ルドン
2021年10月11日
ゴッホ展 響きあう魂 ヘレーネとフィンセント その３
展覧会の構成は
・ヘレーネ関連
・ゴッホ以外の作品
（以下はすべてゴッホで）
・オランダ時代の素描
・オランダ時代の油絵
・パリ時代
・アルル時代
・サン・レミとオーヴェール・シュル・オワーズ時代
となっている。これらはクレラー・ミュラー美術館のコレクションである。それ以外にオランダ国立ゴッホ美術館からのゴッホ作品４点が、特別出品ということで別途コーナを設けて展示されていた。このブログではそれらも上記の年代順構成の中で紹介したい。
ヘレーネ関連については前回にそこそこ書いたので割愛。次のゴッホ以外のコーナには「ヘレーネの愛した芸術家たち：写実主義からキュビスムまで」というタイトルが付けられていた。展覧会のメニュー的には前菜のようなもので、時に期待もしていなかったのであるが、これがなかなかの粒ぞろい。
「それは遠くからやって来る」
パウル・ヨセフ・コンスタンティン・ハブリエル 1887年
この長い名前はオランダ人の画家。これはヘレーネが最初に買った絵の１つらしい。寒々とした色調だし周りには何もない。そして走っているのは蒸気機関車だから、とても寂寥（せきりょう）とした印象を受ける。しかし、それにしてはタイトルが詩的だ。
考えてみればこの時代は（1887年は明治20年）少し郊外に出ればこんな風景が当たり前だったろう。それに蒸気機関車が登場してしばらく経ってはいるが、現在のように路線が張り巡らされているわけではないから、それを目にすることはまだ新鮮だった気もする。今ならリニアモーターカーが走っているみたいなもので、ひょっとしたら「すごい時代になりましたなあ」というメッセージが込められているのかも知れない。
ところで色々な展覧会を見てきて不満に思っていることがある。あまり新しい画家の展覧会に行かないせいもあるのだが「現代的なもの」が、絵画にはあまり描かれていないのだ。
印象派でたまに蒸気機関車が登場するものの、それ以降のものはほとんど見た記憶がない。クルマ、飛行機、電車、都会の風景、電化製品その他あれこれ。いわゆるモダンアートではなくて、どちらかといえばオーソドックスな画風で「スマホを眺める女」みたいな作品を描いている画家はいないのかな。
「静物（プリムローズ、洋梨、ザクロ）」
アンリ・ファンタン = ラトゥール 1866年
こういうタイプの静物画はあまり好みじゃない。子供の頃は教科書でこんな絵を見て「他にいくらでも面白いものあるのに、何でわざわざ果物なの？」と思ったものだ。三つ子の魂百までじゃないが、そんな感覚を未だに引きずっているような気もする。
でもこの絵はとても気に入った。そういう首尾一貫しないフレキシブルなところは私の長所に違いない(^^ゞ 何がよかったかを表現するのは難しいが、あえていえばまさに静物で静まりかえっているところかな。
ところでこの絵はクレラー・ミュラー美術館からの借り入れで、2010年のゴッホ展でも展示されていた。前回に書いた理由で、ゴッホ展を開催すれば同館か国立ゴッホ美術館から借りる作品が多くを占めることになる。だとしても今回は過去に見た作品との重複がかなり多かったのが残念なところ。その話はまた後ほど。
「カフェにて」 ルノワール 1877年
見間違える心配のないイッカにもルノワールの作風。私の好きな「ムーラン・ド・ラ・ギャレット」の一部を切り取ったような雰囲気がある。でもタイトルが「カフェにて」で、ムーラン・ド・ラ・ギャレットはダンスホールやキャバレーに属する店だから違う場所だろうな。ちなみにこの頃のカフェは居酒屋のことを指す。
ところで左端のシルクハットの男性。
私の若い頃にこっそり似ている(^^ゞ
次の３つは点描の作品。ピサロのは半点描というべきか。点描って画家が考えているほど効果的な手法だと思わないのだけれど、たまに見ると面白いかな。
「2月、日の出、バザンクール」 ピサロ 1893年
「ポール =アン = ベッサンの日曜日」 スーラ 1888年
「ポルトリューの灯台、作品183」 シニャック 1888年
「花嫁」 ヨハン・トルン・プリッケル 1892〜1893年 ※一般的にはプリッカー
アール・ヌーヴォー的な雰囲気の絵。花嫁の後ろ姿と十字架のキリストが象徴的に描かれている。よく眺めるとかなり神秘的でもある。ヨハン・トルン・プリッケルは知らない画家だったが、画像検索するとステンドグラス作品が多くヒットする。色使いは別として、この作品にもそれに通ずるところがある感じ。
「キュクロプス」 ルドン 1914年
私はルドンを「グラン・ブーケ」という美しい絵で初めて知ったので、彼がそれとは正反対の薄気味悪い絵をたくさん描いていることが、未だに心の中で整理できていない。キュクロプスとはギリシャ神話に出てくる野蛮で人を食う単眼の巨人。
いかにも恐ろしい光景であるが、この絵を見た瞬間に子供の頃のトラウマ？がよみがえってきた。それは初代ウルトラマンの「まぼろしの雪山」に登場した伝説怪獣「ウー」。
今見ると笑える映像だが、私もまだ子供だったし、それにこの作品はいつものウルトラマンと違って悲しい物語で、それがより恐怖心を書き立てた。主人公の女の子が叫ぶ「ウ〜、ウ〜よ〜」という悲痛な声は未だに耳に残っている。これを見た数年後にスキーに連れて行ってもらって、生まれて初めての雪山を見た時、ウーが出てきそうな気がして半分マジでビビってしまったことは内緒である(^^ゞ
さてキュクロプスの目玉に視線を奪われしまうが、よく見ると山肌に裸体の女性が横たわっている。彼女はニンフ（妖精とか精霊とか、それが擬人化された女神みたいなもの）で、キュクロプスは彼女に恋をして眺めているらしい。そのストーリーを知った上で絵を眺めると、キュクロプスはけっこう愛嬌のある顔をしているし表情も優しい
よかった、これでウーの夢を見てうなされずに済む(^^ゞ
中高年限定の話題でゴメン。
次の３つはキュビスムの作品。
苦手なジャンルではあるが、あまり過激な作品じゃないので私でもついて行けた。
ちなみにサイフォン瓶とはコーヒーを淹れるサイフォンではなく、炭酸飲料などを入れておく容器のようだ。検索すると地ビールが多くヒットする。
「トランプ札とサイフォン瓶」 フアン・グリス 1916年
「菱形の中の静物」 ジョルジュ・ブラック 1917年
「ギターのある静物」 ジーノ・セヴェリーニ 1919年
このモンドリアンの作品はブログに貼り付けた画像では、どこが面白いの？という印象だと思う。だいたいモンドリアンといえば原色をイメージするし。でもこの色合いに微妙にソソられるものがあって、それがモンドリアンというのがまた意外で、けっこう長く眺めていた。もっともこんな絵だからパッと見から印象は変化しないのだが。
「グリッドのあるコンポジション5:菱形、色彩のコンポジション」
モンドリアン 1919年
