ーーー続く
「男性裸体像」 1883年
いきなりの男性ヌードでビックリした？ 会場では同じような作品が3点展示されていて私もビックリした。もっとも男性ヌードにも駆け出しの頃のクリムトの作品にも興味はない。だからチラッと見るだけにしようと思った。しかし考えてみると男性ヌードを見る機会はあまりない。それでこれも勉強と列に並んでじっくり見ることに。
ところでクリムトの展覧会には若い女性客が多い。行列で彼女らに挟まれて3本のチンチンを見るのは妙な気分。下半身というくらいでアレは下についているイメージがあるが、考えてみれば身体のほぼ中央にある。つまり絵だと画面センターに位置するから、接近するとドーンと目に飛び込んでくる(^^ゞ とりあえず構図の勉強にはなったかも。
クリムトは劇場装飾の仕事でアーチストとしてのキャリアをスタートさせた。次の2つはその頃の作品。天井画や緞帳（どんちょう）のための下絵だからラフな仕上がり。でも制作の舞台裏をのぞいているようで楽しめた。
「音楽の寓意のための下絵(オルガン奏者）」 1885年
「カールスバート市立劇場の緞帳のためのデザイン」 1884〜85年
今まで模写とは画家が修業のためにするものと思っていたが、この展覧会で仕事としての模写もあると知った。絵が傷んできたとか、複製でもいいから名画を飾りたいなどがそのニーズ。展示されていたのはクリムトが城の室内装飾の一環として引き受けたティツィアーノの「イザベラ・デステの肖像」を模写した作品。
イザベラ・デステはルネサンス期の有名な女性で、ダ・ビンチやルーベンスも肖像画を描いている。ティツィアーノの本物を見たことはないけれど、クリムトの模写はわずかに顔がふっくらしているかな。
ところでクリムトの模写の画像はいいのがなかったので、ここに貼っているのは本家ティツィアーノの「イザベラ・デステの肖像」。精巧な模写だからブログの小さなサイズじゃ変わりないって。
「イザベラ・デステの肖像」 ティツィアーノ・ヴェチェッリオ 1536年
クリムトが模写したのは1884年
ちなみにティツィアーノが描いた時、イザベラ・デステは60歳過ぎ。しかし彼女は40歳若く描くように依頼したという。なんとご無体な(^^ゞ
当時の他の画家の作品を何点か。
ウィーンは音楽の都で絵のイメージはあまり持っていなかったものの、なかなかイイ感じ。
「装飾的な花束」 ハンス・マカルト 1884年
「アトリエ」 ユリウス・ヴィクトル・ベルガー 1902年
「室内にいる日本の女」 ユリウス・ヴィクトル・ベルガー 1902年
「アトリエ」は日本＆中国的な雰囲気で「室内にいる日本の女」はもちろんはっきりと日本をテーマにしている。描かれている女性はヨーロッパ各地で公演をしていた劇団の踊り子らしい。芸者と説明している資料もある。それにしても明治の初めにもうヨーロッパ公演をしている人達がいたんだ。
この頃のヨーロッパはジャポニスムがブーム。有名なのは印象派の画家たちだがクリムトもかなりの影響を受けたとされる。
次の絵はクリムトと日本文化の関わりを示す最も初期の作品といわれている。絵を見てどこが？と思うでしょ。もっとじっくり絵を見てーーーもわかりません。なぜならその理由は額縁に日本的な植物が描かれているから。ちょっと反則やわ(^^ゞ 描かれているのは前回に紹介したクリムトのパートナーであるエミーリエ・フレーゲ。
「17歳のエミーリエ・フレーゲの肖像」 1891年
こちらは姪のヘレーネを描いた作品。この頃には既によく知る「クリムトの画風」の作品も描いている。しかしエミーリエやヘレーネの肖像画を見ると、あの画風に到達しなくてもクリムトは後世に名を残す画家になっていただろうと思う。
「ヘレーネ・クリムトの肖像」 1898年
クリムトは1894年にウィーン大学から「医学」「法学」「哲学」をテーマとした3つの天井画の依頼を受ける。今ではそれらはクリムトの代表作と見なされているものの、大学のアカデミックな期待と違って、世紀末的なクリムトワールド全開だったため当時は非難ごうごうに。最終的には取り外され、クリムトは報酬も返却した。その後に作品は個人に売却され、第二次世界大戦でナチスに没収され、ナチス撤退の際の火災で焼失。
展示されていたのは「医学」のために制作された下絵。これが何ともいえず惹きつけられる魅力があって、不気味な絵は苦手なのにしばらく見入ってしまった。
「医学のための習作」 1897〜98年
三部作で現存しているのは白黒の写真のみ。
実に残念な文化遺産の消失である。
「医学」 1899〜1907年
「法学」 1899〜1907年
「哲学」 1899〜1907年
（この写真は展覧会の展示作品ではない）
ーーー続く
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2019年07月07日
クリムト展 ウィーンと日本 1900
先日に見てきたクリムトの展覧会。
上野公園のさくら通りでアジサイを眺めて、ついでに上野公園には桜が53品種もあることを知ってビックリした後に東京都美術館。窓に大きなポスターのある定番の撮影ポイント。
敷地内に入ると20分待ちの表示。
平日の午後3時前なのに。クリムトは人気あるんだ。
この美術館の入り口には大きな金属球があって(最初の写真にも写っている)、初めて来た人は必ず写真を撮るくらいの人気アートになっている。しかしもう撮り飽きたので、今回はすぐそばにあるこちらを。
金属球は井上武吉の「my sky hole 85-2 光と影」で、こちらは堀内正和の「三本の直方体 B」。周囲を1分ほど観察してみたものの、人気者の金属球に対して直方体は写真撮影はおろか目をやる人もいない Ω＼ζ゜)チーン
ちなみに私はこういうインスタレーション（大型の置物アート）の良さがわからないというか、今までビビッとくるものに出会ったことがないというか、正直にいうとクダランと毛嫌いしている。そこそこの日本庭園にある庭石より優れたインスタレーションがあるなら、ぜひ見に行きたいとは思っているのだが。
美術館の中に入るとチケット売り場はそれほど混雑しておらず。セブンイレブンで事前に購入してあったが、あれは操作に結構時間がかかるので、ここで買った方がよかったかも。
「ラファエル前派の軌跡」の展覧会で書き忘れた話を。
あの時もセブンイレブンでチケットを買っていた。しかし受付で「このチケットでは入場できないのでチケット売り場で当館発行のものと交換してください」と言われた。つまりチケットを持っていてもチケット売り場で並ばなくてはならず、まったく事前に買った意味がない。あの展覧会では企画内容にさんざんケチをつけたが、そういうところもおかしいゾ三菱一号美術館。
とりあえず行列に並ぶ。