ここに紹介したのは12点、会場には全部で20展が展示されていた。ヘレーネのコレクションが素晴らしいのか、あるいはこれらの作品を選んだキュレーター（学芸員）のセンスが私の好みとマッチしていたのか、とにかく「捨て絵」はほとんどなく、最初に書いたように前菜ではなくメインディッシュの一部として見応えがあった。全部持ち帰って家に飾りたいくらい。そんなに広くてたくさんの壁面はないのが残念(^^ゞ
ーーー続く
・ヘレーネ関連
・ゴッホ以外の作品
（以下はすべてゴッホで）
・オランダ時代の素描
・オランダ時代の油絵
・パリ時代
・アルル時代
・サン・レミとオーヴェール・シュル・オワーズ時代
となっている。これらはクレラー・ミュラー美術館のコレクションである。それ以外にオランダ国立ゴッホ美術館からのゴッホ作品４点が、特別出品ということで別途コーナを設けて展示されていた。このブログではそれらも上記の年代順構成の中で紹介したい。
ヘレーネ関連については前回にそこそこ書いたので割愛。次のゴッホ以外のコーナには「ヘレーネの愛した芸術家たち：写実主義からキュビスムまで」というタイトルが付けられていた。展覧会のメニュー的には前菜のようなもので、時に期待もしていなかったのであるが、これがなかなかの粒ぞろい。
「それは遠くからやって来る」
パウル・ヨセフ・コンスタンティン・ハブリエル 1887年
この長い名前はオランダ人の画家。これはヘレーネが最初に買った絵の１つらしい。寒々とした色調だし周りには何もない。そして走っているのは蒸気機関車だから、とても寂寥（せきりょう）とした印象を受ける。しかし、それにしてはタイトルが詩的だ。
考えてみればこの時代は（1887年は明治20年）少し郊外に出ればこんな風景が当たり前だったろう。それに蒸気機関車が登場してしばらく経ってはいるが、現在のように路線が張り巡らされているわけではないから、それを目にすることはまだ新鮮だった気もする。今ならリニアモーターカーが走っているみたいなもので、ひょっとしたら「すごい時代になりましたなあ」というメッセージが込められているのかも知れない。
ところで色々な展覧会を見てきて不満に思っていることがある。あまり新しい画家の展覧会に行かないせいもあるのだが「現代的なもの」が、絵画にはあまり描かれていないのだ。
印象派でたまに蒸気機関車が登場するものの、それ以降のものはほとんど見た記憶がない。クルマ、飛行機、電車、都会の風景、電化製品その他あれこれ。いわゆるモダンアートではなくて、どちらかといえばオーソドックスな画風で「スマホを眺める女」みたいな作品を描いている画家はいないのかな。
「静物（プリムローズ、洋梨、ザクロ）」
アンリ・ファンタン = ラトゥール 1866年
こういうタイプの静物画はあまり好みじゃない。子供の頃は教科書でこんな絵を見て「他にいくらでも面白いものあるのに、何でわざわざ果物なの？」と思ったものだ。三つ子の魂百までじゃないが、そんな感覚を未だに引きずっているような気もする。
でもこの絵はとても気に入った。そういう首尾一貫しないフレキシブルなところは私の長所に違いない(^^ゞ 何がよかったかを表現するのは難しいが、あえていえばまさに静物で静まりかえっているところかな。
ところでこの絵はクレラー・ミュラー美術館からの借り入れで、2010年のゴッホ展でも展示されていた。前回に書いた理由で、ゴッホ展を開催すれば同館か国立ゴッホ美術館から借りる作品が多くを占めることになる。だとしても今回は過去に見た作品との重複がかなり多かったのが残念なところ。その話はまた後ほど。
「カフェにて」 ルノワール 1877年
見間違える心配のないイッカにもルノワールの作風。私の好きな「ムーラン・ド・ラ・ギャレット」の一部を切り取ったような雰囲気がある。でもタイトルが「カフェにて」で、ムーラン・ド・ラ・ギャレットはダンスホールやキャバレーに属する店だから違う場所だろうな。ちなみにこの頃のカフェは居酒屋のことを指す。
ところで左端のシルクハットの男性。
私の若い頃にこっそり似ている(^^ゞ
次の３つは点描の作品。ピサロのは半点描というべきか。点描って画家が考えているほど効果的な手法だと思わないのだけれど、たまに見ると面白いかな。
「2月、日の出、バザンクール」 ピサロ 1893年
「ポール =アン = ベッサンの日曜日」 スーラ 1888年
「ポルトリューの灯台、作品183」 シニャック 1888年
「花嫁」 ヨハン・トルン・プリッケル 1892〜1893年 ※一般的にはプリッカー
アール・ヌーヴォー的な雰囲気の絵。花嫁の後ろ姿と十字架のキリストが象徴的に描かれている。よく眺めるとかなり神秘的でもある。ヨハン・トルン・プリッケルは知らない画家だったが、画像検索するとステンドグラス作品が多くヒットする。色使いは別として、この作品にもそれに通ずるところがある感じ。
「キュクロプス」 ルドン 1914年
私はルドンを「グラン・ブーケ」という美しい絵で初めて知ったので、彼がそれとは正反対の薄気味悪い絵をたくさん描いていることが、未だに心の中で整理できていない。キュクロプスとはギリシャ神話に出てくる野蛮で人を食う単眼の巨人。
いかにも恐ろしい光景であるが、この絵を見た瞬間に子供の頃のトラウマ？がよみがえってきた。それは初代ウルトラマンの「まぼろしの雪山」に登場した伝説怪獣「ウー」。
今見ると笑える映像だが、私もまだ子供だったし、それにこの作品はいつものウルトラマンと違って悲しい物語で、それがより恐怖心を書き立てた。主人公の女の子が叫ぶ「ウ〜、ウ〜よ〜」という悲痛な声は未だに耳に残っている。これを見た数年後にスキーに連れて行ってもらって、生まれて初めての雪山を見た時、ウーが出てきそうな気がして半分マジでビビってしまったことは内緒である(^^ゞ
さてキュクロプスの目玉に視線を奪われしまうが、よく見ると山肌に裸体の女性が横たわっている。彼女はニンフ（妖精とか精霊とか、それが擬人化された女神みたいなもの）で、キュクロプスは彼女に恋をして眺めているらしい。そのストーリーを知った上で絵を眺めると、キュクロプスはけっこう愛嬌のある顔をしているし表情も優しい
よかった、これでウーの夢を見てうなされずに済む(^^ゞ
中高年限定の話題でゴメン。
次の３つはキュビスムの作品。
苦手なジャンルではあるが、あまり過激な作品じゃないので私でもついて行けた。
ちなみにサイフォン瓶とはコーヒーを淹れるサイフォンではなく、炭酸飲料などを入れておく容器のようだ。検索すると地ビールが多くヒットする。
「トランプ札とサイフォン瓶」 フアン・グリス 1916年
「菱形の中の静物」 ジョルジュ・ブラック 1917年
「ギターのある静物」 ジーノ・セヴェリーニ 1919年
このモンドリアンの作品はブログに貼り付けた画像では、どこが面白いの？という印象だと思う。だいたいモンドリアンといえば原色をイメージするし。でもこの色合いに微妙にソソられるものがあって、それがモンドリアンというのがまた意外で、けっこう長く眺めていた。もっともこんな絵だからパッと見から印象は変化しないのだが。
「グリッドのあるコンポジション5:菱形、色彩のコンポジション」
モンドリアン 1919年
ここに紹介したのは12点、会場には全部で20展が展示されていた。ヘレーネのコレクションが素晴らしいのか、あるいはこれらの作品を選んだキュレーター（学芸員）のセンスが私の好みとマッチしていたのか、とにかく「捨て絵」はほとんどなく、最初に書いたように前菜ではなくメインディッシュの一部として見応えがあった。全部持ち帰って家に飾りたいくらい。そんなに広くてたくさんの壁面はないのが残念(^^ゞ
ーーー続く
wassho at 21:38｜Permalink│Comments(0)│
2018年06月22日
ルドン 秘密の花園 その３
「ドムシー男爵の食堂装飾」の次は「『黒』に棲まう動植物」というコーナー。タイトルに黒と入っているのは、ここにあるのが版画でモノクロ作品だからだろう。
それでこういうタイプの作品が並ぶ。
「『起源』II. おそらく花の中に最初の視覚が試みられた」 1883年
「『起源』 ��. 不恰好なポリープは薄笑いを浮かべた醜い一つ目巨人のように岸辺を漂っていた」 1883年
これらが描かれたのは2つ前のエントリーで紹介した「植物人間」「キャリバン」「ゴヤ頌 ��. 沼の花、悲しげな人間の顔」と同じ時期だから、この頃のルドンはこういう作風だったということ。展示作品ではないが、これなんかはけっこうヤバイ感じ。なぜ彼がこういう絵を描いたのかは調べればわかるだろうが、このタイプには興味がないので調べていない。でも展覧会では、せっかく金を払っているのだからとじっくり眺めてきた。それであれこれ妄想するとーーー
まず
ルドンは印象派時代の画家である。その時代に印象派とはまったくベクトルの異なることをするのだからルドンは変わり者。こんな絵は好きじゃないけれど、これは褒め言葉のつもり。
そして
この時期のルドンを知った上で前回に紹介した「グラン・ブーケ」を観ると、少し印象が変わってくるのが面白い。あの美しい絵のどこかに、これらの絵と同じような薄気味悪さあるいは妖気のようなものが、わずかに含まれているように感じるのである。言い方を変えると花なのに話したり動き出しそうな感じ。考え過ぎかな？
次のコーナーは「蝶の夢、草花の無意識、水の眠り」。ここでルドンの作風は一変する。ちょっと一筋縄では行かない雰囲気は残しながらも陰から陽への大変身。
「蝶と花」 1910〜1914年
「小舟」 1900年
前々回のエントリーで紹介した作品でも、光り輝いているものをルドンはいつもこういう線を使って描く。いってみれば子供の絵と同じ表現方法。案外テクニックはなかったのかも？
「目を閉じて」 1900年以降
「ステンドグラス」 1907年頃
ステンドグラスは色ガラスを組み合わせて作るもの。どうやったってこんなステンドグラスは作れない。なぜこれがステンドグラスというタイトルなのかナゾ
「神秘」 1910年頃
「蝶」 1910年頃
次は「再現と想起という二つの岸の合流にやってきた花ばな」という難解なタイトルのコーナー。これはルドン自身が花について語った言葉から引用されているらしい。展示されていたのは花瓶に活けられた花の静物画。
「日本風の花瓶」 1908年
印象派の時代にフランスでは浮世絵を中心にジャポネスクブームがあった。つまり日本的な趣味がもてはやされた。ルドンは印象派とは真逆だから、世間とはかけ離れた孤高の人かと思っていたが、ちゃかり流行には乗っていたのね。
それはともかく、これはまるで花が宙に舞っているように感じる。グラン・ブーケの妖しさとは方向性は違うが、まるで生きている・動くもののようにように植物を描くのがルドン流。とはいっても展示されていた他の作品はそうではなかったけれど。
「青い花瓶の花」 1912〜1914年頃
「野の花のいけられた花瓶」 1910年頃
これは珍しく写実的で立体感のある作風。約90作品が展示されていた今回の展覧会で奥行きを感じさせるのは、これを含めて数点しかなかった。
グラン・ブーケを初めて見た時は、その美しさに惚れ惚れした。今回はその中にかすかな「妖しさ」を感じられたことが収穫。おそらくそれはルドンがモノクロの薄気味悪い絵を描いて習得した何かが反映されているのだろう。そしてルドンはグラン・ブーケだけの一発屋という認識も完全に覆った。少し捉えどころの難しい絵が多いが、それも想像力を膨らませられて楽しめる。それと背景に青を上手く配置したものが多く、写真を撮るなら青空の下に限ると思っている私と趣味が合う(^^ゞ
おしまい
それでこういうタイプの作品が並ぶ。
「『起源』II. おそらく花の中に最初の視覚が試みられた」 1883年
「『起源』 ��. 不恰好なポリープは薄笑いを浮かべた醜い一つ目巨人のように岸辺を漂っていた」 1883年
これらが描かれたのは2つ前のエントリーで紹介した「植物人間」「キャリバン」「ゴヤ頌 ��. 沼の花、悲しげな人間の顔」と同じ時期だから、この頃のルドンはこういう作風だったということ。展示作品ではないが、これなんかはけっこうヤバイ感じ。なぜ彼がこういう絵を描いたのかは調べればわかるだろうが、このタイプには興味がないので調べていない。でも展覧会では、せっかく金を払っているのだからとじっくり眺めてきた。それであれこれ妄想するとーーー
まず
ルドンは印象派時代の画家である。その時代に印象派とはまったくベクトルの異なることをするのだからルドンは変わり者。こんな絵は好きじゃないけれど、これは褒め言葉のつもり。
そして
この時期のルドンを知った上で前回に紹介した「グラン・ブーケ」を観ると、少し印象が変わってくるのが面白い。あの美しい絵のどこかに、これらの絵と同じような薄気味悪さあるいは妖気のようなものが、わずかに含まれているように感じるのである。言い方を変えると花なのに話したり動き出しそうな感じ。考え過ぎかな？
次のコーナーは「蝶の夢、草花の無意識、水の眠り」。ここでルドンの作風は一変する。ちょっと一筋縄では行かない雰囲気は残しながらも陰から陽への大変身。
「蝶と花」 1910〜1914年
「小舟」 1900年
前々回のエントリーで紹介した作品でも、光り輝いているものをルドンはいつもこういう線を使って描く。いってみれば子供の絵と同じ表現方法。案外テクニックはなかったのかも？
「目を閉じて」 1900年以降
「ステンドグラス」 1907年頃
ステンドグラスは色ガラスを組み合わせて作るもの。どうやったってこんなステンドグラスは作れない。なぜこれがステンドグラスというタイトルなのかナゾ
「神秘」 1910年頃
「蝶」 1910年頃
次は「再現と想起という二つの岸の合流にやってきた花ばな」という難解なタイトルのコーナー。これはルドン自身が花について語った言葉から引用されているらしい。展示されていたのは花瓶に活けられた花の静物画。
「日本風の花瓶」 1908年
印象派の時代にフランスでは浮世絵を中心にジャポネスクブームがあった。つまり日本的な趣味がもてはやされた。ルドンは印象派とは真逆だから、世間とはかけ離れた孤高の人かと思っていたが、ちゃかり流行には乗っていたのね。