行列の途中にトイレがあるからか、ここでいったん行列が分断される。先に進めた人たちは左側に曲がっていく。ただし行列を止めた係員は、ずっとここにいるわけではないので、この行列を右から追い越して素知らぬ顔で左方向に行くことは可能。何人かそういう人もいたように思う。もちろん私は並んだよ。
左に曲がるとドッと混んでいた。
それでもほぼ案内通り20分弱で会場に入れた。
さてクリムト。
一番有名なのはこの「接吻」かな。（今回の展示作品じゃない）
どこか退廃的でちょっとエロい作風が私の好みである(^^ゞ そして印象の強い絵だから、なんとなくよく知っているつもりだったけれど、改めて考えてみるとそうでもない。それほど多くの作品を覚えているわけでもない。彼についてはほとんど知識がない。
調べてみると、
グスタフ・クリムトは1862年生まれのオーストリア人。
参考までに明治維新が1868年、第1回の印象派展覧会が1874年ね。
工芸学校で伝統的な教育を受け、卒業後は劇場装飾の仕事でキャリアを重ね成功する。
途中いろいろとあったが、1897年に保守的な美術家組合を嫌ってウィーン分離派を
結成し、その初代会長を務める。
またいろいろあって1905年にウィーン分離派を脱退。その前後がクリムトというと
連想する金箔を使った世紀末的な作風の時期。上の「接吻」は1908年の制作。
1918年、55歳でスペイン風邪をこじらせて亡くなる。
クリムトでよく紹介されるのが50歳くらいの頃の写真。
ハゲ散らかしたウダツの上がらないオッサンにしか見えないが。
このクリムトが着ている服は彼自身がデザインした作業着で、その下はスッポンポンだったといわれている。まあ、それくらいはヘンタイじゃないとあの官能的な絵は描けないか。
かっこよく撮れている写真も載せておこう。
ところでクリムトはエミーリエ・フレーゲという女性をパートナーとしていた。出会ったのは20歳代の後半で、亡くなるときも彼女に看取られている。しかし2人の関係はプラトニック。結婚もしていない。そしてクリムトにはたくさんの愛人がおり、産ませた子供がなんと14〜15人もいたらしい。 並のヘンタイじゃなかったクリムト！←尊敬の念
エミーリエとクリムトのツーショット。「接吻」は彼女がモデルで、描かれている男性もクリムト自身だと言われている。絵には髪の毛あるけど？
ーーー続く
上野公園のさくら通りでアジサイを眺めて、ついでに上野公園には桜が53品種もあることを知ってビックリした後に東京都美術館。窓に大きなポスターのある定番の撮影ポイント。
敷地内に入ると20分待ちの表示。
平日の午後3時前なのに。クリムトは人気あるんだ。
この美術館の入り口には大きな金属球があって(最初の写真にも写っている)、初めて来た人は必ず写真を撮るくらいの人気アートになっている。しかしもう撮り飽きたので、今回はすぐそばにあるこちらを。
金属球は井上武吉の「my sky hole 85-2 光と影」で、こちらは堀内正和の「三本の直方体 B」。周囲を1分ほど観察してみたものの、人気者の金属球に対して直方体は写真撮影はおろか目をやる人もいない Ω＼ζ゜)チーン
ちなみに私はこういうインスタレーション（大型の置物アート）の良さがわからないというか、今までビビッとくるものに出会ったことがないというか、正直にいうとクダランと毛嫌いしている。そこそこの日本庭園にある庭石より優れたインスタレーションがあるなら、ぜひ見に行きたいとは思っているのだが。
美術館の中に入るとチケット売り場はそれほど混雑しておらず。セブンイレブンで事前に購入してあったが、あれは操作に結構時間がかかるので、ここで買った方がよかったかも。
「ラファエル前派の軌跡」の展覧会で書き忘れた話を。
あの時もセブンイレブンでチケットを買っていた。しかし受付で「このチケットでは入場できないのでチケット売り場で当館発行のものと交換してください」と言われた。つまりチケットを持っていてもチケット売り場で並ばなくてはならず、まったく事前に買った意味がない。あの展覧会では企画内容にさんざんケチをつけたが、そういうところもおかしいゾ三菱一号美術館。
とりあえず行列に並ぶ。
行列の途中にトイレがあるからか、ここでいったん行列が分断される。先に進めた人たちは左側に曲がっていく。ただし行列を止めた係員は、ずっとここにいるわけではないので、この行列を右から追い越して素知らぬ顔で左方向に行くことは可能。何人かそういう人もいたように思う。もちろん私は並んだよ。
左に曲がるとドッと混んでいた。
それでもほぼ案内通り20分弱で会場に入れた。
さてクリムト。
一番有名なのはこの「接吻」かな。（今回の展示作品じゃない）
どこか退廃的でちょっとエロい作風が私の好みである(^^ゞ そして印象の強い絵だから、なんとなくよく知っているつもりだったけれど、改めて考えてみるとそうでもない。それほど多くの作品を覚えているわけでもない。彼についてはほとんど知識がない。
調べてみると、
グスタフ・クリムトは1862年生まれのオーストリア人。
参考までに明治維新が1868年、第1回の印象派展覧会が1874年ね。
工芸学校で伝統的な教育を受け、卒業後は劇場装飾の仕事でキャリアを重ね成功する。
途中いろいろとあったが、1897年に保守的な美術家組合を嫌ってウィーン分離派を
結成し、その初代会長を務める。
またいろいろあって1905年にウィーン分離派を脱退。その前後がクリムトというと
連想する金箔を使った世紀末的な作風の時期。上の「接吻」は1908年の制作。
1918年、55歳でスペイン風邪をこじらせて亡くなる。
クリムトでよく紹介されるのが50歳くらいの頃の写真。
ハゲ散らかしたウダツの上がらないオッサンにしか見えないが。
このクリムトが着ている服は彼自身がデザインした作業着で、その下はスッポンポンだったといわれている。まあ、それくらいはヘンタイじゃないとあの官能的な絵は描けないか。
かっこよく撮れている写真も載せておこう。
ところでクリムトはエミーリエ・フレーゲという女性をパートナーとしていた。出会ったのは20歳代の後半で、亡くなるときも彼女に看取られている。しかし2人の関係はプラトニック。結婚もしていない。そしてクリムトにはたくさんの愛人がおり、産ませた子供がなんと14〜15人もいたらしい。 並のヘンタイじゃなかったクリムト！←尊敬の念
エミーリエとクリムトのツーショット。「接吻」は彼女がモデルで、描かれている男性もクリムト自身だと言われている。絵には髪の毛あるけど？
ーーー続く
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2019年06月25日
ラファエル前派の軌跡 その5