それはともかく、これはまるで花が宙に舞っているように感じる。グラン・ブーケの妖しさとは方向性は違うが、まるで生きている・動くもののようにように植物を描くのがルドン流。とはいっても展示されていた他の作品はそうではなかったけれど。
「青い花瓶の花」 1912〜1914年頃
「野の花のいけられた花瓶」 1910年頃
これは珍しく写実的で立体感のある作風。約90作品が展示されていた今回の展覧会で奥行きを感じさせるのは、これを含めて数点しかなかった。
グラン・ブーケを初めて見た時は、その美しさに惚れ惚れした。今回はその中にかすかな「妖しさ」を感じられたことが収穫。おそらくそれはルドンがモノクロの薄気味悪い絵を描いて習得した何かが反映されているのだろう。そしてルドンはグラン・ブーケだけの一発屋という認識も完全に覆った。少し捉えどころの難しい絵が多いが、それも想像力を膨らませられて楽しめる。それと背景に青を上手く配置したものが多く、写真を撮るなら青空の下に限ると思っている私と趣味が合う(^^ゞ
おしまい
wassho at 07:15｜Permalink│Comments(0)│
2018年06月16日
ルドン 秘密の花園 その２
４つ目のコーナーはこの展覧会のメインである「ドムシー男爵の食堂装飾」。貴族の邸宅にある36平米の食堂に飾られていた16枚の絵を一同に集めての展示。そのうちの１枚は前回のブログでも触れた、三菱一号館美術館が常設展示しているグランブーケ。残り15枚はオルセー美術館が所有していて貸し出されたもの。
このコーナーでは複製画を用いて、16枚の絵画が食堂でどのようにレイアウトされていたかを再現する展示もあった。そこだけ写真撮影がOKとなっていたので、食堂装飾の意味がわかるようにそれを先に載せておく。
複製画の展示風景
食堂でのイメージがつかみやすいとはいえるが、ナンダカナ〜という展示方法。最初の配置図でわかるように絵は食堂を取り囲むように壁に掛けられている。当然ながら窓や棚なども絵以外の部分が壁にはある。そこをどうして真っ黒に塗りつぶすかなあ(/o＼) まったく食堂の雰囲気が出ないじゃないか。実際の食堂がどのような造作だったかの資料がなかったのかもしれないが、そこは適当に部屋の中らしい雰囲気に仕上げておけばいいのに。とにかく黒い板に絵を貼って「食堂の再現」とホザく美術館のセンスのなさと、ヤッツケ仕事にはガッカリである。
さて、気を取り直していくつかの絵の紹介。でも本当の怒りはこの後に炸裂する！
ブログに貼り付けるとサイズ感がバラバラになる。それは配置図で想像してちょうだい。なお黒い板で再現された食堂に掲げられた複製画は、いくらか縮小したサイズだった。
「ひな菊」 1900〜1901年（製作年は他の作品も同じ）
「人物」
「人物（黄色い花）」
「花とナナカマドの実」
「花のフリーズ(赤いひな菊）」
「花と実のフリーズ」
「黄色い背景の樹」
「黄色い背景の樹」 ※同じタイトル
これらが食堂に飾られていた絵だという先入観があるせいか、どことなく壁紙的に感じる。いい雰囲気だが遠近感とかはまるでなし。でも食堂の壁を取り囲む、まさに壁紙的に使われていたのだから、こういうお気楽な感じがいいのだと思う。渾身の力作が16枚並んだら食欲が失せるかも(^^ゞ なおフリーズ（frise）というのはフランス語読みではフリゼで、室内装飾やじゅうたん用の生地という意味らしい。
そして「グラン・ブーケ(大きな花束)」。平面的な描き方は他と同じでも、色使いは明らかに違っていて、これが食堂インテリアのアクセントとして、やや人目を引くように仕上がられた作品なことは明らか。
５年半ぶりに観たグランブーケだが、その美しさに見とれてしまう。高さは250センチあって迫力も充分。
それで他の15作品と並べて観てどうだったかというとーーー食堂作品のメインであるグランブーケは、別の場所(いつもの常設展示コーナー）にあって、なんとこのコーナーでは白黒のコピーが展示されていたのである！！！！！
どうしてそういうことをする？
どういう思考回路でそういう企画になる？
まったく理解できない。三菱一号館美術館はなかなか素敵な美術館であるが、展覧会の企画を担当している人間はカス中のカスである（怒）。3時間くらい正座させて説教したい。
気を沈めて(^^ゞ他の作品。なぜか「ドムシー男爵の食堂装飾」と同じグループ分類にされていたもの。ただし展示場所は食堂作品とは別だったと思う。5月3日のことなのでもう記憶が曖昧。
「ドムシー男爵夫人の肖像」 1900年
「神秘的な会話」 1896年
肖像画の背景の描き方はめずらしいかな。ルドンらしいといえばそうかも。男爵夫人の肖像画だから同じ分類なのはわかるが、「神秘的な会話」がなぜこの分類なのかはナゾ
ついでに実際の食堂の配置とは異なるが、何枚かの絵を組み合わせた画像があったので載せておく。こういう絵に囲まれて優雅に食事をしたいね。
ーーー続く
このコーナーでは複製画を用いて、16枚の絵画が食堂でどのようにレイアウトされていたかを再現する展示もあった。そこだけ写真撮影がOKとなっていたので、食堂装飾の意味がわかるようにそれを先に載せておく。
複製画の展示風景
食堂でのイメージがつかみやすいとはいえるが、ナンダカナ〜という展示方法。最初の配置図でわかるように絵は食堂を取り囲むように壁に掛けられている。当然ながら窓や棚なども絵以外の部分が壁にはある。そこをどうして真っ黒に塗りつぶすかなあ(/o＼) まったく食堂の雰囲気が出ないじゃないか。実際の食堂がどのような造作だったかの資料がなかったのかもしれないが、そこは適当に部屋の中らしい雰囲気に仕上げておけばいいのに。とにかく黒い板に絵を貼って「食堂の再現」とホザく美術館のセンスのなさと、ヤッツケ仕事にはガッカリである。
さて、気を取り直していくつかの絵の紹介。でも本当の怒りはこの後に炸裂する！
ブログに貼り付けるとサイズ感がバラバラになる。それは配置図で想像してちょうだい。なお黒い板で再現された食堂に掲げられた複製画は、いくらか縮小したサイズだった。
「ひな菊」 1900〜1901年（製作年は他の作品も同じ）
「人物」
「人物（黄色い花）」
「花とナナカマドの実」
「花のフリーズ(赤いひな菊）」
「花と実のフリーズ」
「黄色い背景の樹」
「黄色い背景の樹」 ※同じタイトル
これらが食堂に飾られていた絵だという先入観があるせいか、どことなく壁紙的に感じる。いい雰囲気だが遠近感とかはまるでなし。でも食堂の壁を取り囲む、まさに壁紙的に使われていたのだから、こういうお気楽な感じがいいのだと思う。渾身の力作が16枚並んだら食欲が失せるかも(^^ゞ なおフリーズ（frise）というのはフランス語読みではフリゼで、室内装飾やじゅうたん用の生地という意味らしい。
そして「グラン・ブーケ(大きな花束)」。平面的な描き方は他と同じでも、色使いは明らかに違っていて、これが食堂インテリアのアクセントとして、やや人目を引くように仕上がられた作品なことは明らか。
５年半ぶりに観たグランブーケだが、その美しさに見とれてしまう。高さは250センチあって迫力も充分。
それで他の15作品と並べて観てどうだったかというとーーー食堂作品のメインであるグランブーケは、別の場所(いつもの常設展示コーナー）にあって、なんとこのコーナーでは白黒のコピーが展示されていたのである！！！！！
どうしてそういうことをする？
どういう思考回路でそういう企画になる？
まったく理解できない。三菱一号館美術館はなかなか素敵な美術館であるが、展覧会の企画を担当している人間はカス中のカスである（怒）。3時間くらい正座させて説教したい。
気を沈めて(^^ゞ他の作品。なぜか「ドムシー男爵の食堂装飾」と同じグループ分類にされていたもの。ただし展示場所は食堂作品とは別だったと思う。5月3日のことなのでもう記憶が曖昧。
「ドムシー男爵夫人の肖像」 1900年
「神秘的な会話」 1896年
肖像画の背景の描き方はめずらしいかな。ルドンらしいといえばそうかも。男爵夫人の肖像画だから同じ分類なのはわかるが、「神秘的な会話」がなぜこの分類なのかはナゾ
ついでに実際の食堂の配置とは異なるが、何枚かの絵を組み合わせた画像があったので載せておく。こういう絵に囲まれて優雅に食事をしたいね。
ーーー続く
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2018年06月15日
ルドン 秘密の花園
ラ・フォル・ジュルネの公演プログラムのあいまに訪れた展覧会。5月3日のことでブログに書くのがずいぶんと遅くなってしまった。
開催されていたのは三菱一号館美術館。ルドンは以前に「グラン・ブーケ」という作品を同じ三菱一号館美術館で観て(常設展示）とても強い印象を受けた。初めて知った画家だったので、その時に少し調べてわかったことは
グラン・ブーケとは真逆の薄気味悪い絵をたくさん描いている
いろんな作品の中でグラン・ブーケだけが群を抜いて素晴らしい
ということ。あくまで私の判断基準でだけれど。というわけでルドンにはそれほど関心を持っていなかったのが正直なところ。でもラ・フォル・ジュルネの会場から至近距離に三菱一号館美術館があるので暇つぶしに。
オディロン・ルドンは1840年生まれのフランス人画家。明治維新が1868年で、また印象派の画家達と同世代。しかし印象派が｢現実｣を印象化して描いたのに対して、ルドンは架空世界を多く描いたという点でまったく違う。時期によって画風はかなりドラスティックに変遷するが、彼が名を残したのは私があまり好きではない薄気味悪い作品によるものだと思う。
展覧会サブタイトルの｢秘密の花園」はルドンの作品から植物をモチーフにしたものを集めたかららしいが、そうじゃない作品もかなり多かったように思う。不気味な絵にも植物が添えられているので、秘密の花園をのぞくという背徳感は味わえなかった(^^ゞ
「スペインにて」 1865年 エッチング
ルドンは版画家からキャリアをスタートしたとのこと。しかしまあモノクロの版画はそれだけを観に行けば違うのかも知れないが、色つきの油絵と一緒に展示されていると、あまり興味を持って眺められないのが正直なところ。
次も上記と同じく最初のコーナーにあった作品。制作年不詳のものが多いが初期の作品なのだと思う。ごく普通の絵が並ぶ。多少は印象派の影響を受けているのかも。
ちなみにペイルルバード、メドックとも地名。彼が生まれ幼少期を過ごしたのが南フランスのボルドー近郊のメドック村で、ペイルルバードは村の中の地区名。こちらのブログではとても爽やかな景色が広がっている。
「風景」 制作年不詳
「ペイルルバードの小道」 制作年不詳
「ペイルルバードのポプラ」 制作年不詳
「メドックの秋」 1897年
2つ目は「人間と樹木」というコーナー。だんだんと気持ち悪い絵が多くなってくる(>_<)
「荊の冠の頭部(キリストの頭部）」 1877年
「植物人間」 1880年
「キャリバン」 1881年 ※キャリバンはシェイクスピアの作品に登場する怪物
「荊の冠の頭部」はよく見ると普通の作風なのだが、一緒に並んでいる作品のせいで損をしているかも。上記の3点は木炭あるいは木炭と鉛筆で描かれたもの。同じコーナーで次の3点は油絵。だんだんとルドンの幻想感がにじみ出てくる。
「キャリバンの眠り」 1895〜1900年
「エジプトへの逃避」 制作年不詳
「ヤコブと天使」 1907年
ルドンは20歳頃に植物学者アルマン・クラヴォーと知り合い、顕微鏡で見える世界に没頭したとのこと。それが後半に出てくる「気持ち悪い絵シリーズpart2」に影響しているらしい。
次の2点は「植物学者アルマン・クラヴォー」というコーナーにあったが、顕微鏡とはあまり関係がないみたい。
「ゴヤ頌 ��. 沼の花、悲しげな人間の顔」 1885年 リトグラフ
絵が絵だし、ゴヤ頌と「頌（しょう）」がつくとなんのことかすぐはわからないが、このゴヤはスペインでもっとも偉大とされる画家の1人である、あのゴヤである。
「頌（しょう）」は「誉めたたえる・敬意を払う」という意味。漢字と読み方は違うが「家康公」みたいなもの。たまに絵画のタイトル和訳に「頌」を見かけるが、もう死語なので別の言葉に置き換えて欲しいものだ。ちなみにオリジナルのタイトルは「Hommage a Goya」。ゴヤへのオマージュというタイトルのほうがよっぽど意味が伝わる。絵が絵だし(2回目）このゴヤをあのゴヤとは思わずに絵を観ていた人のほうが多いと思う。
私には漫画の1カットに出てくるレベルのものにしか見えないが、当時はこういう絵にインパクトがあって価値を認められたのだろうか。だとしても格式高い宮廷画家だったゴヤは、あの世でブチ切れたに違いない(^^ゞ
「若き日の仏陀」 1905年
アルマン・クラヴォーはインド文化にも傾倒していたらしく、その流れでルドンも仏教に関心を持ったのかもしれない。それにしてもフランス人が描くとお釈迦様もずいぶんと印象が変わる。なかなかいい感じの幻想度合い。
偶然だろうが「ペイルルバードの小道」「キャリバンの眠り」とこの絵、そして次回に紹介するいくつかも、青や水色を背景にしたルドン作品に私が気に入ったものが多い。
ーーー続く
開催されていたのは三菱一号館美術館。ルドンは以前に「グラン・ブーケ」という作品を同じ三菱一号館美術館で観て(常設展示）とても強い印象を受けた。初めて知った画家だったので、その時に少し調べてわかったことは
グラン・ブーケとは真逆の薄気味悪い絵をたくさん描いている
いろんな作品の中でグラン・ブーケだけが群を抜いて素晴らしい
ということ。あくまで私の判断基準でだけれど。というわけでルドンにはそれほど関心を持っていなかったのが正直なところ。でもラ・フォル・ジュルネの会場から至近距離に三菱一号館美術館があるので暇つぶしに。
オディロン・ルドンは1840年生まれのフランス人画家。明治維新が1868年で、また印象派の画家達と同世代。しかし印象派が｢現実｣を印象化して描いたのに対して、ルドンは架空世界を多く描いたという点でまったく違う。時期によって画風はかなりドラスティックに変遷するが、彼が名を残したのは私があまり好きではない薄気味悪い作品によるものだと思う。