「母と子（サクランボ）」 フレデリック・レイトン 1864-65年頃
幸せそうで、かつ美しい作品。この時代は良妻賢母像が求められていて、こういう構図は珍しいそうだ。おそらくは日本画と思われる背後に置かれたツルの屏風にも目がいくが、なぜか彼女たちの着ているものが気になる。部屋着？寝間着？下着？ 立ち上がってよく見せて欲しい(^^ゞ
フレデリック・レイトンはロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ（王立芸術院）の会長を20年近く務め、また画家として最初に貴族に列せられるなど英国美術界の頂点に君臨したといってもいい人物。ラファエル前派の立ち上げメンバー3名は1827〜29年生まれでレイトンは1830年。彼らと違ってロイヤル・アカデミー付属の美術学校には行っていないから先輩後輩の関係じゃない。しかしグループとしてのラファエル前派が解散した後だが、メンバーとは交流があったようだ。
ちなみにフレデリック・レイトンの邸宅は贅を尽くしたもので、レイトンハウスと呼ばれており現在は美術館になっている。ある年代以上の日本人ならレイトンハウスと聞くと別のものを思い出すはず。なお、あのレイトンハウスと、このレイトンハウスはまったく関係ない。
さて「ラファエロ前派周縁」の次は「バーン＝ジョーンズ」というコーナー。エドワード・バーン＝ジョーンズのこと。
この展覧会では「ラファエル前派第二世代」という分類があって、その代表格のエドワード・バーン＝ジョーンズには１コーナーを与えたということらしい。しかし彼は1833年生まれ。ロセッティらと5歳くらいしか違わない。だから活動時期はほとんど変わらないわけで、第二世代というにはまったく無理がある。
展示されている作品数は27点。これは展覧会の冠になっているラスキンの40作品を除けば一番多い。作品を集め出したらエドワード・バーン＝ジョーンズのものが多くなってしまい、ラファエル前派第二世代なんて理屈をひねり出したんだろう。
最初から最後まで、この展覧会の構成には納得がいかない。
「金魚の池」 1861-62年
バーン＝ジョーンズの絵は独特の癖があるのだけれど、これはバーン＝ジョーンズらしくない珍しい作品。誰にでも描けそうというと身も蓋もなくなってしまうが。でもいい味出ていると思う。そして何故かこの時代ではなくて、今の時代に描かれたような雰囲気を感じる。
「慈悲深き騎士」 1863年
初期の傑作とされている作品。ぜんぜん好みじゃないが、すごく存在感があって長い時間見入ってしまった。画像じゃそのオーラみたいなものが伝わらないのが残念。
左側の人物は、頭に被っているいばらの冠と、足が杭で打ち付けられているからキリストだということはすぐにわかる。でもどうして屋根付き？十字架は？
実はこれはある伝説のワンシーンを描いたもの。右側で跪いているのは騎士。仇討ちに出かけたのだが慈悲の心で相手を許してしまう。その後に「木彫りのキリスト像」の前で祈りを捧げていると、その慈悲の心を祝福した「木彫りのキリスト像」が身をかがめて彼を抱擁したというもの。
まさか「木彫りのキリスト像」だったとは！ そんな奇跡が起こせるなら足の杭も抜いて、もっと近づけばというツッコミはナシということで(^^ゞ
「嘆きの歌」 1865-66年
「フローラ（春の女神）」 1868-84年
「赦しの樹」 1881-82年
女神のフローラと、「赦しの樹」の男性の顔が同じ。画家でも漫画家でも「持ち顔」のバリエーションには限りがあるものだけれど、男と女は別にして欲しいかな。
さて「赦しの樹」のような裸の男女を見ると、ついアダムとイヴかなと思ってしまう。でもこれは別の物語。人物が描かれていると顔を中心に見てしまうもの。ハイ、女性の脚に注目。木の中からメリメリッと出てきている。そんな話はエデンの園になかった。それにリンゴも描かれていない。
この物語は
トラキアの王女ピュリスがアテネの王デーモポーンという男性と結ばれる。
色々と事情があってデーモポーンがピュリスを捨てる。
ピュリスは自殺を図るが、哀れに思った神々によってアーモンドの木に変えられる。
後悔したデーモポーンがその木を抱きしめると、幹からピュリスが現れた。
というもの。物語だけだと王子にキスされた白雪姫のようなハッピーエンド。しかしバーン＝ジョーンズの絵では、どうみてもデーモポーンは厭がっているし、ピュリスは恨めしや〜な表情である。
よく調べてみると、この物語はピュリスとデーモポーンのギリシャ神話をベースにバーン＝ジョーンズが創作したものらしい。オリジナルではピュリスが蘇ったりしない。
実は彼はマリア・ザンバコという女性と不倫関係になり、そのことで世間から批判され、またマリア・ザンバコとの仲がもつれると、彼女に公衆の面前で運河に飛び込むという自殺未遂を起こされたりと色々とツライ目にあっている(/o＼)
そういうことが、芸の肥やしとなって絵に現れているのかな。
いい作品も見られたが、何かと不満の多い展覧会だった。ところでほぼ同じ時代の印象派なら年中といっていいほど、どこかで展覧会が開かれている。それと較べてラファエル前派は２〜３年おきくらいなのが残念。是非とも、次の展覧会は素敵な内容でありますように。
おしまい
幸せそうで、かつ美しい作品。この時代は良妻賢母像が求められていて、こういう構図は珍しいそうだ。おそらくは日本画と思われる背後に置かれたツルの屏風にも目がいくが、なぜか彼女たちの着ているものが気になる。部屋着？寝間着？下着？ 立ち上がってよく見せて欲しい(^^ゞ
フレデリック・レイトンはロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ（王立芸術院）の会長を20年近く務め、また画家として最初に貴族に列せられるなど英国美術界の頂点に君臨したといってもいい人物。ラファエル前派の立ち上げメンバー3名は1827〜29年生まれでレイトンは1830年。彼らと違ってロイヤル・アカデミー付属の美術学校には行っていないから先輩後輩の関係じゃない。しかしグループとしてのラファエル前派が解散した後だが、メンバーとは交流があったようだ。
ちなみにフレデリック・レイトンの邸宅は贅を尽くしたもので、レイトンハウスと呼ばれており現在は美術館になっている。ある年代以上の日本人ならレイトンハウスと聞くと別のものを思い出すはず。なお、あのレイトンハウスと、このレイトンハウスはまったく関係ない。
さて「ラファエロ前派周縁」の次は「バーン＝ジョーンズ」というコーナー。エドワード・バーン＝ジョーンズのこと。
この展覧会では「ラファエル前派第二世代」という分類があって、その代表格のエドワード・バーン＝ジョーンズには１コーナーを与えたということらしい。しかし彼は1833年生まれ。ロセッティらと5歳くらいしか違わない。だから活動時期はほとんど変わらないわけで、第二世代というにはまったく無理がある。
展示されている作品数は27点。これは展覧会の冠になっているラスキンの40作品を除けば一番多い。作品を集め出したらエドワード・バーン＝ジョーンズのものが多くなってしまい、ラファエル前派第二世代なんて理屈をひねり出したんだろう。
最初から最後まで、この展覧会の構成には納得がいかない。
「金魚の池」 1861-62年
バーン＝ジョーンズの絵は独特の癖があるのだけれど、これはバーン＝ジョーンズらしくない珍しい作品。誰にでも描けそうというと身も蓋もなくなってしまうが。でもいい味出ていると思う。そして何故かこの時代ではなくて、今の時代に描かれたような雰囲気を感じる。
「慈悲深き騎士」 1863年
初期の傑作とされている作品。ぜんぜん好みじゃないが、すごく存在感があって長い時間見入ってしまった。画像じゃそのオーラみたいなものが伝わらないのが残念。
左側の人物は、頭に被っているいばらの冠と、足が杭で打ち付けられているからキリストだということはすぐにわかる。でもどうして屋根付き？十字架は？
実はこれはある伝説のワンシーンを描いたもの。右側で跪いているのは騎士。仇討ちに出かけたのだが慈悲の心で相手を許してしまう。その後に「木彫りのキリスト像」の前で祈りを捧げていると、その慈悲の心を祝福した「木彫りのキリスト像」が身をかがめて彼を抱擁したというもの。
まさか「木彫りのキリスト像」だったとは！ そんな奇跡が起こせるなら足の杭も抜いて、もっと近づけばというツッコミはナシということで(^^ゞ
「嘆きの歌」 1865-66年
「フローラ（春の女神）」 1868-84年
「赦しの樹」 1881-82年
女神のフローラと、「赦しの樹」の男性の顔が同じ。画家でも漫画家でも「持ち顔」のバリエーションには限りがあるものだけれど、男と女は別にして欲しいかな。
さて「赦しの樹」のような裸の男女を見ると、ついアダムとイヴかなと思ってしまう。でもこれは別の物語。人物が描かれていると顔を中心に見てしまうもの。ハイ、女性の脚に注目。木の中からメリメリッと出てきている。そんな話はエデンの園になかった。それにリンゴも描かれていない。
この物語は
トラキアの王女ピュリスがアテネの王デーモポーンという男性と結ばれる。
色々と事情があってデーモポーンがピュリスを捨てる。
ピュリスは自殺を図るが、哀れに思った神々によってアーモンドの木に変えられる。
後悔したデーモポーンがその木を抱きしめると、幹からピュリスが現れた。
というもの。物語だけだと王子にキスされた白雪姫のようなハッピーエンド。しかしバーン＝ジョーンズの絵では、どうみてもデーモポーンは厭がっているし、ピュリスは恨めしや〜な表情である。
よく調べてみると、この物語はピュリスとデーモポーンのギリシャ神話をベースにバーン＝ジョーンズが創作したものらしい。オリジナルではピュリスが蘇ったりしない。
実は彼はマリア・ザンバコという女性と不倫関係になり、そのことで世間から批判され、またマリア・ザンバコとの仲がもつれると、彼女に公衆の面前で運河に飛び込むという自殺未遂を起こされたりと色々とツライ目にあっている(/o＼)
そういうことが、芸の肥やしとなって絵に現れているのかな。
いい作品も見られたが、何かと不満の多い展覧会だった。ところでほぼ同じ時代の印象派なら年中といっていいほど、どこかで展覧会が開かれている。それと較べてラファエル前派は２〜３年おきくらいなのが残念。是非とも、次の展覧会は素敵な内容でありますように。
おしまい
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2019年06月24日
ラファエル前派の軌跡 その4
「滝」 ジョン・エヴァレット・ミレー 1853年
ラファエル前派は細部まで描き込むのがひとつの特徴。それでミレーはその細密な風景に人物を溶け込ませるのがうまい。そして最高傑作のオフィーリアもそうだが、これだけの絵を仕上げるのにどれだけのーーーと考えると半端なく力作なのに、眺めていてまったく気負いを感じないし、とてもナチュラルに目に入ってくる。本当にうまい絵というのは、そういうものじゃないかと思う。
ちなみにモデルはラスキンの奥さんのエフィ。後にラスキンと離婚してミレーと結婚している。ラファエル前派の入り乱れた男女関係については書かないつもりなのに、つい触れたくなってしまう(^^ゞ
「結婚通知ー捨てられて」 ジョン・エヴァレット・ミレー 1854年
先ほど書いたことの裏返しになるのかもしれないが、人物しか描かれていない肖像画だとミレーはちょっと物足りないかな。それにこの絵は婚約破棄された女性の悲しみや屈辱を描いているらしいが、特にそんな感情は伝わってこない。
「誠実に励めば美しい顔になる」 ウィリアム・ホルマン・ハント 1866年
ロセッティ、ミレーと並んでラファエル前派を立ち上げたメンバーの1人であるハント。でもなんとなく影が薄い。過去のラファエル前派展覧会のブログでも取り上げていない。際だった個性がないからかな。
この作品はタイトルがナゾ。もし今の世の中で、こんなタイトルをつけて作品を発表したら炎上しそう(^^ゞ それはさておき見れば見るほど味わいのあるスルメのような絵。ただし、これが「ラファエロ以前に戻ろう」というコンセプトに合致しているかどうかはよくわからない。でもこれはこれでいいんじゃないか。
「リュートのひび」 アーサー・ヒューズ 1861-62年
キャンバスの上側が丸くて、草むらを背景に女性が横たわっていて、ましてラファエル前派の展覧会なら、どうしてもオフィーリアを連想してしまう。あれほど凄味のある絵ではないにしても。
アーサー・ヒューズは初めて聞く名前。調べてみるとラファエル前派のメンバーではない。しかしロセッティらメンバーとの親交はあり、影響を受けていることは他の作品からも明らか。次の「音楽会」もそうだが、どことなく思わせぶりな雰囲気が作風みたい。
「音楽会」 アーサー・ヒューズ 1861-64年
ラファエロ前派のコーナーには、他にフォード・マドクス・ブラウン、ジョン・ブレット、アルフレッド・ウィリアム・ハント、ジョン・ウィリアム・インチボルトの作品が展示されていた。そして次はラファエロ前派周縁というコーナーになるのだがーーー。
ラファエロ前派とはロセッティらが目指した運動に賛同した画家たちの総称ではなく、固有名詞のグループ名で、そのグループのメンバーがラファエル前派の画家である。それはロセッティ、ミレー、ハントら3人の立ち上げメンバーと、後から加わった次の4名。