展覧会サブタイトルの｢秘密の花園」はルドンの作品から植物をモチーフにしたものを集めたかららしいが、そうじゃない作品もかなり多かったように思う。不気味な絵にも植物が添えられているので、秘密の花園をのぞくという背徳感は味わえなかった(^^ゞ
「スペインにて」 1865年 エッチング
ルドンは版画家からキャリアをスタートしたとのこと。しかしまあモノクロの版画はそれだけを観に行けば違うのかも知れないが、色つきの油絵と一緒に展示されていると、あまり興味を持って眺められないのが正直なところ。
次も上記と同じく最初のコーナーにあった作品。制作年不詳のものが多いが初期の作品なのだと思う。ごく普通の絵が並ぶ。多少は印象派の影響を受けているのかも。
ちなみにペイルルバード、メドックとも地名。彼が生まれ幼少期を過ごしたのが南フランスのボルドー近郊のメドック村で、ペイルルバードは村の中の地区名。こちらのブログではとても爽やかな景色が広がっている。
「風景」 制作年不詳
「ペイルルバードの小道」 制作年不詳
「ペイルルバードのポプラ」 制作年不詳
「メドックの秋」 1897年
2つ目は「人間と樹木」というコーナー。だんだんと気持ち悪い絵が多くなってくる(>_<)
「荊の冠の頭部(キリストの頭部）」 1877年
「植物人間」 1880年
「キャリバン」 1881年 ※キャリバンはシェイクスピアの作品に登場する怪物
「荊の冠の頭部」はよく見ると普通の作風なのだが、一緒に並んでいる作品のせいで損をしているかも。上記の3点は木炭あるいは木炭と鉛筆で描かれたもの。同じコーナーで次の3点は油絵。だんだんとルドンの幻想感がにじみ出てくる。
「キャリバンの眠り」 1895〜1900年
「エジプトへの逃避」 制作年不詳
「ヤコブと天使」 1907年
ルドンは20歳頃に植物学者アルマン・クラヴォーと知り合い、顕微鏡で見える世界に没頭したとのこと。それが後半に出てくる「気持ち悪い絵シリーズpart2」に影響しているらしい。
次の2点は「植物学者アルマン・クラヴォー」というコーナーにあったが、顕微鏡とはあまり関係がないみたい。
「ゴヤ頌 ��. 沼の花、悲しげな人間の顔」 1885年 リトグラフ
絵が絵だし、ゴヤ頌と「頌（しょう）」がつくとなんのことかすぐはわからないが、このゴヤはスペインでもっとも偉大とされる画家の1人である、あのゴヤである。
「頌（しょう）」は「誉めたたえる・敬意を払う」という意味。漢字と読み方は違うが「家康公」みたいなもの。たまに絵画のタイトル和訳に「頌」を見かけるが、もう死語なので別の言葉に置き換えて欲しいものだ。ちなみにオリジナルのタイトルは「Hommage a Goya」。ゴヤへのオマージュというタイトルのほうがよっぽど意味が伝わる。絵が絵だし(2回目）このゴヤをあのゴヤとは思わずに絵を観ていた人のほうが多いと思う。
私には漫画の1カットに出てくるレベルのものにしか見えないが、当時はこういう絵にインパクトがあって価値を認められたのだろうか。だとしても格式高い宮廷画家だったゴヤは、あの世でブチ切れたに違いない(^^ゞ
「若き日の仏陀」 1905年
アルマン・クラヴォーはインド文化にも傾倒していたらしく、その流れでルドンも仏教に関心を持ったのかもしれない。それにしてもフランス人が描くとお釈迦様もずいぶんと印象が変わる。なかなかいい感じの幻想度合い。
偶然だろうが「ペイルルバードの小道」「キャリバンの眠り」とこの絵、そして次回に紹介するいくつかも、青や水色を背景にしたルドン作品に私が気に入ったものが多い。
ーーー続く
wassho at 19:43｜Permalink│Comments(0)│
2012年12月07日
シャルダン展 ー 静寂の巨匠 続き
本日の地震はちょっとビビッた。
小さな揺れが長く続き「これは3.11の時と同じパターンだな」と冗談を言っていたら、本当にその後大きくグラッと揺れた。もちろん揺れ方は普段よりは激しかったとはいえ、大震災と時とは較べものにならない。オフィスの棚からは何も落ちなかった。だから揺れて怖いというより、3.11の記憶がよみがえって怖かったというのが正直なところ。揺れが収まってから避難というか気休めにビルの外に出る。あのときと違って騒ぎにはなっていない。タバコを1本吸って戻った。東北でも特に被害はなかったようでなにより。
さてシャルダン展。
ジャン・シメオン・シャルダン（1699-1779）
フランス人。
赤穂浪士の討ち入りのあった元禄時代中頃に生まれた画家。
宗教画や肖像画といった一般受けするあるいは儲かりそうな絵は描かず、静物画と風俗画(エッチな風俗じゃなくて生活シーンみたいな意味）の作品がほとんどな画家。
全然知らなかった。
個人の名前が付く展示会が開かれるレベルの画家なら、どこかで名前くらい聞いたことがあっても良さそうなものだが。マイナーな画家ではあるがヨーロッパでは再評価が進んで人気上昇中らしい。日本で個展が開かれるのは今回が初めて。というわけで「初モノいっときますか！」なノリで訪れたしだい。
展示会のサブタイトルに「静寂の巨匠」とあるように静かな画風である。もう少し普通にいうなら、とことん地味。色も茶系が多くて暗い感じ。
「昼食のしたく」
(別名)銀のゴブレット
昼食の支度というより食べた後という気がするがーーー。フランスパンと赤ワイン、皿の料理はわからない。ゴブレットというのは大きめのコップに短めの脚が着いた食器(材質ではなく形の名前）。それで銀器でワインを飲むのか？と絵とは関係ないところに気が向いてしまう。ゴブレットの描写は丁寧で本当に金属のような質感が感じられる。
「死んだ野兎と獲物袋」
日本でいえば台所に魚がおいてあるようなもので、フランスだからウサギが転がっていても不思議はない。でも日本人的には何となくショッキングな題材に思える。開いて延びきった両脚が「死んでいる」イメージをリアルに伝える。
「肉のない料理」
「肉のある料理」
この２つは対作品。
シャルダンは対作品の多い画家らしく、ほかにもいくつか展示されていた。でも2つ揃って意味をなす絵ではなく、単なるシリーズ作品だと思う。
「錫引きの銅鍋」
とりあえずシャルダンはキッチン・フェチである(^^ゞ
「羽根を持つ少女」
この絵の評価は難しい。
全体としては少女の愛くるしさ、あどけなさが絵から溢れ出ている。とても素敵。でもよく見ると胴体がおかしい。円錐形を逆さまにしたような形。手首から手にかけてもどこか不自然な形。ついでにいうとバトミントンをするのにこのスカート？という疑問もある。でもそれは着物を着て羽子板をするから、その頃のフランスではそうだったのかもしれない。この絵はあまり注意深く観察しないでボンヤリと楽しむのがいいのかもしれない。
シャルダンは対作品が多いと書いたが、ヴァリアントと呼ばれる、ほぼ同じように描いた作品も多いらしい。この羽根を持つ少女のヴァリアントも展示されていた。
ヴァリアント variant
辞書で引くと異形とか異形体。絵画の世界では「同主題の異作」と訳される。関係ないけどマーケティングでは同じシリーズの違う商品を指す場合が多い。たとえばAというシャンプーに「ノーマルヘア用」「と「ダメージヘア用」があったら、Aシャンプーには2つのヴァリアントがあるなどという。
ところで絵画の世界でヴァリアントは同主題の異作らしいが、実際は(シャルダンの場合は）ほとんど同じ仕上がりのコピーみたいな作品である。同主題を異なるアプローチで描いた絵ではまったくない。2つのヴァリアントが同時に展示されるのは何十年ぶりとか解説に書いてあったけれど、そんなありがたいものなのか？ 1枚描いたら高く売れたので、同じようにもう1枚描いたというのがヴァリアントじゃないのかな。
「食前の祈り」
シャルダンの人気作品だそうだが、私にごく普通レベルの作品にしか見えなかった。これもヴァリアントで、間違い探しクイズレベルでしか違わない絵が2つ展示されている。隣に展示されているのだが、2つを同時に眺めることはできない。どうせならピタッと並べて展示してくれればよかったのに。
それと小さな椅子に座っている子供は、この高さじゃ食べられないからお母さんの膝の上に座って食べるのだろうかとか、もう一人の子供も同じような身長に見えるのに、なぜこの子は大きな椅子に座って食べられる高さになっているのだろうかなどと、いつもながら余計なことが気になった。
「セリネット（鳥風琴）」
この作品にもヴァリアントがあるが、この展示会には来ていない。女性がハンドルを回しているのがセリネット。オルゴールのように手回しで自動的に演奏するオルガンのうち、小型のものがセリネット。和名を鳥風琴(風琴とはオルガンのこと）というように、これでカナリアに歌を教え込むらしい。だから絵の左手前に鳥籠がある。楽しそうなシーンなのに暗くて地味なのはシャルダンの個性？
「カーネーションの花瓶」
これがカーネーションに見える？
ウサギはとってもリアルに描くのに、鍋すら丹精込めて描くのに(^^ゞ
なにゆえ花はラフなタッチ？
「木いちごの籠」
この作品は明るさがあってホッとする。画面ではおいしそうなイチゴに見えると思うが、実際はかなりペターっとしたタッチで描かれており食欲はそそられない。ちなみにイチゴの手前に置かれている白い花もカーネーション。こちらはカーネーションの形をしているが、なにゆえ花びらをまだら模様に描く？
シャルダンはカーネーションに何か恨みがあるのかな。
シャルダンの絵は暗くて地味である。でもまったく退屈しないで展示会を見られたから、やっぱり一流の画家なんだろうと思う。たぶん玄人受けする画風で、パッと見て何かを感じられる絵ではなく、じっくり眺めてしみじみ味わう絵かもしれない。そういう意味じゃ私には敷居が高いというか、私はそういうことをアートに求めていない。でもいろんな絵を見ることは世界観が広がるようで楽しい。決してハズレな展示会だとは思わなかった。
ところで三菱一号館美術館。
写真は休憩室。
ふと天井を見上げると、
洋館って屋根のところは意外と木造なのね。
昔の設計を復元した建物だから館内もクラシック。
でも見ての通り通路は狭い。
美術館を入れることが最初から決まっていなかったのかも知れないが、使い勝手というか見学し勝手はとても悪い。美術館としては狭い部屋がいくつもあって、それを順番に回っていく造りになっている。それらは絵画の展示室としては天井も低い。それで通路も狭いし、なぜか特に意味があるとも思えないガラスの扉があちこちにあって、しかも「ここに手を触れてください」式の自動ドア。
そういう点では不満タラタラ。でも考え直すと、こういう建物の美術館はよそにはないから、これも個性のうちと楽しめばいいかなとも思えてくる。全体に重厚な雰囲気があるから西洋絵画にはイメージがあう。でももう少し工夫があってもよかった。残念ながら私が生きているうちに、また取り壊して再開発することはないと思う。
シャルダンに影響を受けた画家としてミレーの風俗画と、セザンヌの静物画が展示されていた。それはいいとして、先に書いたようにいくつもの部屋を回っていくのだが、ある部屋にはいるとこんな絵がドーンと。
かなり大きなサイズ。高さ250センチ。照明も変わっていて暗闇にこの絵だけが浮かび上がるような設定になっていた。どう考えてもシャルダン展には場違いな画風。シャガール？とも思ったが、やはりちょっと違う。
これはオディロン・ルドンの「グラン・ブーケ(大きな花束)」という作品。またしても知らない画家。シャルダン展とは関係なく、この美術館のコレクションの1つ。ここは常設の展示室がないから、企画展のたびに少しずつコレクションも披露していく方針らしい。それにしても何の前触れもなく部屋に入ったらいきなりこれが展示してあるのだから驚いた。やっぱりちょっと変わった美術館である。
でもこの作品、とても気に入った。
最後にどうでもいいことを。
ゲゲゲの鬼太郎の「目玉おやじ」はルドンの作品からヒントを得たそうである。そしてシャルダンといえば画家よりエステー化学の消臭剤。何とそのブランド名は画家のシャルダンが由来。経営者がこの画家のファンだったのかな？ 著作権とかあまりうるさくない時代に発売された商品であるが、シャルダンはまさか自分の名前の付いた商品が日本のトイレで活躍しているとは夢にも思っていまい。
おしまい
小さな揺れが長く続き「これは3.11の時と同じパターンだな」と冗談を言っていたら、本当にその後大きくグラッと揺れた。もちろん揺れ方は普段よりは激しかったとはいえ、大震災と時とは較べものにならない。オフィスの棚からは何も落ちなかった。だから揺れて怖いというより、3.11の記憶がよみがえって怖かったというのが正直なところ。揺れが収まってから避難というか気休めにビルの外に出る。あのときと違って騒ぎにはなっていない。タバコを1本吸って戻った。東北でも特に被害はなかったようでなにより。
さてシャルダン展。
ジャン・シメオン・シャルダン（1699-1779）
フランス人。
赤穂浪士の討ち入りのあった元禄時代中頃に生まれた画家。
宗教画や肖像画といった一般受けするあるいは儲かりそうな絵は描かず、静物画と風俗画(エッチな風俗じゃなくて生活シーンみたいな意味）の作品がほとんどな画家。
全然知らなかった。
個人の名前が付く展示会が開かれるレベルの画家なら、どこかで名前くらい聞いたことがあっても良さそうなものだが。マイナーな画家ではあるがヨーロッパでは再評価が進んで人気上昇中らしい。日本で個展が開かれるのは今回が初めて。というわけで「初モノいっときますか！」なノリで訪れたしだい。
展示会のサブタイトルに「静寂の巨匠」とあるように静かな画風である。もう少し普通にいうなら、とことん地味。色も茶系が多くて暗い感じ。
「昼食のしたく」
(別名)銀のゴブレット