ウィリアム・マイケル・ロセッティ（ダンテ・ゲイブリエルの弟、批評家）
ジェームズ・コリンソン（画家）
フレデリック・ジョージ・スティーヴンス（批評家）
トーマス・ウールナー（彫刻家）
ラファエロ前派の英語名はPre-Raphaelite Brotherhood。Brother-hoodは「兄弟分のちぎり」的なニュアンスでかなり強固な結びつき。逆にいえばメンバーとそうでないものとの区別は明確である。アイドルがみんなAKBじゃないのと同じ。
もちろん彼らの運動は大きな影響を与えたから、ラファエロ前派的なことを目指した画家たちを、今日においてラファエル前派グループとして括ることは不自然じゃない。
しかしである。
わざわざ「ラファエロ前派」と「ラファエロ前派周縁」というコーナーに分けておいて、「ラファエロ前派」のコーナーにメンバーじゃない画家の作品を展示するのはおかしいだろう。
もっとも4名のうち作家は2名だし、4名ともウィキペディアに載っていないほどマイナーな存在。それで作品を集められず、だからといってロセッティ(兄）、ミレー、ハントの3名の作品だけじゃコーナーが持たなかったんだろう。ただでさえロセッティ(兄）の作品が多くてバランスを欠いているのに。
そんな事情はわからなくもないが、この展覧会はラスキンのコーナーでケチがついているので、ついでに吠えてみたしだい。
さてラファエロ前派周縁の作品はウィリアム・ヘンリー・ハントから。
「ヨーロッパカヤクグリ（イワヒバリ属）の巣」 1840年頃
「果実ースピノサスモモとプラム」 1843年
いわゆるスーパーリアリズムな作品。ラファエロ前派は細部の描写をおろそかにしないから、そういう意味では方向性は同じ。でもなんとなくラファエロ前派な感じはしない。スーパーリアリズムは好きなんだけれど。
それにしてもウィリアム・ヘンリー・ハントは、立ち上げメンバーのウィリアム・ホルマン・ハントと名前が似ていてややこしい。
「初めて彩色を試みる少年ティツィアーノ」 ウィリアム・ダイス 1856-57年
この絵を見てどこかデジャヴ(既視感）な気持ちになる。すっかり忘れていたが、ウィリアム・ダイスの作品は初めて見たラファエル前派の展覧会にあった。「ペグウェル・ベイ、ケント州 1858年10月5日の思い出」という作品。
両者の共通点は細密な描写で、とくに風景はスーパーリアリズムな。しかし人物(この作品の場合は彫像も）は同じ細密でも少し描き方が違う。つまり1枚の絵に2種類の細密さが同居していること。これがなんとも不思議な感覚で魅力的。
「アラン島の風景」 ウィリアム・ダイス 1858-59年
同じ手法だが、特に母親と思われる女性はフィギュアのように思える。それと描いている内容なのか明るい日差しのせいなのか、とてもアッケラカンとした印象になるのが面白い。
ーーー続く
ラファエル前派は細部まで描き込むのがひとつの特徴。それでミレーはその細密な風景に人物を溶け込ませるのがうまい。そして最高傑作のオフィーリアもそうだが、これだけの絵を仕上げるのにどれだけのーーーと考えると半端なく力作なのに、眺めていてまったく気負いを感じないし、とてもナチュラルに目に入ってくる。本当にうまい絵というのは、そういうものじゃないかと思う。
ちなみにモデルはラスキンの奥さんのエフィ。後にラスキンと離婚してミレーと結婚している。ラファエル前派の入り乱れた男女関係については書かないつもりなのに、つい触れたくなってしまう(^^ゞ
「結婚通知ー捨てられて」 ジョン・エヴァレット・ミレー 1854年
先ほど書いたことの裏返しになるのかもしれないが、人物しか描かれていない肖像画だとミレーはちょっと物足りないかな。それにこの絵は婚約破棄された女性の悲しみや屈辱を描いているらしいが、特にそんな感情は伝わってこない。
「誠実に励めば美しい顔になる」 ウィリアム・ホルマン・ハント 1866年
ロセッティ、ミレーと並んでラファエル前派を立ち上げたメンバーの1人であるハント。でもなんとなく影が薄い。過去のラファエル前派展覧会のブログでも取り上げていない。際だった個性がないからかな。
この作品はタイトルがナゾ。もし今の世の中で、こんなタイトルをつけて作品を発表したら炎上しそう(^^ゞ それはさておき見れば見るほど味わいのあるスルメのような絵。ただし、これが「ラファエロ以前に戻ろう」というコンセプトに合致しているかどうかはよくわからない。でもこれはこれでいいんじゃないか。
「リュートのひび」 アーサー・ヒューズ 1861-62年
キャンバスの上側が丸くて、草むらを背景に女性が横たわっていて、ましてラファエル前派の展覧会なら、どうしてもオフィーリアを連想してしまう。あれほど凄味のある絵ではないにしても。
アーサー・ヒューズは初めて聞く名前。調べてみるとラファエル前派のメンバーではない。しかしロセッティらメンバーとの親交はあり、影響を受けていることは他の作品からも明らか。次の「音楽会」もそうだが、どことなく思わせぶりな雰囲気が作風みたい。
「音楽会」 アーサー・ヒューズ 1861-64年
ラファエロ前派のコーナーには、他にフォード・マドクス・ブラウン、ジョン・ブレット、アルフレッド・ウィリアム・ハント、ジョン・ウィリアム・インチボルトの作品が展示されていた。そして次はラファエロ前派周縁というコーナーになるのだがーーー。
ラファエロ前派とはロセッティらが目指した運動に賛同した画家たちの総称ではなく、固有名詞のグループ名で、そのグループのメンバーがラファエル前派の画家である。それはロセッティ、ミレー、ハントら3人の立ち上げメンバーと、後から加わった次の4名。
ウィリアム・マイケル・ロセッティ（ダンテ・ゲイブリエルの弟、批評家）
ジェームズ・コリンソン（画家）
フレデリック・ジョージ・スティーヴンス（批評家）
トーマス・ウールナー（彫刻家）
ラファエロ前派の英語名はPre-Raphaelite Brotherhood。Brother-hoodは「兄弟分のちぎり」的なニュアンスでかなり強固な結びつき。逆にいえばメンバーとそうでないものとの区別は明確である。アイドルがみんなAKBじゃないのと同じ。
もちろん彼らの運動は大きな影響を与えたから、ラファエロ前派的なことを目指した画家たちを、今日においてラファエル前派グループとして括ることは不自然じゃない。
しかしである。
わざわざ「ラファエロ前派」と「ラファエロ前派周縁」というコーナーに分けておいて、「ラファエロ前派」のコーナーにメンバーじゃない画家の作品を展示するのはおかしいだろう。
もっとも4名のうち作家は2名だし、4名ともウィキペディアに載っていないほどマイナーな存在。それで作品を集められず、だからといってロセッティ(兄）、ミレー、ハントの3名の作品だけじゃコーナーが持たなかったんだろう。ただでさえロセッティ(兄）の作品が多くてバランスを欠いているのに。
そんな事情はわからなくもないが、この展覧会はラスキンのコーナーでケチがついているので、ついでに吠えてみたしだい。
さてラファエロ前派周縁の作品はウィリアム・ヘンリー・ハントから。
「ヨーロッパカヤクグリ（イワヒバリ属）の巣」 1840年頃
「果実ースピノサスモモとプラム」 1843年
いわゆるスーパーリアリズムな作品。ラファエロ前派は細部の描写をおろそかにしないから、そういう意味では方向性は同じ。でもなんとなくラファエロ前派な感じはしない。スーパーリアリズムは好きなんだけれど。
それにしてもウィリアム・ヘンリー・ハントは、立ち上げメンバーのウィリアム・ホルマン・ハントと名前が似ていてややこしい。
「初めて彩色を試みる少年ティツィアーノ」 ウィリアム・ダイス 1856-57年
この絵を見てどこかデジャヴ(既視感）な気持ちになる。すっかり忘れていたが、ウィリアム・ダイスの作品は初めて見たラファエル前派の展覧会にあった。「ペグウェル・ベイ、ケント州 1858年10月5日の思い出」という作品。
両者の共通点は細密な描写で、とくに風景はスーパーリアリズムな。しかし人物(この作品の場合は彫像も）は同じ細密でも少し描き方が違う。つまり1枚の絵に2種類の細密さが同居していること。これがなんとも不思議な感覚で魅力的。
「アラン島の風景」 ウィリアム・ダイス 1858-59年
同じ手法だが、特に母親と思われる女性はフィギュアのように思える。それと描いている内容なのか明るい日差しのせいなのか、とてもアッケラカンとした印象になるのが面白い。
ーーー続く
wassho at 23:51｜Permalink│Comments(0)│
2019年06月23日
ラファエル前派の軌跡 その3
展覧会は５つのコーナーで構成されていたが、その中でラファエル前派のコーナーだけは写真撮影が認められていた。
初回のエントリーに書いたように、この展覧会はラ・フォル・ジュルネの公演の合間を縫って見に来たもの。つまり普段の展覧会と違ってデジカメ持参。ラッキーと思って撮ってみたがーーー
絵をまっすぐに撮るのは意外と難しい。カメラに左右の傾きがないように構えるのは当然として、前後の傾きもなくして作品の中央で構えないと、このように台形に歪んでしまう。テクニック的にはたいした話じゃないんだけれど、人がたくさんいる中で撮影ポジションを確保して、そういった確認を素早くすることに慣れていない。いつも適当にシャッターを押しているから。
それに天井や作品を照らしている照明も映り込むし。モデルの顔の前にある縦の白い点々がそれ。右の二の腕にも大きめにひとつ映り込んでいる。これは避けようがない。（最後から2枚目の写真の天井に原因となった照影が写っている）
じゃということで、壁に並んでいる様子を撮ってみたが、別に面白くもなし。
というわけで会場風景を何点か撮っただけで撮影終了。
ところで２枚目の写真は左側の絵がずいぶんと傾いているが、写真ほぼ中央にある壁の線を見てもらえばカメラが傾いていないことがわかる。カメラというのは、こういう風に意外と歪んで写るもの。カメラレンズの光学的特性によるものであるが、もう21世紀なんだから、見た通りに写るカメラを開発してほしいと常々思っている。
さてスマホが普及した現在は一億総カメラマン時代な状況。だから多くの人がこのコーナーではスマホを取り出していた。当然ながら人の流れは悪くなる。絵が画面にいい感じで収まるように撮影位置を前後したりするから、他人とぶつかることもある。幸い？ラファエル前派はあまり人気がない。だからそれほどの混雑にはならないので大丈夫という判断だったのかもしれないが。
欧米の美術館では一般に撮影がOKなところが多い。それに対して日本ではほとんど認められていない。それに不満だったが、ちょっと認識が変わった。図録(カタログのこと)のようには撮れないし、それに近いものを目指したら撮影的にも、人が途切れるタイミングを待つことも含めてとても時間がかかる。そんな人が増えたら大変だし、スマホで気軽に撮るだけでも混雑が増す。結構デメリットあるかも。
もっとも会場風景は記録というか思い出として残したいし、気に入った作品の前でピースサインやハートマークをしての記念撮影もしてみたいのだけれど(^^ゞ
ーーー続く
初回のエントリーに書いたように、この展覧会はラ・フォル・ジュルネの公演の合間を縫って見に来たもの。つまり普段の展覧会と違ってデジカメ持参。ラッキーと思って撮ってみたがーーー
絵をまっすぐに撮るのは意外と難しい。カメラに左右の傾きがないように構えるのは当然として、前後の傾きもなくして作品の中央で構えないと、このように台形に歪んでしまう。テクニック的にはたいした話じゃないんだけれど、人がたくさんいる中で撮影ポジションを確保して、そういった確認を素早くすることに慣れていない。いつも適当にシャッターを押しているから。
それに天井や作品を照らしている照明も映り込むし。モデルの顔の前にある縦の白い点々がそれ。右の二の腕にも大きめにひとつ映り込んでいる。これは避けようがない。（最後から2枚目の写真の天井に原因となった照影が写っている）
じゃということで、壁に並んでいる様子を撮ってみたが、別に面白くもなし。
というわけで会場風景を何点か撮っただけで撮影終了。
ところで２枚目の写真は左側の絵がずいぶんと傾いているが、写真ほぼ中央にある壁の線を見てもらえばカメラが傾いていないことがわかる。カメラというのは、こういう風に意外と歪んで写るもの。カメラレンズの光学的特性によるものであるが、もう21世紀なんだから、見た通りに写るカメラを開発してほしいと常々思っている。
さてスマホが普及した現在は一億総カメラマン時代な状況。だから多くの人がこのコーナーではスマホを取り出していた。当然ながら人の流れは悪くなる。絵が画面にいい感じで収まるように撮影位置を前後したりするから、他人とぶつかることもある。幸い？ラファエル前派はあまり人気がない。だからそれほどの混雑にはならないので大丈夫という判断だったのかもしれないが。
欧米の美術館では一般に撮影がOKなところが多い。それに対して日本ではほとんど認められていない。それに不満だったが、ちょっと認識が変わった。図録(カタログのこと)のようには撮れないし、それに近いものを目指したら撮影的にも、人が途切れるタイミングを待つことも含めてとても時間がかかる。そんな人が増えたら大変だし、スマホで気軽に撮るだけでも混雑が増す。結構デメリットあるかも。
もっとも会場風景は記録というか思い出として残したいし、気に入った作品の前でピースサインやハートマークをしての記念撮影もしてみたいのだけれど(^^ゞ