昼食の支度というより食べた後という気がするがーーー。フランスパンと赤ワイン、皿の料理はわからない。ゴブレットというのは大きめのコップに短めの脚が着いた食器(材質ではなく形の名前）。それで銀器でワインを飲むのか？と絵とは関係ないところに気が向いてしまう。ゴブレットの描写は丁寧で本当に金属のような質感が感じられる。
「死んだ野兎と獲物袋」
日本でいえば台所に魚がおいてあるようなもので、フランスだからウサギが転がっていても不思議はない。でも日本人的には何となくショッキングな題材に思える。開いて延びきった両脚が「死んでいる」イメージをリアルに伝える。
「肉のない料理」
「肉のある料理」
この２つは対作品。
シャルダンは対作品の多い画家らしく、ほかにもいくつか展示されていた。でも2つ揃って意味をなす絵ではなく、単なるシリーズ作品だと思う。
「錫引きの銅鍋」
とりあえずシャルダンはキッチン・フェチである(^^ゞ
「羽根を持つ少女」
この絵の評価は難しい。
全体としては少女の愛くるしさ、あどけなさが絵から溢れ出ている。とても素敵。でもよく見ると胴体がおかしい。円錐形を逆さまにしたような形。手首から手にかけてもどこか不自然な形。ついでにいうとバトミントンをするのにこのスカート？という疑問もある。でもそれは着物を着て羽子板をするから、その頃のフランスではそうだったのかもしれない。この絵はあまり注意深く観察しないでボンヤリと楽しむのがいいのかもしれない。
シャルダンは対作品が多いと書いたが、ヴァリアントと呼ばれる、ほぼ同じように描いた作品も多いらしい。この羽根を持つ少女のヴァリアントも展示されていた。
ヴァリアント variant
辞書で引くと異形とか異形体。絵画の世界では「同主題の異作」と訳される。関係ないけどマーケティングでは同じシリーズの違う商品を指す場合が多い。たとえばAというシャンプーに「ノーマルヘア用」「と「ダメージヘア用」があったら、Aシャンプーには2つのヴァリアントがあるなどという。
ところで絵画の世界でヴァリアントは同主題の異作らしいが、実際は(シャルダンの場合は）ほとんど同じ仕上がりのコピーみたいな作品である。同主題を異なるアプローチで描いた絵ではまったくない。2つのヴァリアントが同時に展示されるのは何十年ぶりとか解説に書いてあったけれど、そんなありがたいものなのか？ 1枚描いたら高く売れたので、同じようにもう1枚描いたというのがヴァリアントじゃないのかな。
「食前の祈り」
シャルダンの人気作品だそうだが、私にごく普通レベルの作品にしか見えなかった。これもヴァリアントで、間違い探しクイズレベルでしか違わない絵が2つ展示されている。隣に展示されているのだが、2つを同時に眺めることはできない。どうせならピタッと並べて展示してくれればよかったのに。
それと小さな椅子に座っている子供は、この高さじゃ食べられないからお母さんの膝の上に座って食べるのだろうかとか、もう一人の子供も同じような身長に見えるのに、なぜこの子は大きな椅子に座って食べられる高さになっているのだろうかなどと、いつもながら余計なことが気になった。
「セリネット（鳥風琴）」
この作品にもヴァリアントがあるが、この展示会には来ていない。女性がハンドルを回しているのがセリネット。オルゴールのように手回しで自動的に演奏するオルガンのうち、小型のものがセリネット。和名を鳥風琴(風琴とはオルガンのこと）というように、これでカナリアに歌を教え込むらしい。だから絵の左手前に鳥籠がある。楽しそうなシーンなのに暗くて地味なのはシャルダンの個性？
「カーネーションの花瓶」
これがカーネーションに見える？
ウサギはとってもリアルに描くのに、鍋すら丹精込めて描くのに(^^ゞ
なにゆえ花はラフなタッチ？
「木いちごの籠」
この作品は明るさがあってホッとする。画面ではおいしそうなイチゴに見えると思うが、実際はかなりペターっとしたタッチで描かれており食欲はそそられない。ちなみにイチゴの手前に置かれている白い花もカーネーション。こちらはカーネーションの形をしているが、なにゆえ花びらをまだら模様に描く？
シャルダンはカーネーションに何か恨みがあるのかな。
シャルダンの絵は暗くて地味である。でもまったく退屈しないで展示会を見られたから、やっぱり一流の画家なんだろうと思う。たぶん玄人受けする画風で、パッと見て何かを感じられる絵ではなく、じっくり眺めてしみじみ味わう絵かもしれない。そういう意味じゃ私には敷居が高いというか、私はそういうことをアートに求めていない。でもいろんな絵を見ることは世界観が広がるようで楽しい。決してハズレな展示会だとは思わなかった。
ところで三菱一号館美術館。
写真は休憩室。
ふと天井を見上げると、
洋館って屋根のところは意外と木造なのね。
昔の設計を復元した建物だから館内もクラシック。
でも見ての通り通路は狭い。
美術館を入れることが最初から決まっていなかったのかも知れないが、使い勝手というか見学し勝手はとても悪い。美術館としては狭い部屋がいくつもあって、それを順番に回っていく造りになっている。それらは絵画の展示室としては天井も低い。それで通路も狭いし、なぜか特に意味があるとも思えないガラスの扉があちこちにあって、しかも「ここに手を触れてください」式の自動ドア。
そういう点では不満タラタラ。でも考え直すと、こういう建物の美術館はよそにはないから、これも個性のうちと楽しめばいいかなとも思えてくる。全体に重厚な雰囲気があるから西洋絵画にはイメージがあう。でももう少し工夫があってもよかった。残念ながら私が生きているうちに、また取り壊して再開発することはないと思う。
シャルダンに影響を受けた画家としてミレーの風俗画と、セザンヌの静物画が展示されていた。それはいいとして、先に書いたようにいくつもの部屋を回っていくのだが、ある部屋にはいるとこんな絵がドーンと。
かなり大きなサイズ。高さ250センチ。照明も変わっていて暗闇にこの絵だけが浮かび上がるような設定になっていた。どう考えてもシャルダン展には場違いな画風。シャガール？とも思ったが、やはりちょっと違う。
これはオディロン・ルドンの「グラン・ブーケ(大きな花束)」という作品。またしても知らない画家。シャルダン展とは関係なく、この美術館のコレクションの1つ。ここは常設の展示室がないから、企画展のたびに少しずつコレクションも披露していく方針らしい。それにしても何の前触れもなく部屋に入ったらいきなりこれが展示してあるのだから驚いた。やっぱりちょっと変わった美術館である。
でもこの作品、とても気に入った。
最後にどうでもいいことを。
ゲゲゲの鬼太郎の「目玉おやじ」はルドンの作品からヒントを得たそうである。そしてシャルダンといえば画家よりエステー化学の消臭剤。何とそのブランド名は画家のシャルダンが由来。経営者がこの画家のファンだったのかな？ 著作権とかあまりうるさくない時代に発売された商品であるが、シャルダンはまさか自分の名前の付いた商品が日本のトイレで活躍しているとは夢にも思っていまい。
おしまい
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