ーーー続く
wassho at 15:46｜Permalink│Comments(0)│
2019年06月22日
ラファエル前派の軌跡 その2
ラスキン中心のコーナーの次は、いよいよラファエル前派の展示となる。
前回に書いたようにラファエル前派を始めたのは3名。その名前は
ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ （16）
ジョン・エヴァレット・ミレー （5）
ウィリアム・ホルマン・ハント （3）
名前の後ろにつけた数字はこの展覧会での作品数。なおミレーは「落ち穂拾い」のミレーとは別人。２人はほぼ同世代の画家。
ロセッティの作品が最も多いが、彼の作品は
コッテリと濃い
ジェイン・モリスという女性をモデルにした絵が多い。
他の女性を描いてもジェイン・モリス顔になる(^^ゞ
という特徴がある。
「ウェヌス・ウェルティコルディア（魔性のヴィーナス）」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1863-68年頃
この作品はラスキンに酷評されたらしいが、今回の展覧会のポスターにもなったようにいい絵だと思う。彼はどこが気に入らなかったのだろう。ロセッティは他のラファエル前派の画家たちより独自路線志向が強かったから、そういうことも影響しているのかもしれない。
「シビュラ・パルミフェラ」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1865-70年
これを見るのは２度目。背景に目隠しされたキューピッドやドクロが描かれていたり、色々と読み解かなければいけない絵でもある。絵を眺めただけでそこまで理解することは難しいのだけれど、なんとなく美人を描いただけの絵じゃないことは雰囲気に表れている。
「クリスマス・キャロル」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1867年
「夜が明けて―ファウストの宝石を見つけるグレートヒェン」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1868年
「ラ・ドンナ・デッラ・フィネストラ（窓辺の女性）」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1870年
「ムネーモシューネー（記憶の女神）」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1876-81年
はい、どれも同じ顔ですね。
この中でモデルがわかっているのは
シビュラ・パルミフェラ → アレクサ・ワイルディング
ラ・ドンナ・デッラ・フィネストラ（窓辺の女性） → ジェイン・モリス
ムネーモシューネー（記憶の女神） → ジェイン・モリス
ジェイン・モリスというのはラファエル前派のメンバーであるウィリアム・モリスの奥さんであり、ロセッティの愛人でもあった女性。ラファエル前派というのはグループ内の男女関係が入り乱れていたのも特徴。ワイドショーだったら１ヶ月は放送できるくらいの分量になるので、このブログでそのテーマは省略。
ジェイン・モリスの写真。
撮られたのは1865年だからから26歳頃。
こちらは1898年の撮影で59歳頃。ずいぶんと印象が変わっている。
若い頃は髪が剛毛に見えるが、単にウェーヴをかけていただけだったのかな。
ロセッティの描くジェイン・モリスを決して嫌いではない。ラファエル前派に興味を持ったきっかけは、2014年の展覧会のポスターに使われたロセッティの「プロセルピナ」という作品だったのだから。今回で２度目となる「シビュラ・パルミフェラ」だって、また見ることができてうれしかった。
しかしブログの画像ではわかりにくいかもしれないが、ロセッティのジェイン・モリスあるいはジェイン・モリス似の女性像はコッテリと濃くヘビーなのである。今回それが９作品も並んでいたので胸やけした(^^ゞ
また胸やけするくらい強烈なので、他の作品の印象が少し薄くなってしまったことも否めない。このコーナーの作品数は36点。その中でロセッティは16点で半数近くを占めている。前回のエントリーで全体の中でラスキンの作品が1/4も占めることに不満を述べたが、ロセッティについても同じことがいえる。どうにもバランスの悪い展覧会である。
ーーー続く
前回に書いたようにラファエル前派を始めたのは3名。その名前は
ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ （16）
ジョン・エヴァレット・ミレー （5）
ウィリアム・ホルマン・ハント （3）
名前の後ろにつけた数字はこの展覧会での作品数。なおミレーは「落ち穂拾い」のミレーとは別人。２人はほぼ同世代の画家。
ロセッティの作品が最も多いが、彼の作品は
コッテリと濃い
ジェイン・モリスという女性をモデルにした絵が多い。
他の女性を描いてもジェイン・モリス顔になる(^^ゞ
という特徴がある。
「ウェヌス・ウェルティコルディア（魔性のヴィーナス）」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1863-68年頃
この作品はラスキンに酷評されたらしいが、今回の展覧会のポスターにもなったようにいい絵だと思う。彼はどこが気に入らなかったのだろう。ロセッティは他のラファエル前派の画家たちより独自路線志向が強かったから、そういうことも影響しているのかもしれない。
「シビュラ・パルミフェラ」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1865-70年
これを見るのは２度目。背景に目隠しされたキューピッドやドクロが描かれていたり、色々と読み解かなければいけない絵でもある。絵を眺めただけでそこまで理解することは難しいのだけれど、なんとなく美人を描いただけの絵じゃないことは雰囲気に表れている。
「クリスマス・キャロル」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1867年
「夜が明けて―ファウストの宝石を見つけるグレートヒェン」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1868年
「ラ・ドンナ・デッラ・フィネストラ（窓辺の女性）」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1870年
「ムネーモシューネー（記憶の女神）」 ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ 1876-81年
はい、どれも同じ顔ですね。
この中でモデルがわかっているのは
シビュラ・パルミフェラ → アレクサ・ワイルディング
ラ・ドンナ・デッラ・フィネストラ（窓辺の女性） → ジェイン・モリス
ムネーモシューネー（記憶の女神） → ジェイン・モリス
ジェイン・モリスというのはラファエル前派のメンバーであるウィリアム・モリスの奥さんであり、ロセッティの愛人でもあった女性。ラファエル前派というのはグループ内の男女関係が入り乱れていたのも特徴。ワイドショーだったら１ヶ月は放送できるくらいの分量になるので、このブログでそのテーマは省略。
ジェイン・モリスの写真。
撮られたのは1865年だからから26歳頃。
こちらは1898年の撮影で59歳頃。ずいぶんと印象が変わっている。
若い頃は髪が剛毛に見えるが、単にウェーヴをかけていただけだったのかな。
ロセッティの描くジェイン・モリスを決して嫌いではない。ラファエル前派に興味を持ったきっかけは、2014年の展覧会のポスターに使われたロセッティの「プロセルピナ」という作品だったのだから。今回で２度目となる「シビュラ・パルミフェラ」だって、また見ることができてうれしかった。
しかしブログの画像ではわかりにくいかもしれないが、ロセッティのジェイン・モリスあるいはジェイン・モリス似の女性像はコッテリと濃くヘビーなのである。今回それが９作品も並んでいたので胸やけした(^^ゞ
また胸やけするくらい強烈なので、他の作品の印象が少し薄くなってしまったことも否めない。このコーナーの作品数は36点。その中でロセッティは16点で半数近くを占めている。前回のエントリーで全体の中でラスキンの作品が1/4も占めることに不満を述べたが、ロセッティについても同じことがいえる。どうにもバランスの悪い展覧会である。
ーーー続く
wassho at 23:29｜Permalink│Comments(0)│
2019年06月20日
ラスキン生誕200年記念 ラファエル前派の軌跡
5月のゴールデンウィークにラ・フォル・ジュルネ（クラシックの音楽祭）の公演の合間を縫って見に行った展覧会。他にいろいろブログにすることが多かったのでようやくの投稿。
ラファエル前派については過去に2回の展覧会を見に行き、それを5回のブログにしている。
あれこれ読みたければそちらをどうぞ。
ラファエル前派その１
ラファエル前派その２
ラファエル前派その３
英国の夢 ラファエル前派展その１
英国の夢 ラファエル前派展その２
ラファエル前派って何？ラファエロの間違いじゃないかと思ったくらい、最初の展覧会に行くまで、このカテゴリーのことは知らなかった。ごくかいつまんで書くと、
19世紀中頃のイギリスではルネサンス期、特にラファエロを手本にした
権威主義的な絵画が主流だった。
↓
それに反発した3名の美術学校の学生が、1848年にラファエロ以前に戻ろうと
結成したグループがラファエル前派。
※ラファエルはイタリア語のラファエロの英語読み
↓
こういう動きは当然として美術界から反感を買う。その彼らを擁護し支援したのが
ジョン・ラスキンという大物の美術評論家。
↓
ラファエロ前派のグループ自体は1853年には事実上解散したが、その考え方は
その後も広がりを見せる。ほぼ同じ時代の象徴派と並ぶ影響があったという説もある。
イギリス、若者、反抗という点から、ラファエル前派は何となくビートルズとイメージが重なる。さしずめジョン・ラスキンがビートルズのプロデューサーだったジョージ・マーティン。
それはともかくラファエル前派の絵画を私はたいへん気に入った。どこがどうよかったのかは過去のブログを読んでほしい。だからこの展覧会も楽しみにしていた。
しかし最初に書いておくと、期待値が高かったからかもしれないが、この展覧会はイマイチの感が否めず。これが初めて見るラファエル前派だったら、ラファエル前派は私のお気に入りのカテゴリーになっていなかったかもしれない。
その要因の1つは展覧会のタイトルに「ラスキン生誕200年記念」とあるように、ラスキンに重きを置いたコンセプトや構成にある。
全展示152点のうちラスキンが40作品、つまり1/4を占める。しかも展覧会のほぼ出だしからである。そして、そのほとんどがツマラナイ(/o＼)
ラスキンが当時の美術評論家としてかなりの地位と名声を得ていたことは間違いない。しかし画家としては40作品も展示するレベルにはまったく達していない。ジョージ・マーティンだってピアノを弾いたし、ひょっとしたら歌も歌ったかもしれない。でもそれをレコーディングするなんてことはしなかった。三菱1号館美術館にはラスキンの熱烈なファンでもいるのだろうか。
ところでラスキンはラファエロ前派より1世代ほど前のイギリス屈指の風景画家であるターナーとも親しかったことで有名。そういうことから展覧会はターナー作品から始まる。しかしラファエロ前派の画家たちは当然ターナーの絵を見ているはずだが、彼らがターナーから直接的な影響を受けた形跡はない。「ラスキン生誕200年記念」だから仕方ないが、ラファエル前派的にはターナーを一緒に並べる意味はないし雰囲気的にも合っていない。
まあ数年ぶりにターナーの絵を何点か見られたのはよしとするが。
「エーレンブライトシュタイン 破壊される要塞」 ターナー 1819-20年
「エーレンブライトシュタイン」 ターナー 1832年頃
「カレの砂浜――引き潮時の餌採り」 ターナー 1830年
仕方ないので、ラスキンの作品も紹介。
「モンブランの雪―サン・ジェルヴェ・レ・バンで」 ジョン・ラスキン 1849年
「ストラスブール大聖堂の塔」 ジョン・ラスキン 1842年
「高脚アーキヴォールト：カ・フォスカリ川岸、ビザンツ帝国期の廃墟−ヴェネツィア」
ジョン・ラスキン 1849年
1枚目は観光地でキャンバスを立てて写生しているオッサン・オバハンの絵と変わらない。2〜3枚目は描写が細かいので小さな画像だと多少はマシに見える。残りの作品のほとんどはこの3枚以下のレベル。もっともラスキンの立場に立って考えると、彼はよく旅行をしている。この時代にカメラは発明されていたが、持ち運んで風景を撮るレベルの実用性はなかったはず。美術評論家として興味を持った風景の記録用、研究用に描いたものなんじゃないかな。まさか生誕200年の展覧会が外国で開かれるなんて予想だにしていなかったと思うけれど。
ラスキンの絵をさんざん見せられた後に、ようやくラファエル前派の作品になる。
しかし、そこでもいろいろ問題が。
ーーー続く
wassho at 08:28｜Permalink│Comments(0)│
